Nº 167 MONDO SONORO NOVIEMBRE 2009 by MONDO SONORO

Noviembre de 2009 nº 167

MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

TOKYO SEX DESTRUCTION

SIMULACRO Y DERRIBO THE XX

GENERACIÓN iPOD Y ADEMÁS ESTE MES... COOKIN’ SOUL • THE REQUESTERS • BUFFET LIBRE • KINGS OF CONVENIENCE • RISE AGAINST • LAYABOUTS • PARADE • ALICE IN CHAINS • YACHT EDITORS • SALLY SAPHIRO • RICHARD HAWLEY • CHE SUDAKA • MAMUT • HEALTH • THE FLAMING LIPS • LAS MEJORES PELÍCULAS DE LA DÉCADA

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Deletrear nuevo Polo no es fácil.

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Nuevo Polo… ESP, EDS, ABS, DSG, MP3, GPS. Es cierto, no resulta sencillo deletrear las siglas de todo el equipamiento que puede llevar el nuevo Polo: la caja de cambios DSG, los frenos ABS, el control de estabilidad ESP, el bloqueo electrónico del diferencial EDS, la radio RCD con pantalla táctil y mp3, el navegador GPS… Y si a eso le añadimos lo que no son sólo siglas: los 6 airbags, los elevalunas eléctricos, las llantas de aleación, el ordenador de a bordo o el Climatronic Bi-Zona, resulta que deletrear nuevo Polo es mucho más complicado que deletrear, simplemente, nuevo Polo.

Nuevo Polo. Muy Polo. Muy nuevo.

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MondoSonoro · Noviembre 2009 /5/

sumario

staff Coordinador general Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador publicidad Dani López (dani@mondosonoro.com) Coordinador editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com) Coordinador redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Mondoweb www.mondosonoro.com Coordinador contenidos web Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com)

NOTICIAS

entrevistas

escaparate

6. The Requesters, nuestra electrónica funciona 7. Cookin’ Soul a la conquista de EE.UU 8. Buffet Libre Dj’s solidarios

20. Layabouts Desde la oscuridad 23. The XX Nuevas generaciones 25. Tokyo Sex Destruction Simulacro y derribo

40-41. Che Sudaka, Brendan Benson, Mamut...

resumen década

mondomedia

mondofreako

Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres

11. Editors 12. Sally Saphiro 13. Kings Of Convenience 14. Alice In Chains 15. Health 16. Richard Hawley 17. Mark Eitzel 18. Parade 19. Yatch

◗ Edición estatal Redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Publicidad Dani López (dani@mondosonoro.com) David Morell (david@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200 Diseño gráfico y maquetación David Morgado (maquetacion@mondosonoro.com) ◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 506939

28. Los mejores discos nacionales 30. Los mejores discos internacionales

vinilos 43. The Flaming Lips Disco del mes

57. Las mejores películas de la década 58-59. Mondo Recomienda 60. Conexiones

Conciertos

mondoweb

33-38. BAM, Experimenta Club, FIZ...

62. Blogs

◗ Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Rafa Angulo Tlf./Fax 976 388 892 ◗ Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197 ◗ Illes Balears (baleares@mondosonoro.com) redacción/publicidad Pablo Ochando Tlf. 659 190 479 ◗ Catalunya (xavi@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons Publicidad Itzbi Solís (itzbi@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200 ◗ Com. Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción Raúl Serrador Tlf./Fax 963 220 026 ◗ Euskal-Herria (zarata@mondosonoro.com) Redacción Eli Ibarra Publicidad Eunate Saiz (607 66 20 55) Tlf./Fax 94 415 4551

◗ Galicia-Castilla y León (galicia@mondosonoro.com, castillayleon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379

Tokyo Sex Destruction Simulacro y derribo

◗ Madrid (madrid@mondosonoro.com) Redacción Luis J. Menéndez Publicidad Luis Fernández M. Tlf./Fax 915 400 055 Colaboradores: Textos Adrián Santos, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Francesc Feliu, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Javi López, Javi Pulido, Joan Cabot, Jordi Nopca, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Jorge Obón, Juan Alonso, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Mertxe V. Valero, Miguel Amorós, Nacho P.L., P. Muñoz, Robert Aniento, Toni Castarnado Fotografía Albert Jódar, Colectivo Anguila, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

“no sólo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con todos los que no han votado a Lo Mejor de la Década”

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 E-mail mondo@mondosonoro.com

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“Escucha esto” de Manuel Bartual

/6/ Noviembre 2009 · MondoSonoro

TAN lejos... ◗ Noticias sobre el nuevo disco de AMY WINEHOUSE. Darcus Beese, copresidente de Island Records, sello de la cantante inglesa, se ha atrevido a afirmar que el nuevo disco de la Wino saldrá sin falta el próximo año. El ejecutivo musical confirma que ha escuchado dos demos de canciones nuevas y, que además, son estupendas.

The Requesters Foto Archivo

NOTICIAS

◗ AC/DC acaban de editar “Backtracks”, un lujoso cofre de rarezas (incluye canciones de todos sus periodos, abarcando treinta y seis años de carrera) formado por, atención, tres compactos, dos DVD’s, un vinilo y un libro de 164 páginas lleno de facsímiles, memorabília y fotos del grupo. ◗ TIMBALAND vuelve a la carga, y en la segunda entrega de “Shock Value”, su proyecto en “solitario”, el norteamericano tiene como invitados a: Justin Timberlake, The Fray, Katy Perry, Miley Cyrus, T-Pain, Chris Brown, Keri Hilson, The All-American Rejects, Brandy, Nickelback… El primer sencillo del disco, “Morning After Dark”, con SoShy como invitada, ya se ha filtrado en la red. ◗ Hay vida tras la separación de Oasis. El primero en mover ficha ha sido LIAM GALLAGHER, quien, según el diario sensacionalista The Sun, entrará a grabar en breve unos temas con Liam Howlett, cabeza pensante de The Prodigy y amigo personal del díscolo cantante británico.

The Requesters, nuestra electrónica funciona The Requesters no son unos recién llegados, aunque como de costumbre está siendo necesario que se les aprecie fuera para que aquí se les tome tan en serio como merecen. D.a.r.y.l. y Sidechains unen fuerzas en ese arrollador ejercicio de electrónica de aire noventas que es “The Requesters Ep” (Moda Music, 09).

T Broken Bells Foto Archivo

◗ JAMES MERCER (The Shins) y DANGER MOUSE (Gnarls Barkley) han unido esfuerzos para crear una nueva banda, que, de momento, tiene el nombre provisional de Broken Bells. La pareja de músicos, que ya habían colaborado juntos en el disco de Sparklehorse “Dark Night Of the Soul”, está trabajando en su álbum de debut, a editar a principios de 2010 por Columbia.

ras estar presentes en buena parte de los grandes festivales estatales y remezclar a una larga lista de artistas internacionales juntos o por separado y producir a otros, D.a.r.y.l. y Sidechains están obteniendo el respeto que merecían gracias al lanzamiento del extended play downloable “The Requesters Ep”, editado por Moda Music, sello vinculado a la BBC británica. “La respuesta ha sido mucho mejor de la que esperábamos. Moda Music apareció de la nada y teníamos un poco de miedo de que los temas cayeran en saco roto y no se enterara ni nuestra madre de que salía el disco, pero si algo saben hacer bien los ingleses es promo y rápidamente nos llegaron muestras de que habían hecho bien su trabajo”. Así fue

como Dj Mag UK les colocó en la cuarta posición de su lista MusicWeek junto a Juan Mclean o Calvin Harris, entraron en el Top20 de Beatport o como Annie Mac o Kissy Sell Out les empezaron a radiar. Ahora bien, The Requesters sueñan con ver publicado su primer larga duración lo antes posible, en formato físico y con algunas sorpresas importantes que no vamos a desvelar en este breve texto. Repasando sus currículums, podemos destacar que Sidechains ha trabajado junto a Dorian, Delorean, Pastora o DeVito, además de colaborar en algunos lanzamientos de Ministry Of Sound. Por su parte, D.a.r.y.l. dirige el sello discográfico Hivern (responsable del doce pulgadas del relevante John Talabot) y la productora audiovisual Crampton. “Tanto Delorean como John Talabot son artistas que

◗ Los seguidores de ANIMAL COLLECTIVE, están de enhorabuena, uno de sus trabajos más buscados y difíciles de encontrar, “Campfire Songs” (el tercero de su carrera), editado originalmente en 2003, vuelve a la vida. El disco, que contiene cinco canciones, lo editó Catsup Plate, y ahora es reeditado por Paw Tracks, sello propiedad del grupo norteamericano. ◗ CHARLOTTE GAINSBOURG regresa con un nuevo disco y con un nuevo padrino de lujo. Si en su anterior álbum, el notable “5:55”, contó con la ayuda de Neil Hannon y Jarvis Cocker, ahora le acompaña Beck, que se ha encargado de producir y co-escribir las canciones que aparecerán en “IRM”, un disco que verá la luz el próximo 25 de enero. ◗ La neumática KATY PERRY y el geek más grande de la música actual, RIVERS CUOMO, han unido esfuerzos. El líder de Weezer entrará, en los próximos meses, en el estudio con la autora de “I Kissed A Girl” para dar forma las canciones del nuevo disco de la norteamericana. ◗ ATLAS SOUND, proyecto paralelo de Bradford Cox de Deerhunter, tiene nuevo álbum. Se titula “Logos” e incluye las colaboraciones de Laetitia Sadier de Stereolab y Panda Bear (Animal Collective). La edición que se pondrá a la venta por correo en la tienda Rough Trade incluirá un EP con dos versiones alternativas de dos de los temas del disco y tres canciones inéditas. ■

han recibido un apoyo extranjero muy fuerte, como puede ser reseñas en Pitchfork Media, que es americana. The Requesters, en cambio, hemos tenido más tirón en Inglaterra, que se mueve en parámetros diferentes a los de Estados Unidos”. Parece que las cosas van rodadas, pero ¿existe un techo para ellos en España? “Si te refieres a estilo de música, no estoy del todo seguro. Veo como cada dia hay más grupos nacionales que hacen una producción totalmente electrónica. De este modo, los grupos de electrónica indies quizás tendrán lugar en el mercado nacional en un futuro proximo. Pero si pensamos en términos de éxito o ventas, no sé qué margen hay para tocar con la cabeza en el techo. No veo a España un país que pueda digerir a un artista como Calvin Harris. Los parametros del mainstream nacional van por otros derroteros, sin embargo, no vamos a variar nuestra manera de pensar o hacer para vender más discos en España. En la mayoría de casos vender más discos en España, supone vender menos fuera”. ■ Joan S. Luna

El Europavox se acerca a Suecia

Lagartija Nick Foto Archivo

Twoday Festival golpea dos veces Con la firme voluntad de calentar el otoño castellano-leonés llega la primera edición de Twoday Festival a Salamanca y Valladolid. Durante los días 6 y 7 de noviembre ofrecerá el mismo cartel en dos días consecutivos en ambas ciudades. En la nómina de grupos participantes se encuentran Billy The Vision & The Dancers, autores del éxito veraniego “Summercat”, y Camera Obscura, dos formaciones internacionales a las que se suman una importante representación del actual panorama estatal integrada por Iván Ferreiro, Russian Red, Christina Rosenvinge, La Bien Querida, Zahara, Second, Sidonie, Cooper, Lagartija Nick, Elastic Band, Arizona Baby y el locutor Chema Rey ejerciendo cómo maestro de la ceremonia. A partir de las seis darán comienzo las actuaciones en los recintos Multiusos Sánchez Paraíso de Salamanca y el Pabellón de la Feria de Valladolid. La presencia de grupos locales en el evento, aparte de los ya citados Arizona Baby y Cooper, vendrá de la mano de Mescal, una plataforma digital desarrollada para la promoción de bandas en Castilla y León que ha convocado un concurso a través de su página web (www.mescal.es) para que los visitantes escojan con sus votos a las dos formaciones que se unirán al cartel del festival. n

Después de acomodarse en Clermont-Ferrand (Francia) el pasado mes de mayo, el festival Europavox celebrará este mes de noviembre su nueva edición en la ciudad sueca de Estocolmo. Durante los días 19, 20 y 21, diversos artistas europeos actuarán en la ciudad, al tiempo que se celebran actos paralelos como debates profesionales o lo que se ha dado en llamar “Symbolic Operations” y que es la reunión de cincuenta y cuatro jóvenes de distintos países, compartiendo experiencias en el evento. Por lo que respecta al cartel, los grupos definitivos que estarán presentes son Apparat, James Yuill, The New Wine, Shout Out Louds, múm, Kütu Folk Crew, Loaded, Data, Ebony Bones, Das Pop y, como representantes españoles, nuestros Delorean. Y mucha atención a la siguiente edición, puesto que el país invitado será precisamente España. Más información en www.europavox.com. n

múm Foto R. Sveinsson

Cookin’ Soul Foto Cheaters

MondoSonoro · Noviembre 2009 /7/

NOTICIAS

TAN cerca... ◗ 2010 será el año de SR. CHINARRO. Mushroom Pillow reeditará los siete primeros discos del andaluz publicados por el sello Acuarela. Para celebrarlo, Antonio Luque se lanzará a dar una serie de conciertos cuyo repertorio estará formado por las canciones de su primera etapa. Además también se publicará su nuevo disco, titulado de forma provisional “Timbres de castillo”. ◗ A partir del 26 de enero Centro de Arte Dos de Mayo de Madrid acogerá “Sensational Fix”, una exposición sobre la carrera de SONIC YOUTH. La muestra se centra en las diferentes y multidisciplinares actividades de la banda neoyoquina desde su formación en 1981: colaboraciones con James Welling, Spike Jonze, Sofia Coppola o Richard Kern. ◗ La nuevas confirmaciones del SAN MIGUEL PRIMAVERA SOUND son las siguientes: Kid Congo And The Pink Monkey Birds, Little Joy, Dj Pone y Dj Need de los magos de los platos Birdy Nam Nam, La Jr. y el leonés Pájaro Sunrise.

Cookin’ Soul a la conquista de Estados Unidos Cookin’ Soul, el colectivo de productores valenciano más internacional, sube la temperatura del rap nacional con sus beats, cada vez más presentes en el mercado americano. Los reyes de la mixtape patria están en todos los frentes marcando el minuto.

os nanos no paran: cada semana anuncian algo, si no es una nueva mixtape, será algún beat para algún artista yanqui o quizás la banda sonora para el documental sobre ToteKing que se presentará en el próximo In-Edit Barcelona. “Mientras voy a ver qué pico a la nevera, Big Size ya tiene tres hits montados y masterizados”, bromea Zock. “Yo me lo tomo con calma”, comenta Milton. Lo de Cookin’ Soul viene porque el estudio casero de Milton está justo al lado de la cocina y por tanto de la nevera. “Aún no nos hemos puesto límites”, explica Big Size. “El problema en general es que entre amigos se dicen ‘ye, que beat más guapo’, ‘buá, pues anda que tus rapeos, se salen’, cuando deberían

uno vender el micro y el otro eliminar el Fruty Loops. Hay mucho artista y muy poco fan”. Ellos son, ante todo, fans. De ahí su serie de mixtapes, que les ha permitido ir creciendo como productores hasta convertirse en unos de los más cotizados a nivel nacional y nadar en el océano americano. “Es imposible que la gente escuche tu música si no saben quién eres. Nosotros hemos implantado en este país el modo de trabajo americano: mixtapes, promoción en internet, ir construyendo poco a poco”. “Desde la primera mixtape empezamos a recibir feedback de fuera”, continúa Zock. Han trabajado para The Game, Sean Paul, DJ Drama, Styles P, Clipse, CL Smoth, Dilated Peoples... por no entrar en un

pormenorizado repaso de artistas nacionales que derivaría en un quién es quién del rap español. Ahora se han volcado en sus sesiones de DJ y preparan directo “para festivales”. La idea es salir del huevo/estudio y que algunos abran los ojos al fin. “Hay cosas que chocan”, según Zock. “Que el Herald Tribune nos saque a página entera y aquí la prensa especializada se limite a reseñas”. “Aunque para cubrir todo lo que hacemos”, añade Big Size, “habría que imprimir un periódico cada día”. Así que mejor se pasan por su web (www. cookinsoul.com), y se bajan el todavía calentito “1:00 AM And Rising” con Nahright y se ven sus mashups cañís, en los que arrejuntan a El Fary con Jay-Z. “La idea es que cuando tengamos varios los recopilaremos en una mixtape, un homenaje a artistazos y hits del folklore nacional: Fary Z, Chiquito Wayne de la Street, Nas Escobar, Rapharrell...”. Un escándalo, vaya. ■ Joan Cabot

Purple Weekend, cartel completo

The Ladybug Transistor Foto Archivo

Se dice fácil y rápido, pero seguro que nunca ha sido sencillo sacar adelante un festival tan especializado como el Purple Weekend, que este año alcanza su edición número veintiuno. Sea así o no, los responsables del evento, que se celebrará como de costumbre en León durante los días 4, 5, 6 y 7 de diciembre no escatiman esfuerzos y esta vez nos sorprenden con un cartel variado y con sorpresas. Porque es una sorpresa poder ver en directo a los legendarios estadounidenses The Blues Magoos, pero no lo es menos poder volver a enfrentarnos a los directos de grupos que algunos teníamos algo olvidados como son los casos de DM3 o los británicos Dodgy. Tampoco faltarán allnighters, feria discográfica y nombres estatales a tener siempre presentes como Top Models, The Sunday Drivers o Blow Up. Pero hay más, así que visita www.purpleweekend.com y ponte al corriente. n

Carrots Foto Archivo

◗ El grupo barcelonés de pop psicodélico CARROTS vuelve a la vida con la salida de las reediciones de sus tres discos oficiales, que se presentan con material extra, Ep’s, singles y rarezas editados en su momento. Para apoyar estás reediciones, Carrots estarán tocando en Barcelona (13 de noviembre) y Valladolid (12 de diciembre). ◗ WE ARE STANDARD ha sido el más votado entre los cinco aspirantes a hacerse con el premio MTV de Mejor Artista Español del presente año. Ahora los vascos entran a formar parte de la lista final de artistas que optan al premio de Mejor Artista Europeo. La gala se emitirá en directo en MTV desde el O2 World de Berlín el 5 de noviembre a las 21:00h. ◗ Kase.O, uno de los tres MC’s de Violadores del Verso, vuelve a la carga con KASE.O JAZZ MAGNETISM. La gira presentada por Rapsolo comenzó el pasado mes de junio, pero fue interrumpida debido a un leve accidente doméstico. Este mes de noviembre se reanuda para cumplir con las fechas suspendidas y sumar nuevas. ◗ JONSTON se encuentra a punto de entrar a grabar su segundo disco, que llevará por título “Taller de memoria”, y que se grabará durante noviembre en los estudios de Paco Loco en el Puerto de Santa María. Jonston apuesta por la autoedición en una discográfica de nuevo cuño que él mismo ha creado para la ocasión: Pez Plátano.

Easy Pop Weekend, cita en Teruel Se nos ocurren pocas cosas mejores que hacer si te cae cerca que pasarte por la nueva edición del Easy Pop Weekend durante los días 5 y 6 de diciembre en la localidad de Andorra (Teruel). A lo largo de ambos días, se sucederán un montón de actuaciones a cual más interesante. Podemos empezar que la selección del sábado, que incluye a Nick Garrie, Supermarket Dj (Le Hammond Inferno), Yellow Melodies, Attic Lights, The Lions Constellation y The Ladybug Transistor. Eso sí, deberías guardar energías para el día siguiente puesto que el Easy Pop cuenta con los locales Big City y Copiloto, pero también con Delorean o el joven británico Eugene McGuinnes. Para redondear el fin de semana, habrá sesiones de Dj’s como Armando Georgy Girl, Batidora y Juan De Pablos, así como la presentación del libro “Revival Mod 1974-1988” de Robert Abella. Para confirmar horarios, precios, novedades y lo que sea que pueda llegar a interesarte, visita: www.easypopweekend.com. n

◗ “Daiquiri Blues”, el octavo y nuevo disco de QUIQUE GONZÁLEZ, ha sido grabado en Nashville, con Brad Jones como productor y con unos músicos de la altura de Al Perkins, Will Kimbrough, Chris Carmichael… El álbum acaba de salir a la venta a través de Last Tour Records y contiene un total de trece canciones.

The Sunday Drivers Foto Archivo

◗ DELOREAN publicarán su nuevo disco en enero de 2010, pero mientras tanto el grupo se encuentra trabajando en remezclas para The XX, Franz Ferdinand y John Talabot (otro proyecto de electrónica bailable que surge en Barcelona y que está empezando a causar sensación fuera de nuestras fronteras). ■

/8/ Noviembre 2009 · MondoSonoro Buffet Libre Dj’s Foto Archivo

NOTICIAS

Mendetz Foto Albert Jodar

El Festival de Cine Independiente de Gijón celebra su 47º edición El Festival Internacional de Cine de Gijón llega a su 47 edición manteniéndose como referencia para los amantes de las propuestas más arriesgadas en el séptimo arte y con un guiño a la música independiente de nuestro país. El pistoletazo de salida será el 19 de Noviembre con “Soul Kitchen”, la última película del director alemán Fatih Akin, uno de los cineastas europeos más destacados de la última década. Durante los diez días que dura el festival se podrá disfrutar en primicia de las obras de directores como Bobbie Paunescu, recientemente censurada en la Mostra de Venecia, Masahiro Kobayashi o Álvaro Brechner; además de una retrospectiva dedicada a Harmony Korine, viejo conocido del certamen y referente del cine independiente y underground americano. Pero si es importante la parte cinéfila del festival, no lo es menos la parte musical. Veinte grupos forman la banda sonora del festival. Actuaciones que alternan varios espacios, la Sala Acapulco del Casino de Asturias, La Sala Albéniz, el LABcafé de Laboral Centro de Arte y Creación Industrial o el Teatro de la Laboral. Precisamente en el Teatro de la Laboral acogerá la propuesta más especial, “13 Most Beautiful... Songs for Andy Warhol’s Screen Test”. Dean Wareham y Britta Phillips han puesto música a trece de los Screen Tests más famosos rodados por Andy Warhol entre 1964 y 1966, como los de la cantante alemana Nico, Lou Reed o Dennis Hopper. Como novedad este año se celebra en el LABCafé la “Noche Pop”, que contará con las actuaciones de Sidonie, The Sunday Drivers, Layabouts, Mendetz y el dúo belga de Dj’s The Glimmers. En cuanto a otras actuaciones, estarán presentes Mayer Hawthorne, The Lemonheads , Skye (Morcheeba) o La Bien Querida. n

“Peace”, una iniciativa muy seria de Buffet Libre Dj’s Crecieron con el metal, lo cambiaron por dos platos de Dj, se atrevieron con las remezclas y más tarde optaron por invitar a sus artistas favoritos a participar de sus proyectos. Ahora, apenas unos meses más tarde, Buffet Libre Dj’s presentan “Peace”, monumental recopilatorio benéfico con músicos de renombre de más de cincuenta países.

on muchos los detalles importantes, pero resumiendo apuntaremos que “Peace” es una aventura compleja y emocionante que nace de la ilusión de Buffet Libre Dj’s, es decir, Marc Constantí y Miguel Sánchez. Ellos mismos son quienes contactan con Amnistía Internacional Cataluña para contagiarles de su excitación y convencerles de que algo así era posible con un ordenador y muchas ganas. “Quedamos realmente impresionados por la repercusión de Rewind y planteamos ‘Peace’ como la mejor forma de dar un paso adelante. No deja de ser una evolución de nuestros proyectos anteriores, pero con la mirada en un fin que creemos saludable y honesto

como es la unión de músicos de todo el mundo para defender los derechos humanos”. No contentos con conseguir que artistas como Empire Of The Sun, Cut Copy, Yelle o Passion Pit les cedieron pistas para el proyecto Batidora o que Bright Eyes, Simian Mobile Disco o Bonde Do Role les echaran una mano para dar forma a sus downloables recopilatorios “Rewind”, los catalanes han sido capaces de superarse en “Peace”. Para este monstruoso recopilatorio benéfico han conseguido contar con nombres tan relevantes internacionalmente como los de Ryuichi Sakamoto, Marc Almond, Micachu, A Certain Ratio, Darren Hayman, Ed Hadcourt, Van She, Frankmusik, Vive La Fête, Fennesz, Dan De-

acon, Girls, Her Space Holiday, A Place To Bury Strangers, Bart Davenport, I’m From Barcelona, Dorian, Boat Beam, We Are Standard, The Requesters, múm o Kid 606 entre muchos otros.Todos ellos ofrecerán material exclusivo para hacer de “Peace” algo especial. “Hemos trabajado desde enero hasta septiembre confeccionando la lista. El primer objetivo era encontrar artistas de, por lo menos, cincuenta países distintos. A partir de ahí hemos intentado mantener un objetivo equilibro entre nuestros artistas favoritos, grandes nombres y músicos que representen el sonido de su país. Lógicamente, hay países en los que no teníamos artistas favoritos (hay incluso países que no conocíamos)”. En todo caso, a principios del próximo año podrá descargarse el recopilatorio completo (unas ciento cincuenta canciones) por un precio voluntario mínimo de 2 euros. Hasta que eso ocurra, se recomienda visitar www.myspace.com/buffetlibre, donde los catalanes anuncian novedades y ofrecen descargas contínuamente. ■ Joan S. Luna

Es otoño, vuelve Cinemad

Fever Ray Foto Archivo

Los TransMusicales de Rennes apuestan por caras nuevas Superados sus treinta años de historia, los Rencontres TransMusicales de Rennes (del 2 al 5 de diciembre) están más allá del bien y del mal. Su programación resultaría decepcionante si se tratara de cualquier otro festival europeo (ni un gran nombre que podamos considerar un claro cabeza de cartel), pero Les Trans, bajo la batuta de Jean-Louis Brossard, se han concentrado en apostar por grupos prometedores. Un festival del que uno vuelve sabiendo que, al menos durante un año, podrá decir eso de “yo los vi primero”. Lo más destacado: un Cass McCombs en perpetuo estado de gracia y con un disco insuperable bajo el brazo, una Fever Ray que ha demostrado que hay vida más allá de The Knife, los africanos BLK JKS y The Very Best, además de un The Whitest Boy Alive que sabe a poco cuando el otro proyecto de Erlend Oye, Kings Of Convenience, acaba de publicar nuevo material. Por lo demás, grandes incógnitas. El año pasado salimos de allí con la libreta llena de augurios. Para este año, apunten: The Japanese Popstars, Florian Mona, Bright Black Morning Light, The Phantom Band, Jessie Evans... n

Imelda May Foto Archivo

Quince años de Womad Las Palmas El Parque de Santa Catalina (Las Palmas) acogerá, de nuevo, entre el 12 y 15 de noviembre, una treintena de conciertos y múltiples actividades como talleres para niños y adultos, sesiones de Dj’s, documentales o un mercado global, y todo ello gratis y dando forma al Womad Las Palmas. El cartel de este año vuelve a ser variado y rico artísticamente. Entre otros se podrá ver a los emergentes The Black Swan Effect, a la irlandesa Imelda May con su mezcla de jazz y rockabilly, al dúo formado por Justin Adams (guitarrista de la banda de Robert Plant) y el gambiano Juldeh Camara, también el dúo de Gary Lucas & Najma Akhtar, a Tinariwen y su blues del desierto, al talentoso Vieux Farka Toure (hijo de Ali Farka), a la diva Oumou Sangare, a la revulsiva Chiwoniso, Elíades Ochoa, Melingo, Marcio Local o al estadounidense Roy Ayers en su gira de cuarenta aniversario. Entre la representación estatal destacaríamos a Depedro, Pumuky, Manel, Zenet o los prometedores Oscartienealeas. Estas son algunas de las atractivas propuestas que animan a viajar a las islas en estos días de otoño, aunque allí parezca pleno verano. ■

Llega el otoño y con él una nueva edición de Cinemad, la número catorce para ser más exactos. Este año, desde el 20 al 28 de noviembre, se podrán ver auténticas obras de culto que nadie debería dejar pasar. Se rendirá homenaje al malogrado David Carradine, habrá ciclos dedicados a Harry Dean Stanton, Jim Jarmusch, Bettie Page, al Brasil Cult Cinema y a los cortometrajes de Gaspar Noé. Cabe destacar también la programación especial de dibujos animados antibelicistas, que reunirá obras tan diversas como “Cuando el viento sopla” (1986), “La tumba de las luciérnagas” (1988) o “The Wall” (1982). Igualmente, se llevará a cabo la décima edición del festival de cortos, que repartirá más de 7.000 euros en metálico. Y como viene siendo habitual en los últimos años, MondoSonoro, en colaboración con el bar La Vía Láctea de Madrid, se encarga de la selección del Mejor Clip Musical, dotado con un premio de 1.000 euros. Para cualquier información adicional se recomienda visitar: www.cinemad.org o www.myspace.com/cinemadfest.■

MondoSonoro · Noviembre 2009 /11/

MONDOFREAKO

Editors Foto Kevin Westenberg

Editors

Otra luz Llegó el momento de la verdad, el de hacerse valer y marcar distancias, y Editors van a por ello con un tercer álbum que marca un punto de inflexión en su carrera, dando entrada a sintetizadores de corte ochentero, encarando la oscuridad desde un nuevo punto de vista e incluso reivindicando “Terminator” como fuente de inspiración. Todo eso salta a la vista en “In This Light And On This Evening”.

o primero que uno piensa al escuchar “In This Light And On This Evening” es que Editors ya no sólo beben del after-punk vía Joy Division, The Chameleons o The Cure, sino que ahora es sencillo encontrar ecos a Depeche Mode (en el primer single, “Papillon”, sin ir más lejos) o New Order. “No creo que se reduzca a decir adiós a una cosa y dar la bienvenida a otra, ni a la influencia de unos determinados grupos. Simplemente estamos evolucionando, y en este disco buscábamos algo distinto a lo que ya habíamos hecho con ‘The Back Room’ y ‘An End Has A Start’. En realidad no teníamos ninguna idea preconcebida, sólo dejarnos llevar por las canciones; el hecho de que haya una mayor presencia de la electrónica es importante, pero es sólo un medio para expresar lo que musicalmente queríamos”. Quien habla es precisamente el mayor damnificado por el cambio: Chris Urbanowicz, cuyas guitarras han cedido terreno frente al empuje de las máquinas. “Más que eso, yo diría que ahora están en un plano distinto o tienen otro papel,

pero siguen siendo parte fundamental. He experimentado cosas nuevas y he tocado como nunca antes lo había hecho; para mí también ha sido una experiencia única, y en general creo que nuestro sonido se ha visto reforzado, es más compacto, incluso tiene un punto más de agresividad”. En todo caso, a buen seguro que no serán pocos los seguidores que se cuestionen si los británicos han acertado al emprender este camino. “Es un reto para todos, también para el público, pero la respuesta de la gente cuando hemos ido tocando las nuevas canciones en directo ha sido muy positiva, y en realidad no hay nada forzado, sino que es una evolución lógica. Seguimos sonando a Editors, pero ahora hay algo más”. Para rubricar el cambio han contado con Mark Ellis (Flood), conocido por sus trabajos con U2, Depeche Mode, The Killers o Smashing Pumpkins, lo que parecía ponerles en la senda del rock de estadios, etiqueta que les puede servir en cuanto a lo épico de ciertos desarrollos, pero no en el cómputo global de su trabajo. “Flood ha sido importante, pero a lo

mejor no tan definitivo como mucha gente ha dicho; quiero decir que hay muchas cosas que nosotros teníamos claras, al menos en lo que se refiere al concepto, y él ha sido el encargado de traducir eso y conducirnos hacia ese punto”. Entre tanto, Editors ha pasado a ser una banda con sus miembros repartidos en distintos puntos: Tom Smith (voz) en Londres; Ed Lay (batería) se mantiene en Birmingham, ciu-

duda el guitarrista de Editors en despejar las dudas sobre su principal seña de identidad. “No me molesta que digan que nuestro sonido o nuestras letras son oscuras; es que así somos, en ningún momento hemos dicho lo contrario; no es un lastre, ni mucho menos. Lo que pasa es que a veces se deja sólo en eso, y es injusto, porque hay mucho más, especialmente en este disco”. Un álbum de

"No me molesta que digan que nuestro sonido o nuestras letras son oscuras; es que así somos" dad donde nació el grupo; y Russ Letch (bajo) y el propio Chris Urbanowicz se han mudado a Nueva York. “Estamos a miles de kilómetros, pero el método para grabar el disco ha sido muy parecido al que utilizábamos antes. Cada uno iba trabajando su parte de los temas, nos los mandábamos por correo electrónico y sólo al final nos juntamos en el estudio, y ahí es donde las canciones definitivamente toman forma; siempre hemos trabajado así”. Londres en la distancia y también en primer plano, porque la ciudad inglesa protagoniza unos cuantos pasajes de este álbum, a través de las letras de Tom Smith. “Ahora yo la veo como una ciudad distinta, es una sensación extraña, pero a la vez ha sido interesante redescubrir algunas cosas. Pero si tengo que elegir, me quedo con Nueva York”. Tampoco

sólo nueve canciones, al que pronto se unirá un Ep, “Cutting 2”, que incluirá otros cinco cortes que han salido de las mismas sesiones que “In This Light And On This Evening”, en las que, curiosamente, una de las influencias directamente reconocidas del grupo es la de la “Terminator” (algo más que obvio en los sintetizadores de “Bricks And Mortar”). “Tiene una frialdad que compartimos, y es verdad que hemos tenido en mente su banda sonora; en general, la ciencia ficción siempre ha sido importante para nosotros”. Dejemos pues que sea el T-800 de Arnold Schwarzenegger el que tenga la última palabra: “Hasta la vista, baby”. ■ Enrique Peñas “In This Light And On This Evening” está publicado por Pias.

(MONDOFREAKO /12/ Noviembre 2009 · MondoSonoro)

Health Foto Archivo

Health

El plan 2.0 El segundo trabajo de la banda de Los Angeles parte de una accesibilidad engañosa. Cuando te das cuenta, ya estás atrapado y sin vía de escape. Health, uno de los mejores embajadores de la escena noise americana, profundizan en un discurso estético que deja poco espacio al azar. “Get Color” esconde las claves.

La gente no viene a Los Angeles a montar grupos de art-rock extraños, sino a ser los nuevos Guns'n'Roses o salir en la televisión, a hacerse actor", me comenta Jake Duzsik, líder de Health al otro lado del teléfono. "Pero en Los Angeles la escena era igual o mejor antes de que nadie se diera cuenta de ello, y como no había manera de llamar la atención hacíamos lo que nos daba la real gana. En Nueva York el noise suena en galerías de arte, es música esnob, mientras que en Los Angeles es más una cosa de chavales a los que les gusta el punk-rock y que montan fiestas clandestinas en depósitos de coches". Junto a No Age, su grupo se ha convertido en el mayor embajador de una escena que gravita en torno a la zona del Gallery Row de Los Angeles, donde se encuentra The Smell, el club de punk que cataliza buena parte de la energía creativa del underground angelino. "Ha sido importante para muchos grupos de Los Angeles porque ha sido un punto de encuentro. The Smell no es más que un local sucio y

lúgubre en el que las bandas pueden tocar. No es como algunos squats europeos, que llevan veinte años funcionando. Ni siquiera sirven alcohol, es todo muy DIY. El mérito de The Smell es que ha aguantado abierto mucho tiempo, cuando en Estados Unidos este tipo de locales suelen desaparecer en cuestión de meses". Health grabaron en The Smell su primer álbum. Dos años después llega “Get Color”, en el que atemperan las descargas de ruido de su predecesor, dan mayor protagonismo a las voces llevando su música hacia un terreno más melódico y formal. "Queríamos hacer un disco que no fuera un calco del primero, queríamos progresar como banda", explica del proceso que separa este segundo álbum de su debut y de la evolución de la banda. A Duzsik no le hace ni puta gracia que le pregunte si hay sitio para la improvisación en la música de Health, porque en el mundo Health no hay nada improvisado, desde su nombre, que tomaron de una lista de palabras de uso común, a las portadas de sus discos, pasando por la secuencia de canciones y

cada uno de sus desarrollos, la edición del disco de remezclas “HEALTH/DISCO” (Lovepump United, 08) y todo lo demás. Todo responde a un plan, una hoja de ruta a la que el grupo de Los Angeles se ciñe de forma maniática. "¿Hasta qué punto fue un proceso meditado? Bueno, solemos ser muy planificadores, nos comemos mucho la cabeza. Somos muy serios y neuróticos, pero hay cosas que no puedes

na, lo industrial y lo tribal, el ruido y unas melodías flotantes, la psicodelia y el terrorismo psicológico. "No creo que nuestros álbumes puedan ser etiquetados como conceptuales, pero en cambio sí creo que Health es un grupo conceptual. Quizás el primero era más compacto en cuanto a temática, pero en cualquier caso ambos gravitan alrededor de las mismas ideas. El existencialismo, la alie-

"En N.Y. el noise suena en galerías de arte, mientras que en L.A. es más una cosa de chavales" planear. El salto ha sido algo natural, parte de un proceso evolutivo en el que hemos ido averiguando qué clase de grupo éramos. Muchas de estas canciones estaban escritas cuando se publicó 'Health' (Lovebump United, 07), luego estuvimos de gira durante mucho tiempo y el resto las compusimos poco antes de entrar en el estudio. Algunas de esas últimas canciones, como 'Nice Girls' y 'Severin' sí fueron fruto de una elaboración más fluida, de tocar las canciones y dejarse llevar, pero más a la manera de las jams propias del rock que de la improvisación en el sentido que tiene en el free-jazz". “Get Color” sigue existiendo en un limbo plagado de contradicciones y contrastes: la carne y la máqui-

nación, la identidad... Lo que significa vivir en este mundo hipermoderno e hipertecnológico. En este disco hay más puntos de vista, algunas canciones están escritas en tercera persona, pero todo forma parte de una noción clara de la clase de banda que pensamos que es Health". "Hay algo físico en nuestra música", concede. "Pero más que ruidosa o dura, pensamos en términos de dramatismo, en el efecto que va a tener. Lo más importante para nosotros es hacer algo que nos parezca nuevo y relevante". ■ Joan Cabot “Get Color” está publicado por Lovepump United/Nuevos Medios.

(MondoSonoro · Noviembre 2009 /13/ MONDOFREAKO)

!!!

wala wala!!!

“No hay una sola noche que salga por la calle y que no venga alguien a decirme lo mucho que significa para esa persona ‘Cualquier otra parte’” Marc Gili de Dorian, en Supernovapop

Kings of Convenience

Extraño matrimonio “La gente pobre quiere ser rica, y la gente rica quiere ser normal” Jay Z, en NME

Sensibilidad en estado puro, canciones que le recuerdan a uno que más allá de prejuicios, vanidades, humores, odios o lo que sea, en nuestros corazones siempre hay lugar para una buena canción. Y en “Declaration Of Dependence” hay un buen puñado de ellas.

H “Estuve a punto de tirarme desde la azotea de un hotel. No estaba nada feliz por cumplir los treinta” Pete Doherty de Babyshambles, en Mojo

“Meg es, en muchos sentidos, el mejor músico con el que he tocado y tocaré” Jack White de The White Stripes, en Uncut

“La gente dice que Big Star hizo alguno de los mejores discos de la historia del rock’n’roll. Y yo les digo que se equivocan” Alex Chilton de Big Star en Mojo

“La mejor cosa que nos pasó en The Stone Roses es que Run DMC nos samplearan” Ian Brown, en NME

aciendo bandera de lo acústico, Erlend Oye y Eirik Glambek Boe nos convencieron a principios de década de que lo tranquilo era el último grito (“Quiet Is The New Loud”, 01). No contentos con ello, volvieron para predicar las ventajas de promover algaradas en calles desiertas (“Riot On An Empty Street”, 04). Y ahora, alargando aun más los tempos, vuelven para emitir su particular declaración de dependencia emocional y laboral, con un “Declaration Of Dependence” tan emotivo y desarmante que pone el corazón en un puño. Pueden pasar cuatro, cinco o seis años. Pueden tomarse el tiempo que haga falta y no cambiar ni una coma de su discurso. No importa. Como ocurre con The Blue Nile o Prefab Sprout, su reino no es de este mundo. Eirik Glambek explica, ante la cuestión de si la dependencia a la que se refiere el título es principalmente emocional, que: “puedes pensar que van por ahí los tiros, pero se puede entender de muchas maneras. Mi idea sobre el título va sobre mi relación con Erlend, y la forma tan independiente que tenemos de relacionarnos a nivel personal el uno con el otro, por un lado, y la extraña conexión que hace que la suma de nuestras capacidades sea imprescindible para dar forma al grupo”. La hiperactividad de un Erlend Oye embarcado en su proyecto en solitario y en The Whitest Boy Alive, entre mil colaboraciones más, quizá explique el enorme lapso, cada vez mayor, entre disco y disco. Aunque para Glambek: “es lo natural. Puedo estar varios años dándole vueltas a una canción, o grabarla veinte o veinticinco veces en el estudio. No tenemos ningún problema en terminar de perfilar un álbum hasta que no estemos seguros de tener justo el disco que queremos hacer, hasta que las canciones finales sean auténticamente buenas. Hay algunas cosas que se han quedado fuera del disco y hemos recuperado un tema, ‘Riot On An Empty Street’, que no entró en el último álbum porque, en su momento, no la pudimos grabar como Dios manda. Ahora la hemos querido incluir porque la grabación que teníamos hasta hace tres años no le hacía justicia a la canción”. Ellos se lo guisan y

se lo comen. Incluso la voz aparentemente femenina que embellece algunos temas “es la de Erlend Oye, que ha descubierto cómo cantar en un falsete como nunca antes lo había hecho. Él es nuestra Leslie Feist en este disco”. A diferencia de lo que se le reclama al noventa y nueve por cien de las bandas jóvenes surgidas durante esta década, pedirles a los noruegos que varíen siquiera un ápice del formato de su propuesta no es sólo una perdida de tiempo. Podría considerarse incluso una traición a las reglas del buen gusto, dada la exquisitez sin parangón de sus tres trabajos. “Cuando leo críticas de discos de otros grupos da la impresión de que quien las firma siempre esté esperando alguna clase de evolución. Pero yo, como fan, no espero eso.

cierto riesgo de cripticismo que opaque su mensaje de cara al gran público? “Es cierto que existe una delgada línea que separaría lo complejo de lo inaccesible. Se trata de enviar un mensaje universal, que todo el mundo entienda, y al mismo tiempo hacerlo de una forma que suene nueva. Cierto que no es fácil”. No deja de resultar curioso que el dúo mencione en su Myspace a Joao Gilberto como casi su única influencia (cuando la bossa no deja de ejercer un efecto tangencial en su música) mientras que Glambek resta hierro a los argumentos de aquellos que les consideran los Simon & Garfunkel del nuevo milenio. “Nunca nos han influido. Confieso que nunca he escuchado un álbum entero de Simon & Garfunkel”, zanja concluyente. Volviendo a la permanente lucha de egos en un dúo que comparte al cincuenta por cien las tareas compositivas, muchas veces desde la distancia y de forma intermitente, Eirik Glambek reconoce que “es complicado encontrar un equilibrio, porque Erlend se guarda muchas canciones para sus proyectos paralelos. Yo soy como

"Yo, como fan, no espero la evolución de un grupo. Espero que me den más de aquello" Espero que me den más de aquello que me gustó en su momento, que hagan un álbum que no cambie con respecto al primero. Y así actuamos como banda”. Quizá con ellos, por ser punta de lanza de una forma de entender la música tan escasa de correligionarios y con visos de atemporalidad, la manga de las exigencias evolutivas sea más ancha. “Nos sentimos extrañamente solos en el estilo que trabajamos. Y es extraño, porque cuando escucho una demo de algún cantautor, incluso aunque también emplee la guitarra acústica, siempre le oyes cantar sobre su corazón roto, tratando de demostrarle al mundo lo mal que se siente y lo mucho que quiere que su chica le quiera. Yo nunca podría escribir canciones así. Lo mío es más complejo, trato de encontrar palabras que no se hayan utilizado para describir sentimientos que cualquiera puede tener. Millones de cantantes han dicho ‘te quiero’, así, tal cual, lo que al final resta poder a esa expresión. Es muy complicado encontrar palabras para describir esos sentimientos que no se hayan utilizado aún”. ¿No crea eso

un marido con una mujer infiel. Ella tiene un affaire fuera de casa, y eso provoca una batalla interminable en nuestro matrimonio. Desde 2004, mi principal tarea ha sido trabajar en este disco, a diferencia de él. He sido como la esposa que se queda en casa”. Cuando se le menciona que nadie lo diría, a juzgar por aquella portada (la de “Quiet Is The New Loud”) en la que da la impresión de que el triunfador con las mujeres, guapo y que se queda con la chica es el propio Eirik, mientras Erlend no deja de ser el gafapasta poco agraciado que se queda pasando la mano por la pared, no puede evitar soltar una carcajada. “En realidad no es así, soy yo quien se queda fregando los platos en casa mientras Erlend se mete en mil historias ajenas con otra gente”. La sorna, siempre tan socorrida. Desde luego, se la puede permitir con discos tan inconmensurables.■ Carlos Pérez de Ziriza “Declaration Of Dependence” está publicado por Emi/Virgin. Kings Of Convenience están actuando este mes en nuestro país: el día 1 en Madrid, el 3 en Vigo, el 6 en Barcelona y el 7 en San Sebastián.

Kings of Convenience Foto Archivo

“Sobre ‘24 Hour Party People’, la gente me pregunta, ¿fue realmente así? Bueno, no exactamente, ¡fue mucho peor!” Bernard Sumner de Bad Lieutenant, en Uncut

(MONDOFREAKO /14/ Noviembre 2009 · MondoSonoro)

Alice in Chains Foto Archivo

Alice in Chains

el eterno retorno Han pasado los años y Alice In Chains han sido capaces de superar los más graves obstáculos para enfrentarse a la actualidad. “Black Gives Way To Blue” es un disco de renacimiento y de exorcismo. Alice In Chains se fueron, pero están aquí de nuevo.

ientras hay vida hay esperanza, deben pensar Jerry Cantrell, Mike Inez y Sean Kinney. Que la vida sigue, superando incluso el vacío dejado por el malogrado Layne Staley. El abismo era enorme, pero han podido superarlo con William DuVall, una voz con cuerpo y auténtica sangre fresca para unos grandes de los noventa. “Esta situación y las sensaciones que estoy viviendo son realmente fantásticas. Durante tres años y medio hemos celebrado el legado de Alice In Chains, su pasado, y eso ha sido muy emotivo en muchos sentidos. Ahora, por fin, estamos ante otro escenario completamente distinto que no tiene por qué desligarse del anterior. Lo que más me excita es contar con nuevas canciones y tener un abanico más amplio que presentar. Además, ha sido toda una sorpresa ver la respuesta del público ante este material”. Descubrir cómo iba a encajar DuVall (nuestro interlocutor en esta entrevista) en la formación era una gran incógnita que sacudía

▲Sube la relevancia de Berri Txarrak en nuestro país. Su nuevo disco, “Payola” (Roadrunner, 09), ha alcanzado la séptima posición en las listas de ventas oficiales.

no solamente las mentes de los seguidores del grupo, sino también de los integrantes de la banda de Seattle. “He estado involucrado en todo el proceso y me he sentido una parte más dentro del engranaje de la banda tanto en la composición como en la mayoría de las letras. Hemos tenido mucho cuidado en que los arreglos quedasen exactamente como los deseábamos. En Comes With The Fall (su anterior banda) todo era distinto, trabajábamos más deprisa. Nos poníamos y lo cantaba todo de un tirón, de principio a fin. En cambio, con Alice In Chains el proceso ha sido muy largo, más tortuoso, aunque lo haya pasado en grande. Todo es más complejo ahora, por estructura, por medios y porque hay mucha gente externa que forma parte del proyecto como el manager o los productores. Esto es como una gran familia, como un equipo en el que cada uno tiene un papel asignado en el terreno de juego”. En cuanto a “Black Gives Way To

▲Sube el Ayuntamiento de Zaragoza, que ha distinguido a los raperos Violadores del Verso como hijos predilectos de la ciudad.

Blue”, no cabe duda de que mantiene el sello personal de la banda, con temas densos combinándose con cortes más reposados e introspectivos. Entre ellos, el single “A Looking In The View” y “Check My Brain”, un futuro clásico en su repertorio. “Es muy importante que Alice In Chains sigan sonando a Alice In Chains. Y eso es algo que aprecio una barbaridad.

obvio que muchas canciones están inspiradas en su figura”. William DuVall recupera la tradición y esencia de todos aquellos grandes cantantes de los noventa: Eddie Vedder (Peral Jam), Maynard James Keenan (Tool) o muchos otros. “La cultura y las tendencias son muy variables. Ahora estamos ante sonidos diferentes. Lo de antes no tiene por qué ser

“Ellos llevan juntos más de veinte años, así que al principio la combinación era extraña” Tras tanto tiempo girando creímos que era el momento de entrar en un estudio. Personalmente no me lo podía creer. Me ayudó el que esta gente sean mis amigos. Eso hace que todo sea más fácil para todos. Ten en cuenta que ellos llevan juntos más de veinte años, así que al principio la combinación era extraña. Una mezcla entre lo familiar y el aire fresco que representaba mi presencia en el grupo”. Se rumoreaba que el grupo había aprovechado letras que había dejado escritas el propio Layne Staley. “Las letras las he escrito yo. No hay nada de lo que dejó Layne en sus apuntes, aunque es

▲Sube el grupo afincado en Barcelona Las Furias por haber protagonizado un concierto benéfico para las reclusas del módulo de mujeres de la cárcel Alcalá Meco.

mejor, como tampoco tiene por qué serlo lo más actual. Lo que ocurre es que ahora hay más ideas que fluyen al mismo tiempo y antes todo se concentraba mucho más. Eso sí, hubo una generación de magníficos cantantes en aquel momento y, curiosamente, todos estaban aquí en Seattle. Diría que aún hay mucho que descubrir dentro del underground. Hay algo en la superficie, pero lo más interesante está ahí escondido”. ■ Toni Castarnado

▲Sube el malogrado Michael Jackson. Creía que Dios le daba ideas para sus espectáculos y declaró “si no estoy ahí para recibirlas, podría dárselas a Prince”.

SUBEN ▲

tBaja Kanye West después de la que le montó a la pobre Taylor Swift en la última entrega de los MTV Music Video Awards. Hasta Obama le recriminó su actitud.

“Black Gives Way To Blue” está publicado por Emi/Virgin

▲Este mes destacamos por su repercusión en el extranjero a Russian Red, que acaba de estar actuando en Costa Rica, Miami, Nueva York y México.

▼ bajan

tBaja Madonna por no preocuparse por sus vecinos. Según parece podría ser expulsada de su barrio por las repetidas quejas por el volumen al que ensaya en casa.

tBaja la nueva moda que se está empezando a extender entre los grupos en Myspace de colgar entre treinta segundos y un minuto de sus canciones.

tBajan los que siguen ignorando a Cookin Soul, que ahora han conseguido que combinar a nuestro Raphael con Pharrell Williams no suene a chiste.

tAunque les querramos, bajan Klaxons y LCD Soundsystem por darle tanto bombo a sus nuevos singles de versiones de Suicide. ¡Que saquen nuevos discos ya!

(MondoSonoro · Noviembre 2009 /15/ MONDOFREAKO)

NO confidencial

Eric Fuentes

(THE UNFINISHED SYMPATHY) Vocalista y fundador de The Unfinished Sympathy, Éric Fuentes es uno de esos músicos que mira adelante sin arrepentirse del pasado. En todo caso, la carretera es su segundo hogar y la mejor forma de mantenerse a pleno rendimiento.

Eric Fuentes Foto Elena García

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¿Si algún día os echan de Subterfuge crees que os acogerían de nuevo en B-Core? Ya hundimos a B-Core en la miseria hace años y ahora estamos trabajando para la bancarrota de Subterfuge. El tercer paso sería hundir a una multi. ¿Es cierto eso de que te fías más de la opinión de tu amigo Marc Parramón que de toda la crítica musical española? No desde que le gusta Manel.

¿Cuál es la pronunciación más extraña que has escuchado del nombre de tu grupo? Unfainishaid Saimpazai Ahora que ya te has sacado de encima a todos los miembros originales de The Unfinished Sympathy, ¿cuál es el siguiente paso? Largarme yo y dejar a Colomo al frente. ¿Es cierto eso de que hace años que no te gastas más de un euro en un disco? Me sale más a cuenta gastarme un euro en un disco de segunda mano de Creedence Clearwater Revival que quince en uno nuevo de Wilco. Corre el rumor de que compras a los chicos de la prensa española con vinilos de ABC y cosas por el estilo. ¿Qué hay de cierto? Tengo una escala de obsequios para sobornos en función de las características y calidad de los contenidos de la revista: por eso a los del Rockdelux les envío discos de El Capullo de Jerez que encuentro en las gasolineras de Trebujena (Cádiz), a los del Rockzone camisetas piratas de Emily The Strange del mercadillo de Santa Coloma, a los del Go! tebeos de Roberto Alcázar y Pedrín de los Encantes y al MondoSonoro singles de ABC del Cash Converters. ¿Jimmy Eat World, Justin Timberlake o Aina? Iron Maiden, Duran Duran y Bad Religion. ¿Es cierto que compones tus canciones tirado en un camping andaluz sin casi mover un dedo? Efectivamente, aunque sí que tengo que mover los dedos porque los porros no se lían solos. Tengo un amigo ahí que los hace con los dedos de los pies. ¿Qué dirías si te dijéramos que tus amigos de Half Foot Outside van diciendo por ahí que tocan más fuerte y rápido que tú y que The New Raemon nos ha comentado que es mucho mejor cantante? Eso lo sabe todo el mundo, pero discrepo con lo de Half Foot porque con el paso de los años Edu ya sólo llega a tocar rancheras en Muy Fellini. ¿Le romperíais las piernas a algún crítico musical de este país? Qué va, son tope buena peña todos, gente super chachi. ■

Sally Shapiro

Placeres desconocidos Ha costado, pero finalmente aquí tenemos la continuación de “Disco Romance”, el álbum con el que el dúo sueco Sally Shapiro se puso al frente de la corriente neo-italo. Once temas componen esta segunda entrega, “My Guilty Pleasure”, once temas listos para agitar cualquier discoteca gay friendly que se precie.

ncluso un defensor a ultranza del comercio discográfico y de un anticuado modo de consumir música como yo, debe de rendirse ante la evidencia de algunas ventajas del nuevo paisaje en el que descarga ilegal campa a sus anchas: esencialmente, que un disco producido modestamente en un hogar cualquiera de la lejana Suecia y sin distribución en nuestro país se convierta en referente dentro la cada vez más pujante escena disco(pop) internacional. Es lo que ocurrió con “Disco Romance” (2007), primer álbum de Sally Shapiro, un dúo en el que ella pone la voz y Johan Agebjörn, nuestro interlocutor, la música. “La repercusión que tuvo nos pilló totalmente por sorpresa, porque no pensamos que les fuera a interesar más que a cuatro colgados del italodisco. Sin embargo funcionó muy bien entre el público indie pop”. Algo que ahora, visto con cierta perspectiva, no resulta tan descabellado si nos atenemos al prestigio del que siempre han disfrutado Saint Etienne y el repentino interés de propuestas como las de La Roux, Annie o Ladyhawke. Después llegaron los dos álbumes de remezclas (a cargo de pesos pesados como Lindstrøm, The Juan Maclean, Junior Boys o Dntel) y “una serie de singles. Pero ponernos con el disco nos tomó casi un año. Llámalo el bloqueo del escritor, si quieres. Porque sí, daba pánico saber que había miles de personas esperando a que saliera”. La timidez es precisamente una de las características propias de Sally Shapiro, un proyecto

que ha renunciado a salir a tocar en directo y cuya cantante se niega a desvelar su identidad. “Lo de la identidad secreta de Sally fue una idea que nos vino a la cabeza cuando sacamos el primer single, ‘I’ll Be Your Side’. Era una manera de homenajear los singles ochenteros del rollo disco, utilizando un seudónimo molón, pero después de eso pensamos que la

años creo que el nu-disco y el neo-italo tienen muchísimo más potencial que la IDM, que se encuentra en un callejón sin salida. Es una visión que comparto con Jon Tye, del sello Lo Recordings, que ha hecho un giro muy similar con su serie de recopilatorios ‘Milky Disco’. Sally por su parte tiene un pasado más indie pop. Nosotros éramos amigos bastante íntimos, pero yo no la había escuchado cantar más que alguna vez frente al piano, en esas típicas reuniones navideñas en las que se arrancaba con algún villancico. Al escucharla inmediatamente pensé que su voz se ajustaba totalmente al patrón de las divas del italodisco, así que la convencí para cantar alguno de mis

“El nu-disco y el neo-italo tienen muchísimo más potencial que la IDM” idea encajaba perfectamente con su personalidad y poca disposición a hacerse fotos o responder entrevistas. Creo que tanto Sally como yo compartimos la idea de lo que es una estrella del pop, y ella definitivamente no quiere convertirse en eso. No disfruta sobre el escenario ni le gusta viajar demasiado, así que hemos decidido prescindir del directo y en vez de eso yo me muevo sólo en mi faceta como Dj”. Con estas, y teniendo en cuenta que el propio Johan ha comentado alguna vez que cuando Sally graba sus pistas todo el mundo debe irse del estudio para evitar sentirse avergonzada, cuesta trabajo imaginarse la génesis del grupo… “Yo siempre he sido muy fan de KLF, del ambient y la IDM (Aphex Twin, Autechre, Biosphere, Brian Eno...). Lo que pasa es que en los últimos

temas. Así empezó todo”. Casi cuatro años después están de vuelta con este “My Guilty Pleasure”, que por el momento sigue sin tener distribución por aquí (quién lo entiende…) y se caracteriza por una producción más electrónica, sin estribillos tan evidentes como los de su debut y la voz azucarada de Sally siempre protagonista. “Aunque ha costado, al final nos hemos quedado muy contentos con la producción, que creo que es más variada que en ‘Disco Romance’. La verdad es que a mí me parece que aún no ha pasado el tiempo suficiente para comparar ambos discos, pero Sally dice que para ella éste es mucho mejor…”. ■ Luis J. Menéndez “My Guilty Pleasure” está publicado por Permanent Vacation.

Shally Shapiro Foto Archivo

¿Qué le dirías a todos aquellos que jamás han escuchado tu primer disco en solitario, "Descarrilant", publicado hace muchos años? Estás hablando de un grupo muy reducido, prácticamente insignificante de gente, piensa que lo tiene casi todo el mundo. Ahí está, en el imaginario colectivo de toda una generación.

(MONDOFREAKO /16/ Noviembre 2009 · MondoSonoro)

DISCO

Rise Against vuelven a nuestro país en noviembre, seis años después de su última visita, y hace ya tiempo que las entradas están agotadas. Aina Troncoso habla con Tim McIlrath, alma del grupo (cantante, guitarrista y compositor), para que nos descubra sus discos favoritos. MINOR THREAT “OUT OF STEP” (1984) Voy a decir “Out Of Step”, aunque la verdad es que escogería toda la discografía. Ver un grupo que hace punk rock pero no de una manera autodestructiva, sino poniendo toda su energía de manera positiva, es algo que me encantó de Minor Threat. REFUSED “SONGS TO FAN THE FLAMES OF DISCONTENT” (1996) “Songs To Fan The Flames Of Discontent” es mi álbum favorito de Refused. En él le dan un toque muy heavy a su música, para ser un grupo de hardcore. Es increíble. Para mí fue una verdadera revolución cuando salió este disco. Richard Hawley Foto Archivo

Richard Hawley

Flores rotas Asentado como uno de los autores más respetados y carismáticos de la escena británica, Richard Hawley ofrece en “Trulove’s Gutter” (Mute/Warner, 2009) su tesis definitiva sobre la desintegración sentimental, los jarrones rotos y las vidas a mitad de camino entre el precipicio y el duro suelo.

ulce y devastador. De haber nacido mujer, Richard Hawley habría sido Billy Holliday, pero nació hombre y es una mezcla soberbia entre Roy Orbison y Scott Walker. El de Sheffield canta más allá de las magulladuras de Lady Bird, pero su música se desarrolla en la misma sintonía emocional. Quizás sea esa clase de escritor de canciones tristes que no te hace más desgraciado, pero a pesar de ello genera momentos en los que hay que poner tierra de por medio. Una sobreexposición a su música tiene sus efectos, especialmente cuando hablamos de “Truelove’s Gutter”, su sexto álbum, el más oscuro y puro, una colección de canciones que no concede tregua ni en lo formal ni en lo sentimental. "Quería hacer un disco que fuera como un viaje", explica Hawley con esa voz grave, forjada en alguna fábrica metalúrgica o en la cantina vecina, "debía ser una unidad más que un conjunto de sensaciones". Y así es. Su nuevo trabajo toma como hilo conductor la caída, el punto en que las cosas no tienen vuelta atrás, el esto-es-el-fin de cualquier relación consumida. No es un tema nuevo para Hawley, pero hasta ahora no lo había desarrollado con tal precisión, llegando hasta el fondo del abismo para no volver. "Hablo de cosas rotas de alguna forma, cosas que ya no están allí", cuenta. "Es mi trabajo menos personal. Cuando hablo de amor hablo de un amor impersonal, aunque la mayoría de estas historias son sobre gente que me rodea y que

no es precisamente feliz". Él sí lo es. O al menos habla de su nuevo álbum con el orgullo de quien ha cruzado el fuego y ha salido más o menos indemne. “Truelove’s Gutter” ha supuesto un reto para el inglés en todos los sentidos, que ha buscado un sonido en todo momento económico sin renunciar a un mayor y más profundo efecto. "Para mí fue todo un reto, ha sido el disco más duro,

en el anterior disco, pero en esta ocasión todo el material era completamente nuevo y eso me ha permitido decidir una dirección específica y clara hacia la que dirigir todo el material. ‘Lady’s Bridge’ (Mute, 07), mi anterior disco, tenía esa clase de sonido grandioso... Me he preocupado mucho de la atmósfera del álbum, pero a la vez he intentado ser sencillo, no complicarme la vida. En la mayoría de canciones hay apenas cuatro instrumentos sonando a la vez, incluso menos". Escuchando el disco no tienes en ningún momento la sensación de que Hawley escatime nada. Más bien lo contrario. “Truelove’s Gutter” es quizás el álbum más evocador y poderoso de un autor

"Quería hacer un disco que fuera como un viaje" todo un desafío. Precisamente por eso es del que estoy más orgulloso". "Hubo que tomar ciertas decisiones en cuanto al tipo de disco que quería", continúa. "Y hasta que no se tomaron fue un proceso trabajoso. Escribir las letras también me ha llevado mucho tiempo. Pero una vez superado ese momento, grabar el álbum fue algo sencillo". En “Truelove’s Gutter” Hawley canta más allá del tiempo sobre cosas que ya no están allí ni van a volver. A su vez, el disco fija su propia lógica temporal. Cuando llegas al final, y Hawley quiere que llegues, podrían haber pasado cuarenta minutos o días. He aquí un agujero en el que hundirnos. Tal ha sido su preocupación por cuidar todos los detalles, desde el telón emocional de las canciones hasta el más mínimo detalle del decorado. "Normalmente incluyo canciones antiguas, temas que no han cabido

con una carrera envidiable que se ha ganado un puesto en el santoral pagano de muchos fans. “He tenido suerte”, explica. "Cuando alguien te cuenta que se ha casado con tu música o que han concebido a su bebé escuchándote, es todo un honor". Hablamos de esa clase de música: de la que te acompaña mientras recorres el abismo y ante la que sólo puedes sentir gratitud. Ha sido un última vuelta de tuerca, una última prueba. Hawley forma parte de esa raza de cantautores que ofrecen pesar con una mano y con la otra redención y de los que, sí, debes alejarte de tanto en tanto si no quieres arder en su mismo fuego, pero a los que sabes que tarde o temprano volverás. Siempre hay una razón para volver. ■ Joan Cabot “Trulove’s Gutter” ” está publicado por Mute/Emi.

SAMIAM “CLUMSY” (1994) Samiam es un grupo al que adoro, y este es un disco de pop fantástico. Aparte son unos chicos geniales. Empezaron con este estilo, como a lo Foo Fighters, cuando aún pocos grupos lo hacían. Además Sergie Loobkoff es un gran escritor de canciones, cada una te cuenta una gran historia. HELMET “MEANTIME” (1992) “Meantime” me encanta. Hacen un rock duro muy potente, y consiguen un sonido muy atractivo. A mí me cautivó desde la primera escucha. SEPULTURA “CHAOS A.D.” (1993) Es uno de mis discos favoritos. Combina metal con un contenido político muy claro. Hablan sobre las injusticias que se viven en Brasil, como por ejemplo del tema de las favelas. Cosas así hacen abrir los ojos a la gente, en especial en América, donde hay una gran desinformación. DESCENDENTS “MILO GOES TO COLLEGE” (1982) Es un grupo muy bueno, quizás el mejor grupo de pop-punk de todos los tiempos. Muy pegadizos. Son unos grandes compositores, unos genios, y para mí, como guitarrista y escritor, una fuente de inspiración para crear canciones. QUICKSAND “SLIP” (1993) Ya era fan del trabajo de Walter Schreifels en Gorilla Biscuits, pero cuando fundó Quicksand me fascinó. De entre sus únicos dos discos publicados, “Slip” es mi favorito. Es una pena que también se separasen. HOT WATER MUSIC “CAUTION” (2002) Es su penúltimo disco, y yo creo que es el mejor. “Fuel For The Hate Game” siempre había sido el que más me gustaba, pero luego publicaron “Caution”, y apenas escucharlo pensé: “esto es impresionante”. IRON & WINE “THE SHEPHERD'S DOG” (2007) Samuel Bean es un gran cantautor. Me impresiona lo que consigue con la única ayuda de su guitarra acústica. “The Shepherd's Dog” me gusta especialmente. Es muy tranquilo y relajante. BILLY TALENT “II” (2006) Uno de los grupos que más me gustan de la actualidad. Ben Kowalewicx es un gran cantante y todo el grupo es genial, pero la voz es lo más especial. Están muy poco valorados en Estados Unidos y no entiendo el porqué. ■

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Tim McIlrath (Rise against)

MondoSonoro · Noviembre 2009 /17/

MONDOFREAKO

Mark Eitzel Foto Archivo

Mark Eitzel

Un tipo sencillo Luchador incansable en solitario o en las idas y venidas de American Music Club, Mark Eitzel es un tipo sensible que se sumerge en sí mismo con una facilidad pasmosa. Ahora bien, si no fuera por eso quizás no podríamos disfrutar de discos como “Klamath”.

ablamos por teléfono. Eitzel me introduce en lo que es su nuevo trabajo. “Lo grabé todo en casa. Me prestaron un estudio móvil, y allí trabaje el disco, con mucha constancia, con mucha ilusión, trabajando un poco cada día. Fue diferente a otras veces, en cuanto a que esta vez escribí muchas canciones y tenía muy claro el enfoque. Las ideas eran similares y todas iban en una misma dirección. Además, todo lo que puedes escuchar en el disco lo grabé yo sin ayuda externa de nadie. Y la verdad es que he aprendido que así también se trabaja muy cómodo”. “Klamath” es un disco en el que priman las atmósferas en canciones todas muy calmadas pero con mucha sustancia, un trabajo rico en sonoridades y texturas. Se trata, en resumen, de una obra de la cual su autor, ese personaje bohemio y misterioso a la vez, se puede sentir muy orgulloso. “Me obsesioné en crear atmósferas que representasen en

mi música lo que estaba viviendo en ese momento. Estaba en una casa en pleno bosque, rodeado de árboles y quería darle continuidad a las sensaciones que vivía, a esa situación tan agradable y tan pacífica”. Después de experimentar con la electrónica por primera vez en “Invisible Man”, Eitzel repite de nuevo con sonidos digitales, pero obteniendo mejores resultados. “No me gusta comparar unos discos con los otros. Cada uno tiene su propia personalidad. Lo que siempre intento es que lo que puedas escuchar sea nuevo, distinto. No me importa lo que haya hecho o no anteriormente. El pasado no me preocupa. En esta ocasión quería, por encima de cualquier otra cosa, darle forma a un disco en el que las guitarras acústicas fuesen protagonistas”. En todo caso, siempre está bien recuperar a Eitzel en solitario, sobre todo desde que, con American Music Club de nuevo en escena, su carrera hubiera quedado momentánea-

mente en segundo plano. “He tenido un bebé hace poco (risas), así que tenía que dejar a la banda al margen. En estos momentos tengo un nuevo trabajo y quería seguir activo, tocando mis canciones y componiendo. No podía ni me convenía parar de golpe, pero sí me apetecía grabar un disco tranquilo, un poco de sosiego y estar al margen de lo que representa girar con una banda o de la responsabilidad que implica estar en American Music Club”. En todo caso, resulta complicado

inviable”. Volviendo al disco, “Klamath” toma su nombre de una tribu india con muchos años de historia, aunque curiosamente ese no ha sido el motivo para llamar así al disco. “No, realmente ese no fue el motivo. No me refería a esa etnia india, sino que simplemente es un lugar cercano al que llamamos así y en el que solemos reunirnos con los amigos”. Una sorpresa, sobre todo atendiendo a que Eitzel se refugió en la música griega para dar forma a “The Ugly American”. “Aquella fue una buena ex-

"Todo lo que puedes escuchar en el disco lo grabé yo sin ayuda externa de nadie" saber cómo se enfrentará a los escenarios a la hora de presentar estas nuevas canciones. “En los conciertos me acompañará un pianista y yo me dedicaré solamente a cantar. De momento este sistema funciona perfectamente. En la última gira con American Music Club ya dejé de tocar la guitarra. Por otro lado, en lo referente a este disco, sería muy difícil reproducir todos los sonidos y atmósferas que contiene. Necesitaría más medios y personal, lo cual ahora mismo es

periencia. Por lo tanto, no descarto probar con otras temáticas. ¿El flamenco? Por qué no. Me gusta mucho, es un estilo muy pasional. Si bien, creo que para un músico que no lo haya vivido como la religión que es, puede resultar complicado tocar o probar con un género como es el flamenco”. ■ Toni Castarnado “Klamath” está publicado por Decor/Popstock!.

(MONDOFREAKO /18/ Noviembre 2009 · MondoSonoro)

Parade Foto Mario García

Parade

Astronomía inagotable La maestría de Antonio Galvañ ha vuelto a quedar refrendada con “La fortaleza de la soledad”, el quinto álbum de su carrera al frente de Parade. Un trabajo destinado a figurar entre lo mejor que el panorama estatal nos ha deparado este año. Y el primero que edita con Jabalina.

mpecemos por el cambio de sello. “En Spicnic me dijeron hace un par de años que ya no iban a sacar más discos, por lo que me vi obligado a buscar nueva discográfica. Le entregué a Tanis Abellán una maqueta en el Lemon Pop de 2008 y muy pronto hubo buena sintonía. Se hizo todo de la manera más natural posible”. Los ingredientes de su fórmula siguen mirando de tú a tú a los clásicos, si bien Galvañ no coincide al cien por cien en aceptar esa mayor fijación beatleaiana que algunos han apuntado. “Es un disco de querencia clásica. Cada vez que me planteo un nuevo álbum, pienso en la intención que puede tener. Con intención me refiero al sonido general (electrónico u orgánico, italiano o anglófilo) y después las canciones se ocupan por sí solas de traicionar esos presupuestos anteriormente previstos. Para mí el sonido del disco es muy setentas, los setentas de Paul McCartney, de Todd Rundgren o la ELO. Y claro, por medio de todo esto aparecen siempre The Beatles”. Aunque sí es innegable el tono más homogéneo del álbum en comparación con sus predecesores. “Quizá porque el grueso de las canciones está gra-

bado en un periodo relativamente corto de tiempo (de enero a junio de 2009), mientras que los discos anteriores eran el producto de grabaciones hechas durante tres años”. Títulos como “Stephen Hawking”, “Astrónomo melancólico” o “Proyecto Genoma” reinciden en esa fascinación por la ciencia (ciencia ficción las más de las veces) que el músico murciano ha hecho seña tradicional de su propuesta, “para contar historias, muchas veces como parte central, otras como metáfora”, aunque reconoce que a veces “este elemento fantástico se queda en realismo mágico o simplemente en cuento estrafalario. No me importa. Me define, y dentro de este continuo me seguiré moviendo”. El carácter mucho más unitario e incluso conceptual de “La fortaleza de la soledad” es patente en “Rainbows Avenue”, una suite dividida en tres partes, que parece establecer una separación del contenido del álbum en cuatro bloques diferenciados. Y aquí asoman de nuevo The Beatles: “Mi intención era hacer algo parecido al medley de la cara B de ‘Abbey Road’, un conjunto de canciones cortas unidas por pequeñas transiciones, pero todo cambió cuando encontré que podía utilizar estos

esbozos para contar una historia. Entonces estas partes se convirtieron en capítulos, y juntas en una especie de relato corto musical. Si el disco hubiera sido un vinilo, estaría ocupando la cara B del disco, como se hacía en los setenta. Ya hay personas que me han contado que se ponen todas las canciones seguidas, para no perder detalle”. La mitología rock es también una fuente de inspiración para Galvañ, como lo prue-

baba. No sabía si era una época o incluso mi proyecto de Parade. Al final ha resultado más lo primero que lo segundo, de lo que me alegro un montón”, y porque “los Carpenters me encantan, me parecen unos grandes y maravillosos músicos injustamente tratados de ñoños y cursis por un sempiterno sector ‘rockero’ y ‘auténtico’ del que todavía queda una buena muestra aquí en España”. Quizá el mismo sector que

“Los Carpenters me parecen unos grandes y maravillosos músicos injustamente tratados de ñoños y cursis" ba “El aerolito Dylan”. “Las personas somos las que convertimos momentos más o menos anecdóticos en leyendas, igual que el piano rodeado de arena de Brian Wilson o el cruce de caminos de Robert Johnson. No soy muy dylanófilo, pero esa época en concreto, que descubrí a través del documental de Scorsese, me llamó enormemente la atención, y decidí realizar un ‘What if…’ como los que hace la Marvel con sus superhéroes. ¿Qué pasaría si el cambio a la electricidad de Dylan hubiera sido producido por un aerolito la noche de San Lorenzo?”. Al igual que The Carpenters, de quienes versiona “Your Wonderful Parade” (“El desfile terminó”), porque responde “a un momento de mi vida en el que tenía una sensación muy fuerte de que algo se aca-

arquearía la ceja ante: “Vainica Doble, Gino Paoli, Lucio Battisti, ABBA, Meteoro, Intronautas, Sigue Sigue Sputnik, Young Marble Giants, Orange Juice, Le Mans, Kraftwerk, Beach Boys, Ramones, Stereolab, Solera, Jimmy Webb, Chabuca Granda, Beatles, Papas Fritas, Everything But The Girl, Pascal Comelade, The High Llamas, Alaska y los Pegamoides, They Might Be Giants, Prefab Sprout, Todd Rundgren, Phil Spector, Ben Folds Five, Caetano Veloso, The Zombies, Curt Boettcher, ELO… a todos ellos les he copiado y les seguiré copiando”. ■ Carlos Pérez de Ziriza “La fortaleza de la soledad” está publicado por Jabalina.

(MondoSonoro · Noviembre 2009 /19/ MONDOFREAKO)

EN LA

MALETA

Pin & Pon Dj's Foto Archivo

Pin&Pon Dj’s Presentes como pinchadiscos en un sinfín de festivales, Rafa y Juan no tienen suficiente y ahora se esfuerzan igualmente en montar conciertos en la ciudad en la que residen (Barcelona), pero también en otras como Valencia. En todo caso, eso no hace más que sumar enteros a su carrera. ◗ ¿Qué disco nunca falla en vuestras sesiones? No tenemos un disco fetiche, pero canciones como “Hit The Road Jack” de Ray Charles o el “Respect” de Aretha Franklin nunca faltan. Son clásicos que al público le encanta bailar. ◗ ¿Qué es lo peor que puede hacer un Dj mientras está pinchando? Distraerse de la sesión tanto técnica como musicalmente.

◗ ¿Cuál es el sitio más asqueroso en el que habéis llegado a pinchar? Tanto como asqueroso no nos atreveríamos a decir, pero sí son desagradables cosas como que al final no te paguen lo acordado, como en una rave en plena huerta valenciana en la que pinchamos hace tiempo. ◗ ¿Recordáis alguna anécdota especial a lo largo de vuestra carrera? Hay muchas pequeñas anécdotas del día a día de los Dj’s, como que alguien se acerque a pedirte una canción de un grupo que está sonando en ese momento, que te pidan canciones de Chenoa o Bisbal... Como estas hay un montón. ◗ ¿Vinilo o CD? Desde hace tres años ni una cosa ni la otra, pues desde entonces pinchamos con un Mac, con Serato Scratch Live y últimamente con la controladora Vestax VCI 300, y no podemos estar más contentos con el cambio. ◗ ¿Qué opinión tenéis de la relevancia que se le da en la actualidad a los Dj’s? La relevancia es relativa, no es tanta como se dice, especialmente en la escena indie en la cual nos movemos. Amable seguramente es la excepción que confirma la regla. ◗ ¿Qué opináis de los músicos que pinchan? Pues que unos lo hacen bien, otros regular y otros mal. Pero siempre es curioso saber qué música le gusta a tu grupo favorito. ◗ ¿Cuáles son vuestros Dj’s actuales favoritos? Nos gusta Kinki del Fever. Sus sesiones son abiertas de miras y acompañadas de buena técnica. Y también nos gusta mucho Nacho Ruiz, residente de la Sala Sidecar y que desgraciadamente no se prodiga nada por otras salas. A ver si se anima. ◗ ¿Bebéis o hacéis cosas malas mientras pincháis? Y sin estar pinchando también. ■

Luces mesiánicas Después de haber contemplado con sus propios ojos las misteriosas luces de Marfa, las vidas de Jona Bechtolt y Claire L.Evans no han vuelto a ser las mismas de antes. Con nuevo álbum, “See Mistery Lights”, bajo el brazo del sello DFA, la vena esotérica del dúo de Portland florece para embaucarnos por terrenos paranormales.

“

See Mistery Lights” únicamente supone una evolución de lo que Jona Bechtolt desarrolló en sus pasos previos y que empezó a tomar la forma actual en “I Believe In You, Your Magic Is Real” (2007), Pero eso sí, su último largo hasta la fecha explora terrenos pantanosos bajo una coartada esotérica de lo más bizarro. Tal como el propio Bechtolt nos cuenta, el desierto tejano de Marfa (donde llevaron a cabo la grabación) es el culpable de la vertiente mesiánica que el grupo, a conciencia, ha impregnado a su repertorio. “La primera vez que contemplamos esas luces tanto Claire como yo acabamos extasiados. Aun formando parte de una generación tecnológica donde la información lo prima todo, fenómenos como los que se producen en Marfa nos han cambiado por completo nuestra forma de ver el mundo ya que la ciencia no tiene respuestas para todo”. Pero a todo esto, ¿en qué consisten realmente estas luminosidades marianas? “Este fenómeno existe desde que el hombre tiene uso de razón. Los nativos americanos se referían a ellas como ‘espíritus’. Son como una especie de estrellas que, a pesar de caer del cielo, se mantienen latentes en el horizonte, moviéndose y emergiéndose de diversas formas”. Entonces, ¿supongo que, desde entonces, estaréis interesados en otro tipo de fenómenos paganos? “Desde nuestra primera experiencia con las luces de Marfa nos interesan diversos rituales y sentimientos religiosos. Nos hemos adentrado a lo desconocido, lo hemos buscado, y lo hemos encontrado. El deseo de conocer a Dios es únicamente una versión más prematura de la necesidad que el ser humano tiene de averiguar si

realmente existe vida extraterrestre más allá de nuestro planeta”. Volviendo al terreno mundano, donde lo tangible -gracias a Dios- reina a sus anchas por el bien de nuestra salud, es momento de preguntarle a Jona por su nueva viajera interestelar, Claire L. Evans, después de la espantada de Khaela Mairich, musa del R&B lo-fi

Yacht Foto Archivo

◗ ¿Hasta qué punto es importante que la gente baile más o menos para cambiar la línea de una sesión? Es muy importante. Si la gente no baila es indicativo de algo. Desgraciadamente esto es un arma de doble filo pues la mayoría de la veces el público prefiere escuchar hits, y puedes caer en la típica sesión de hits que son las que menos apetece hacer.

Yacht

la flamante “Right The Bell” sin ir más lejos, ¿el propio Murphy ha metido mano en el resultado final del álbum de algún modo? “Él es simplemente un genio, además de un tipo con muchísima clase desde que le conocimos en 2007 cuando teloneamos algunos de los shows de su banda, pero de ningún modo se ha involucrado en el álbum aunque a priori pueda parecerlo”. Mostrándose más enigmático, si cabe, con las influencias extraparanormales que “See Mistery Lights” pueden transpirar, Jona recalca el mixtape que meses después de dar por concluida las maratonianas sesiones de grabación del álbum confeccionaron como piedra angular de su prometedor a la vez

"Cualquier clase de música proviene de una combinación de inspiración directa (o divina) y del bagaje cultural" de K Records. “Con Khaela todo era mucho más complicado. No había ningún tipo de armonía en nuestra relación profesional. Con Claire las cosas son totalmente diferentes. Después de la experiencia que vivimos en el desierto de Marfa, tanto a nivel creativo como ideológico, nuestro trabajo sigue el mismo rumbo”. El éxito que supuso hace unos meses “Summer Song”, con un implícito homenaje a LCD Soundsystem incorporado, provocó que el mismísimo Rey Midas del punkfunk, James Murphy, adoptara a estas raras avis del panorama musical dentro de DFA. “Estábamos realmente nerviosos por el hecho de entrar en la discográfica, aunque nuestra relación con DFA es la misma que la que teníamos con nuestros sellos anteriores, Marriage Records y States Right Records. Todo se basa en la confianza. Aunque, de todos modos, DFA no deja de ser una pequeña discográfica llevada por un minúsculo a la vez que encantador grupo de personas desde Nueva York”. Con los toques de groove neoyorquino que transpira el álbum, en

que enigmático presente y en el que descubren los referentes que han influido de forma más o menos directa en el disco (desde el rapero T-Pain a Dinosaur L, pasando por Talking Heads, Tears For Fears o Snoop Dogg ). “Todo cobra sentido con el tiempo. Cualquier clase de música o arte proviene de una combinación de inspiración directa (o divina) y del bagaje cultural que habita en nuestro subconsciente sin que seamos conscientes”, comenta Bechtolt, que lo tiene más claro a la hora de responder quiénes serían sus artistas fetiches a la hora de llevar a cabo una futurible colaboración cósmica. “Realmente estaríamos interesados en trabajar con personas no vinculadas con el ámbito musical como Yayoi Kusama o David Miscavige”. Rarunos, pero encantadoramente adictivos. Los agnósticos siguen siendo invitados a este festín de pop sideral, aunque a primera vista pueda no parecerlo. ■ Sergio del Amo “See Mistery Lights” está editado por DFA/Nuevos Medios.

(ENTREVISTA /20/ Noviembre 2009 · MondoSonoro)

incomunicado nos atraía muchísimo”. La producción es impecable, pero los conocimientos técnicos no han sido lo único que Arkarazo ha aportado a la banda. (Jon) “El estar aislados y completamente centrados nos vino muy bien como grupo. Creo que las canciones se han impregnado de ese ambiente de oscuridad y que ha aportado ciertos estados de ánimo en ellas. Son los mismos temas pero están tocados de una forma que era cómo nos sentíamos teniendo eso alrededor. Salías a fumar un cigarro y estabas perdido en medio del monte”.

Layabouts Foto Alfredo Arias

Desabrochando a

Layabouts

Desde la oscuridad Atrás han quedado las luces de la pista de baile. Las guitarras se han tragado a los sintetizadores, pero el concepto sigue siendo el mismo: hacer buenas canciones. Que quede bien claro. En todo caso, “...And They Ran Into The Woods” reclama nuestra atención de nuevo para Layabouts.

uchos meses en la carretera le han dado a los miembros del grupo la información necesaria para saber que más canciones como las de “Layabouts” (Wild Thing, 07) eran una apuesta segura para tener al público contento en sus conciertos. Las mismas preguntas a las que trataron de buscar respuestas incluso antes de colgarse los instrumentos volvieron a sus cabezas y decidieron elegir el camino más difícil; un cambio estilístico que va a sorprender a más de uno. (Jon, cantante y bajista) “Nos costó mucho, pero al empezar nos empeñamos bastante en encontrar una voz que fuese nuestra. Es verdad que las letras no llevan un mensaje político ni tratan de aleccionar, así que había que centrarse en que la música contara lo que queríamos decir. A día de hoy seguimos trabajando en ello y creo que con nuestro segundo disco lo hemos conseguido. Todos los temas del primer álbum empezaron como jams sin sentido, cogiendo lo que nos gustaba y montándolo hasta tener una canción. No nos importaba que hubiera partes muy bailables y un final hardcore en plan At The Drive-In, que es un grupo que nos encanta”. Una atmósfera de misterio rodea las canciones de “…And They Ran Into The Woods”, segundo trabajo de los madrileños Layabouts. Los sintetizadores prácticamente se han perdido por un camino que no han sido fácil desde que, en 2005, empezaron a tocar juntos, pero gracias al que han extraído cosas interesantes a base de kilómetros y algunas experiencias

desafortunadas. (Jon) “Todo lo que hacemos está completamente enfocado al directo. Al principio dábamos muchísimos conciertos, porque nos interesaba que nos conocieran y creemos que es la mejor manera. La gente ya casi no compra discos. Las directrices son ‘lo que se graba se toca’ y todo tiene

la gente a verte. Es como una promoción de patearte la calle, pero sin moverte de casa. No es tan distinto. A veces se nota en los conciertos y a veces no, pero cuantos más se enteren de lo que vas a hacer, mejor. Sólo con eso ya estoy ganando algo. Si no vienen al que estoy anunciando puede que vengan al siguiente porque ya nos conocen un poco”. Tras su paso por Wild Thing Records, se lanzan a la piscina editando en su propio sello (Homeless Records) y siendo conscientes de que si se equivocan al menos no habrá nadie a quién culpar. “Montar un sello es difícil y costoso porque toda la inversión es tuya, pero realmente merece la pena porque a veces los intermediarios convierten en un mal rato el

“ Las directrices son ‘lo que se graba se toca’ y todo tiene que sonar como en el directo” que sonar como en el directo. Si no vamos a hacer cuantos más bolos mejor, no nos compensa sacar un disco nuevo. Es lo que hace que merezca la pena gastar dinero, el cansancio, el local (que cuesta más que un piso), los viajes en furgoneta… A veces hasta es rentable comerse marrones porque aprendes mucho”. Nada más cierto: es preferible que hablen de ti, aunque sea mal. “Lo importante para que te siga un buen número de gente es que se enteren de que existes, y tienes que dárselo todo muy trabajado. En realidad casi no hace falta tener el disco en las tiendas porque no es necesario para que te conozcan y vayan a tus conciertos”. En mi opinión, las cosas no son tan diferentes como hace décadas, sólo han cambiado las formas y el haber crecido tanto con una pelota en los pies como con un ordenador en las manos es una grandísima ventaja. “Con MySpace tienes las posibilidad de invitar a

publicar tus canciones. Al tiempo de ensayar y salir de gira hay que añadirle muchas cosas, pero todo es mucho más fácil”. No les avergüenza (y pocos grupos confiesan algo así a un periodista) reconocer que les ha costado encontrar su propio sonido, ni que el tiempo y las tablas han sido los responsables del sorprendente cambio de estilo en su segundo trabajo. Más guitarrero y menos bailable, más oscuro y menos hedonista. Los bosques del País Vasco también han tenido mucho que ver. (Rober, guitarra) “Aunque con Paco Loco fue todo fantástico en el primer disco, sentíamos que habíamos cambiado y queríamos que todo fuera diferente. Habíamos escuchados discos que Kaki Arkarazo ha producido en los estudios Garate y sabíamos que graba de maravilla cosas muy potentes y además tiene muchísima sensibilidad para las que son más tranquilas. Estar en medio de un bosque en Guipúzcoa en un caserío casi

l resultado salta a la vista; once pistas (una de ellas instrumental) a las que nadie puede negar sonar con fuerza. Como todo, tiene sus trucos. (Jon) “Kaki ha respetado los techos altos y la madera y la piedra. Todo junto hace que tenga una reverb muy curiosa y, unido a su particular forma de grabar, consigue un sonido muy especial. Coloca los micros en una esquina… y luego a la mezcla le va añadiendo tomas de esos micrófonos. Te pide que toques como tú lo haces en un concierto o en el local, y luego trabaja sobre ello. Es algo muy enriquecedor, porque propone las cosas con mucho respeto y ves que es algo que se te podría haber ocurrido a ti. Nos ha dado tiempo a conocer mejor nuestras canciones, a descubrir qué partes de temas necesitan una cierta emoción o cierta atmósfera, y cómo transportar eso a la energía del directo”. A lo largo de la conversación, “escenario” y “conciertos” son las palabras que más se repiten. (Jon) “Nos tomamos los conciertos como un show. La gente va a ver un extra del disco y es una rutina que nos consume mucho tiempo y mucha energía. Cuando terminamos sólo pensamos en pasarlo bien y descansar para hacer lo mejor que podamos en el siguiente”. Con verdadera ilusión de fan me cuentan por qué han decidido darse el capricho de editar el primer single en una edición limitada en vinilo. (Jon) “Todo el disco, desde antes de grabar, tenía un halo romántico. El single es casi una declaración de hacer las cosas bien”. (Rober) “La verdad es que como ya casi nadie se gana la vida vendiendo discos, por lo menos queremos que el que decida gastarse el dinero tenga un producto que pueda conservar en el tiempo”. En la cara B, un tema nuevo y una versión de The Animals. (Jon) “La grabamos para la ocasión. Hicimos un par de temas nuevos y escuchamos un montón de canciones de los sesenta porque teníamos claro que era la época que queríamos. Era lo más similar al momento que estamos viviendo nosotros, porque sus directos eran un derroche de energía. Nos parecía divertido y creemos que la gente lo va a valorar”. ■ J. Batahola ➲ Layabouts visten Jeans Levi’s® 501® y tops de Levi’s® Red Tab”

“...And They Ran Into The Woods” está publicado por Homeless Records.

(ENTREVISTA /22/ Noviembre 2009 · MondoSonoro)

The XX Foto Owen Richards

The XX

Generación IPOD Catapultados por “Crystalized” y con un primer largo homónimo de esos que marcan época o hunden carreras, los londinenses The XX representan mejor que nadie todas las contradicciones de su generación. Con apenas veinte años, han creado uno de los álbumes más complejos e hipnóticos de lo que llevamos de año.

liver Sim y Romy Dadley se conocen desde que tenían tres años, esa edad en la que no eliges a tus amigos sino que los eligen tus padres. A sus veinte años han desarrollado una extraña complicidad que infecta cada compás del álbum de debut de The XX, la última joya del pop británico, convertidos en el grupo más excitante del momento gracias a un single tan retorcido y fascinante como “Crystalized”, en el que marcan las líneas maestras de su apuesta estética: la concisión de Young Marble Giants, la sensualidad del r’n’b y las angustias sombrías de The Cure, en una mezcla tan perfecta y equilibrada que por fuerza sitúa su primer álbum entre los debuts más brillantes de este 2009. “Romy y yo seguimos siendo amigos, así que fue una buena elección. Gracias, mamá”. Sim, bajista y cantante junto a Dadley de The XX habla con una claridad de ideas impropia de su edad. O no. Quizás una de las peores cosas de hacerte mayor sea la estúpida condescendencia con la que tratamos a los que son más jóvenes que nosotros. “A Baria y Jamie les conocimos cuando teníamos once años, en secundaria. Eso es mucho tiempo. Inicialmente The XX éramos Romy y yo. Baria se unió para los conciertos y poco después entró Jamie. Ahora llevamos así tres años”. “Cuando empezamos”, explica, “ninguno teníamos idea de tocar nuestros instrumentos. No hemos tocado en otras bandas, así que hemos pasado por el proceso de aprendizaje juntos”. Es otra explicación a la pregunta de cómo han conseguido ensamblar todas las piezas. Nocturnos punteos de guitarra y una línea de bajo sinuosa, sintetizadores y una caja de ritmos. Así de simple, tanto que el efecto de los diálogos a las voces de Dadley y Sim se multiplican por mil. “Romi y yo hemos tenido la misma educación, hemos frecuentado a la misma gente, y conociéndonos de tantos años es evidente que nos entendemos muy bien el uno al otro. Pero, en lo compositivo, trabajamos cada uno por su lado, aunque

creo que por el simple hecho de haber crecido juntos lo que escribimos cada uno tiende a encajar”. “Hay mucha simplicidad en nuestra forma de hacer canciones”, continúa, “y es debido a nuestras propias limitaciones con los instrumentos, a que estábamos aprendiendo y hacíamos lo que podíamos. Ha surgido de forma bastante natural. En algún momento nos dimos cuenta de que nos gustaba ese sonido y a partir de entonces sí fue intencionado. Ahora nos esforzamos en conservar ese espíritu, ese sonido más simple y desnudo, ahora que tenemos la opción de hacer mucho más de lo que podíamos antes”.

stos cuatro muchachos del suroeste de Londres han creado un universo propio, un discurso musical madurado en el proceso de crecer juntos, aprender y descubrir juntos. Y The XX forman parte de esa nueva generación de consumidores para los que el concepto de álbum significa cada vez menos y la música es algo que sale de cómodos reproductores digitales, no de aparatosos sistemas de sonido. “Definitivamente. Formamos parte de una generación marcada por el modo Shuffle del iPod, que elimina toda definición de género, porque va saltando de una cosa a otra. Para mí es más una cuestión de canciones que de géneros, incluso de artistas, porque escucho canciones sueltas, sin un plan ni prejuicios”. “No sé cuál es el punto de unión entre Aaliyah y The Cure”, responde Sim cuando pregunto por algunas de las influencias que citan en su página de Myspace. “La verdad es que no sé qué etiquetar como influencia y qué como algo que simplemente me gusta escuchar. A ambos los he escuchado mucho, pero no sé si Aaliyah es realmente una influencia o sólo una artista que me encanta. Podría decir que no es una influencia, pero nunca puedes estar seguro, porque estas cosas se abren camino

a través del subsconsciente de alguna manera”. “The XX” fue grabado por el propio grupo en el estudio del dueño del sello Young Turks, que fue quien les descubrió. Les dio las llaves y los dejó a su aire. No querían presiones. “Hasta ahora nos hemos concentrado exclusivamente en terminar el álbum y completar el tipo de disco que queríamos hasta estar cien por cien seguros de haberlo conseguido. Si decidimos hacerLo nosotros mismos fue más porque queríamos probar toda clase de cosas en el estudio y aprender por nosotros mismos, no porque pensáramos que un productor pudiera cambiarnos. La gente con la que hemos trabajado hasta ahora son productores con un sonido muy personal y el resultado acostumbra a tener más que

tratar a los veinte, aunque la malograda Sandy Denny (Fairport Convention) tenía esa misma edad cuando compuso “Who Knows Where the Time Goes?”, probablemente el himno más grandioso compuesto nunca a su inexorable fugacidad. Puede que sea porque a los treinta ya nos hemos acostumbrado al recorrido del minutero, apaciguado el hambre que nos hace sentir que se nos acaban las horas y no hemos hecho apenas nada. Tenía que ser así. Veinte años, una puesta en escena carismática y escueta. El resumen de una nueva era. “En este momento no hay ninguna gran tendencia en Londres”, cuenta Oliver. “La new-rave, que ha sido la escena dominante en los últimos tiempos, ha decaído bastante y ahora no hay nada que puedas considerar una corriente dominante,

“Formamos parte de una generación marcada por el modo Shuffle del iPod, que elimina toda definición de género” ver con ellos que con nosotros. El disco hubiera sido muy diferente con un productor, porque además hemos aprendido mucho en el proceso”. Algo de ese aislamiento forma parte de la esencia de su música. Cuatro jóvenes encerrados en una habitación dando rienda suelta a su peculiar mundo particular, en su propio lenguaje cifrado. Hay un punto de autismo en algunos de los cortes del álbum, como si en ningún momento hubieran tenido presente al oyente como parte integrante del proceso. “Están las canciones que escribimos cuando teníamos dieciséis años y las que compusimos hace siete meses. Es un gran salto porque son unos años en que todo cambia a gran velocidad. Al principio no escribes a partir de tus propias experiencias, más bien a partir de cosas que ves alrededor, haciéndote tu propia idea de lo que ves. Mientras, las canciones más recientes sí que son más personales”. “Si escribo a partir de mis propias experiencias las canciones son oscuras...”, confiesa Sim. “No es que haya tenido experiencias especialmente malas, la verdad, pero las canciones sí salen más oscuras. Supongo que la vida es más complicada a los veinte”. “Diría que nuestras canciones hablan sobre todo del tiempo”, añade. Un tema curioso para

lo que me parece francamente bien, porque no tienes que sentirte parte de nada. Veo a muchos grupos que simplemente intentan hacer las cosas a su manera, como Micachu & The Shapes, The Big Pink, Mount Kimbies o Trailer Trash Tracys... Son grupos con los que nos encanta tocar y hacer cosas, pero no nos sentimos parte necesariamente de ninguna camarilla”. Quizás no cambie nada después de la edición de “The XX”, estas cosas son imposibles de predecir, pero tenga efectos o no, sea ahora o dentro de diez años, el debut de The XX abre toda un racimo de nuevas posibilidades. Desde su aislamiento y particularidad han entregado al mundo un rompecabezas con el que entretenerse durante quién sabe cuánto. “Siempre he intentado encontrar una frase que contestar cuando algún familiar me pregunta qué tipo de música hacemos, pero no tengo ni idea. Creo que es un término medio entre cuatro personas con gustos muy diferentes. La palabra sería fusión”. Puede. ■ Joan Cabot

“The XX” está publicado por Young Turks/ Popstock! The XX estarán actuando en Barcelona el próximo 9 de noviembre.

NUEVO PLAZO DE INSCRIPCIÓN HASTA EL 30 DE NOVIEMBRE

Tokyo Sex Destruction Foto Archivo

(MondoSonoro · Noviembre 2009 /25/ ENTREVISTA)

Tokyo Sex Destruction

Simulacro y derribo Lo han conseguido. Han elaborado un cuarto disco, “The Neighbourhood”, que suena definitivamente a sexo y revolución lo mismo que a victoria y derrota. Un disco que puede acercar su discurso valiente y coherente en lo personal y lo social a un público aún mayor del que ya se han labrado.

uando uno viaja en avión utiliza uno de los grandes avances tecnológicos de nuestra era de manera superlativa. Todo cambia, lo grande se hace pequeño y el tiempo cuenta demasiado. Sin embargo, existen reacciones físicas, casi involuntarias, inconscientes, que hacen girar el cuello hacia la ventanilla y valorar esa vida imperceptible que estará desarrollándose bajo una casa diminuta rodeada de miles de iguales. A la vez, un aprecio por la vida propia se hace fuerte en el estómago hasta tomar tierra. Tokyo Sex Destruction, cada vez más grandes, vuelven la mirada al barrio, la revolución sigue siendo individual y minúscula como esas vidas. “El proceso de creación de este disco ha sido bastante largo; el de grabación, como viene siendo costumbre en nosotros, bastante menos (estuvimos en el estudio sólo doce días). Muchas de las canciones ya las veníamos tocando desde hace algún tiempo y obviamente han cambiado algo, algunas bastante. Cuando decidimos grabar este nuevo disco, hará un año, nos dedicamos a recopilar las canciones que más nos gustaban, las que estábamos haciendo en aquel momento en directo o algunas que todavía teníamos por acabar. Nos grabamos maquetas para tener las cosas mucho más claras a la hora de entrar al estudio. Después también influyó mucho colaborar con un productor. Le enviamos las maquetas y empezamos a perfilar las cosas. Llegar a este disco ha sido un cúmulo de experiencias recogidas en el transcurso de todos estos años, tanto en el estudio como en las giras, sobre todo en las giras, donde realmente uno aprende a saber qué es una banda y cómo funciona todo. Han pasado ya cuatro años desde que editamos nuestra última

referencia y nos hemos tomado nuestro tiempo, queríamos hacer las cosas bien y sin prisas. Con ello no quiero decir que la banda haya tenido un parón, porque hemos seguido girando por todas partes, principalmente por países donde nunca habíamos estado”. Una de los grandes aciertos de este “The Neighbourhood” es el sonido, culpa no sólo de Gregg Foreman (que ya conocía a la banda y pinchaba sus canciones en Philadelphia), sino también de las bajas frecuencias del recién estrenado en estudio RM Sinclair. “Lleva con nosotros desde el principio, porque cuando alguno de nosotros faltaba, ya fuera batería, bajo o guitarra, él estaba ahí para echarnos una mano y sacar conciertos adelante. Quizá lleve más tiempo que el bajista original de la banda. Llevamos juntos desde finales de 2005, somos todos de un pueblo pequeño y nos conocemos desde críos. En este disco la base rítmica ha sido lo más importante, de hecho era una de las cosas que teníamos muy claras. Si batería y bajo funcionan, el resto es mucho más fácil. Gregg también nos inculcó esa idea al grabar los temas. Hemos escuchado mucha música en la que el peso de las canciones recae sobre la base rítmica, si coges como ejemplo el soul lo ves mucho más claro, cualquier canción de Sly Stone es puro ritmo de batería y bajo, unas líneas muy bailables, pero también en otros estilos musicales puedes encontrar las mismas premisas... Quizá en este disco hemos bajado un punto la rapidez de los tempos de las canciones, pero ha sido para darle protagonismo al ritmo. ‘The Neighbourhood’ es un disco en el que intentamos volver a empezar. ‘The Neighbourhood’ no es algo físico, es

más un estado mental, parar y empezar, reorganizar de nuevo tus ideas. En este disco queríamos volver a nuestra casa y volver a empezar, pero con toda esa experiencia acumulada, todo lo que nos ha ayudado o todo los que nos ha jodido”. El sonido, conseguidísimo. Pasemos ahora al otro lado de la banda (o sigamos en el mismo con otro nombre, si damos por bueno que lo personal también es político). “Desde que empezamos creímos en el grupo como una vía de expresión, de dar nuestra opinión sobre la sociedad en la que vivimos. Lucha o no, simplemente damos nuestra

La actual cultura del simulacro no admite reformas, exige ser derribada. “Bueno, alguna vez nos han considerado terroristas de ultra izquierda, pero no creo que lleguemos a tanto. Tan sólo intentamos hacer música. Como ya he dicho soy muy fan de las cosas que se escriben desde el colectivo La Felguera, de una manera u otra han conseguido influenciarme bastante y te podría hablar de textos situacionistas u otras vertientes ideológicas del siglo XX, libros de contracultura americana (hippies, yippies, motherfuckers, black/white panthers, grupos terroristas de los años seten-

“‘The Neighbourhood’ es un disco en el que intentamos volver a empezar” opinión como también tenemos los oídos y la mente abierta a otras formas de opinar, de ver la vida. No estamos aquí para convencer a nadie, ni ideológicamente, ni musicalmente. Si a la gente le gusta lo que hacemos genial, si no les gusta, pues genial también... Lo mejor es no crear indiferencia. Ser un grupo con una mente abierta nos ha ayudado mucho tanto a la hora de componer música, como de viajar y entender diferentes realidades en diferentes partes del mundo. Creo que todo eso te enriquece tanto a nivel personal como musical”.

e obligada lectura es el texto escrito por Servando Rocha que acompaña a las canciones del disco del que hablamos. “Ha hecho un gran trabajo con su escrito. Espero que la gente que compre el disco le preste la atención debida. No todo es la música. Si hay algo que llevo persiguiendo desde el principio con el grupo es intentar que la gente, esté de acuerdo o no con lo que decimos o pensamos, piense por sí misma, que tenga la capacidad de poder elegir lo que más les conviene por ellos mismos, que no se dejen influenciar, por nada ni por nadie”.

ta y ochenta)”. Es también necesario no caer en la nostalgia paralizadora, en una especie de revisionismo personal -y musical, claro- que influya en cómo se perciben discazos como éste hoy o que se puedan llegar a hacer mañana. “Estamos contentos con la época en la que nos ha tocado vivir, no se puede hacer nada contra eso. Obviamente sabemos que las cosas no están muy bien, pero cada uno intenta combatir su realidad de la mejor manera que sabe. Quizá si viviéramos en otra época no estaríamos haciendo esta música o tan siquiera tocando, es cierto que nuestro estilo no es original, pero tampoco buscamos ser originales, para eso ya hay otros grupos. Seguimos siendo fieles a nuestras ideas, a la música que siempre nos ha gustado. Muchas veces nos preguntan por el idioma, ahora más que nunca que hay un cambio de tendencias musicales hacia el castellano, pero seguimos creyendo en lo que hacemos, si no fuera así quizá dejaríamos de tocar, nos estaríamos engañando a nosotros mismos por algo que no sabría qué es”. ■ Nacho P.L. “The Neighbourhood” está publicado por B-core.

The White Stripes

Los Planetas

Lejoor mde la década

Wilco

LCD Soundsystem

o pasó e cómpasó uéntamcómo C Cuéntame Nunca llueve a gusto de todos. Lo sabemos, y nos importa. Aunque ocurre una cosa, esto es MondoSonoro y esta es nuestra opinión con respecto a lo mejor que nos ha dado la década que queda atrás

U Astrud

The Strokes

Nacho Vegas

!!!

na década extraña. Extraña porque para empezar aquello de los sesenta, los setenta, los ochenta o los noventa suena bien, suena útil. Pero reconozcámoslo, “los dos mil” suena mal, suena inconcreto y poco claro. Ahora bien, no nos despistemos. Estábamos en que esta es nuestra lista y, como tal, refleja filias y fobias, corrige errores que cometimos y apunta otros nuevos impresos en papel y en nuestra web para la posteridad. Que cada uno extraiga sus conclusiones y analice estas listas desde su propio punto de vista. Lo que sí podemos apuntar es que da gusto echarle este fugaz repaso a la década que dejamos atrás. Y lo da porque descubrimos que son muchos los grandes nombres que han aportado mucho a la música moderna. Puede que sean ustedes de aquellos que crecieron con los noventa y no dejan de repetir una y otra vez que esa sí fue una década brillante. Pues sepan que si es así lo lamentamos, más que nada porque con el tiempo y muchas cañas quedará bien clara la riqueza de estos años. No importa si hablamos de artistas que desarrollaron buena parte de su carrera en los noventa como, por poner algunos ejemplos, Radiohead, Wilco o Portishead; no importa si hablamos de nuevos artistas aparecidos casi de la nada para marcar su nombre a fuego en la historia de la música como Arcade Fire, Animal Collective, The Strokes, Franz Ferdinand, My Morning Jacket, Sigur Rós, Kanye West y tantos otros. Y no nos olvidemos de los grandes cambios de rumbo, de los movimientos, efímeros o no, que han aportado riqueza a este mágico universo que es el de la música. Hablemos (dejando a un lado grandes cambios como las heridas mortales a ciertos soportes) del retorno del indie más lo-fi y al margen de cierta industria; hablemos del retorno del post-punk y el punk funk que nos ha brindado discos tan

relevantes y magníficos como los firmados por LCD Soundsystem, !!! o The Rapture; hablemos del retorno del rock y las guitarras tras el boom electrónico masivo de los noventa, pero también de ese grito incómodo que protagonizaron los new ravers y que nos permitió disfrutar de Justice y demás compañeros de generación. Puede que las cosas hayan sido distintas en España, pero lo que nadie va a poder negares que ésta ha sido una etapa fundamental para la música en castellano. La calidad de las propuestas y su masiva aceptación por parte del público (indie o no) ha generado una revolución que, sea o no televisada, ha marcado nuestra realidad. Desde los cantautores a la consolidación y madurez de los nombres nacidos en los noventa, desde la relevancia internacional de algunos hasta la lucha desde las barricadas de otros. Quizás haya quien eche a faltar nombres de lo que se ha dado en llamar americana, artistas tan variopintos como Ryan Adams, Lambchop o Drive By Truckers, cada uno de ellos chapoteando en distintos universos con el nexo común de recuperar parte de la tradición musical estadounidense. Entendemos su queja, pero el espacio manda y no queda lugar para más. También podemos entonar un mea culpa por lo que se refiere a artistas duros. A lo largo de estos años hemos defendido a capa y espada algunas novedades revolucionarias en ese tipo de sonidos, desde el post-metal terminal, intenso y arrollador de Neurosis o Isis, hasta la épica psicodélica y rotunda de Mastodon, pero la respuesta es la misma: sólo cincuenta. En todo caso, esperamos que nuestros lectores sepan apreciar los esfuerzos, se identifiquen con algunos discos seleccionados y se lleven las manos a la cabeza al revisar posiciones, apariciones o ausencias. Esa es la gracia de las listas. ■

Ojos de Brujo

Thom Yorke (Radiohead)

Sidonie

Manta Ray

Franz Ferdinand

Sólo Los Solo

a l e d r o j e m o Lda internacional déca

THE STROKES

RADIOHEAD

LCD SOUNDSYSTEM

Rough Trade (2001)

EMI (2000)

DFA/EMI (2007)

(ROCK) Un cruce perfecto entre la querencia arty de The Velvet Underground, el rock desplegado en el CBGB a mediados de los setenta y el r&b stoniano de toda la vida. Además, también cuentan con ese no-sé-qué, ese espíritu real, veraz y sin artificios que todos los grupos de rock deberían poseer. D.D.

(ROCK) La reinvención planteada por “Kid A” es la de un grupo que ya solamente se identifica consigo mismo, que ha renunciado por completo al presente que le envuelve. Los británicos Radiohead han llegado a un punto en el que su música personaliza la emoción, la hace suya. David Broc

(ELECTRÓNICA) James Murphy patea traseros por segunda vez a base de pop, rock, funk y electrónica. Nunca antes los cencerros habían sonado tan epidérmicos, nunca antes uno había enloquecido en un dormitorio como si estuviese en la mayor pista de baile. Un genio. J.S.L.

“Is This It”

Rough Trade (2004) (ROCK) Desde el momento de su edición, “Funeral” se convirtió en una de esas obras de referencia dentro del panorama indie. Un disco especial por muchos motivos, tremendamente personal y a la vez referencial a un montón de influencias engullidas y escupidas como propias. Xavi Sánchez Pons

o vertamos lágrimas, por favor. La década se despide y se lleva con ella a buena parte de la industria musical, pero somos más felices que nunca. ¿Lo somos? Sí, por supuesto. Y el motivo es sencillo, a lo largo de estos años hemos sumado a nuestras vidas un buen puñado de discos, álbumes o como quieran llamarlo que no nos abandonarán pase el tiempo que pase. Muchos recordarán aún la desconfianza con la que se acogió a esta década que se despide, algunos incluso estuvieron entre esos sospechosos visionarios que ahora deberían pedirle disculpas a prácticamente todos los artistas que aparecen en nuestra lista, e incluso a los centenares que no lo hacen, pero que han enriquecido con sus granitos de arena estos años. ¿Cómo demonios puede dudar alguien de la valía de Arcade Fire, TV On The Radio, Animal Collective, Bright Eyes, Antony, M.I.A., LCD Soundsystem, Vampire Weekend, Arctic Monkeys, Bon Iver, Amy Winehouse, Cat Power o The White Stripes? ¿Serían ustedes capaces de entender el mundo aquí y ahora sin sus canciones? No se engañen, una buena parte de ellos está aquí para quedarse. Si se alinean ustedes entre los detractores de este rico lapso de tiempo, por favor, no cuenten con nosotros. Las grandes leyendas del pop, del rock, del rap, del folk o de BON IVER “For Emma, Forever Ago” la electrónica van a seguir siéndolo, pero el Olimpo no 4AD/Popstock! (2008) es exclusivo de nadie y, apretados, caben muchos más creadores. Los interesantes nombres de hoy quizás aca(FOLK) Una voz, una guitarra, electrónica, el viento haciéndole coros ben siendo las leyendas del mañana y, créanme, no les por entre las paredes de madera, una gustaría verse a ustedes mismos en el futuro, como si de bota golpeando el suelo, las gotas de “Flashforward” se tratase, convertidos en unos abueagua lanzándose al vacío desde las los cebolletas rememorando sólo aquellos brillantes seramas de los arces y sobre todo una soledad confesional que aleja los sentas y setentas. El mundo marcha a toda velocidad, la demonios de sentirse solo, con uno imaginación y la creatividad también y negarlo sería una mismo o con los demás. J.S.L. gran estupidez. Y ya saben, cuántos más seamos más nos reiremos. n

TV ON THE RADIO

Sub Pop/Houston Party (2003)

Warp/Pias (2004)

4AD/Popstock! (2006)

(ROCK) “Transatlanticism” sigue siendo la obra más compleja de los estadounidenses, un trabajo que explora zonas de la intimidad de sus creadores hasta lo indecible. Un resumen de lo que fueron y serán Death Cab For Cutie, un excelente grupo, uno magnífico. J.S.L.

(ROCK) Sin abandonar el legado punk funk o mutant disco, haciendo suyas las percusiones latinas y los bajos robustos de 23 Skidoo o Liquid Liquid, aplicando a unas guitarras maquillaje de Sonic Youth y a otras el zigzageo del funk bastardo, nos brindan un discazo que les eleva a la categoría de la puta ostia. J.S.L.

(ROCK) Suenan a presente, pasado y futuro, a todo y a nada, a Radiohead peleándose con Liars, a indie ensoñador, a soul lo-fi, a pop experimental, a banda alternativa y espacial grabando en Realworld… A TV On The Radio, y me alegro de que luchen por crear un universo propio. J.S.L.

“Louden Up Now”

“Return To Cookie Mountain”

THE MAGNETIC FIELDS

QUEENS OF THE STONE AGE

Portishead

Edel/Pias (2000)

Interscope/Universal (2002)

Mercury/Universal (2008)

(POP) Stephin Merritt sale victorioso de una empresa que pocos pueden emular. Sesenta y nueve cortes que van desde bellas canciones pop hasta piezas a medio hilar, manteniendo el listón muy alto en todo momento. Lo suficiente para que le sigamos idolatrando. Tito Sánchez

(ROCK) Un discazo que aúna como pocos la tradición de grupos clásicos como Blue Cheer, Mountain, Hendrix o Grand Funk Railroad con ese turmix psicótico alternativo tan bien engalanado por la maestría a las seis cuerdas de un Josh Homme que reluce más que el sol y por la contundente batería de Dave Grohl. D.D.

(POP) Triunfo absoluto. El trío de Bristol amplía y oscurece aun más su paleta sonora para renovarse sin dejar de ser ellos mismos: ni rastro queda ya de los característicos scratches pero a cambio, en temas como “Machine Gun” o “We Carry On” Barrow conduce la rítmica a fronteras cercanas a lo industrial. L.J.M.

“69 Love Songs”

!!!

Funeral por una década

DEATH CAB FOR CUTIE “Transatlanticism”

“Funeral”

“Sound Of Silver”

“Kid A”

ARCADE FIRE

“Songs For The Deaf”

“Third”

SUPER FURRY ANIMALS

AT THE DRIVE-IN

THE RAPTURE

Sony BMG (2001)

Virgin (2000)

DFA/EMI (2003)

(POP) El mejor álbum de una banda que progresaba en su carrera en la sombra para convertirse en el mejor grupo de pop del mundo. Su quinta entrega deja atrás el rock psico-silvestre de sus inicios, el techno-rock excesivo o el rock en galés. Todo en uno y sin pisar senderos trillados. Ahí es nada. Luis González

(HARDCORE) “Relationship Of Command” es una descomunal combinación entre Fugazi, los fraseados de Zack De La Rocha y el trabajo de guitarras de Nation Of Ulysses, la más perfecta entre la comercialidad y lo alternativo, entre la experimentación y el clavar la quinta marcha de cero a tres segundos. J.S.L.

(ROCK) Uno de los discos más frescos, vitales, eclécticos, complejos y sin prejuicios de la década. En sus manos, rock y baile, electrónica y experimentación, oscuridad y luz, combinan con la maestría de los colores en las películas de Kurosawa, de la realidad y la ficción en las de Lynch. Una apuesta segurísima. J.S.L.

“Rings Around The World”

“Relationship Of Command”

“Echoes”

BRIGHT EYES

WEEZER

múm

SUFJAN STEVENS

GNARLS BARKLEY

Saddle Creek/Popstock! (2005)

Geffen/Universal (2001)

Fat Cat/Pias (2002)

Rough Trade/Popstock! (2005)

Warner (2006)

Sony/BMG (2000)

(AMERICANA) La confirmación de que estamos ante el nuevo gran autor de la canción norteamericana, mirando de reojo a Bob Dylan, Gram Parsons y Will Oldham, pero también al sonido más pop de The Cure e incluso a los mejores Pulp. Pop, sencillez folk y un deliberado acento country. Enrique Peñas

(ROCK) Concreción en lugar de dispersión, canciones cortas, un disco breve (diez canciones en el tiempo en que Cuomo podría escribir doscientas), un éxito en potencia tras otro, y por encima de todo la sensación de que Weezer han dado forma al disco más grande de indie rock de aquel año. J.S.L.

(ELECTRÓNICA) Con las once piezas de este disco (especialmente con “Don´t Be Afraid, You Hace Just Got Your Eyes Closed” o esa “The Land Between Solar Systems” los islandeses se han superado a sí mismos, firmando uno de esos trabajos que uno debe disfrutar en la soledad de su habitación. J.S.L.

(FOLK) Todo es posible de su mano: el folk se convierte en pop, el pop en country, el country en coros y trompetas y las trompetas en un vodevil de ojos llorosos y bocas abiertas en las que conviven Louis Armstrong, John Wayne Gacy, o el propio Sufjan convertido en un personaje más de su quijotesca saga musical. E.R.

(POP) El debut de Danger Mouse y Cee-Lo Green, viene a ser un muestrario mutante de hip hop, soul añejo, trip hop, sonidos blaxploitation y hasta de versiones imposibles, que funciona a las mil maravillas como un fresco musical posmoderno que encima no la hace ascos a las listas de éxitos. X.S.P.

(RAP) A la cuarta fue la vencida. Big Boi y Andre 3000 nos harían esperar un poco para ofrecernos su clásico “Hey Ya!”, pero los maestros del dirty south ya sorprendieron al planeta con la rotundidad de “Stankonia” y de esos dos grandes singles que son “Ms. Jackson” y “B.O.B.”. J.S.L.

“I’m Wide Awake, It’s Morning”

“Green Album”

“Finally We Are No One”

“Come On Feel The Illinoise”

“St. Elsewhere”

Outkast

“Stankonia”

FRANZ FERDINAND

WILCO

THE WHITE STRIPES

SIGUR RÓS

ANIMAL COLLECTIVE

PRIMAL SCREAM

Domino/Pias (2004)

Nonesuch/Warner (2004)

XL/Popstock!(2001)

FatCat/Pias (2000)

Domino/Pias (2009)

Creation/Sony (2000)

(POP) Franz Ferdinand son un producto de su época, es decir, un completo conglomerado de actitudes juveniles, ideas pasadas e influencias inmejorables que ha cristalizado en un disco sólido que convence, divierte y emociona gracias a las grandes canciones que contiene. Xavi Sánchez Pons

(AMERICANA) Jeff Tweedy ha conseguido desmarcarse de cualquier corriente en la que se haya querido meter a Wilco y erigirse como una de las voces más sabias de la América post-indie, dando forma a un discurso irónico, inteligente y maduro que le hace merecedor de nuestras reverencias. Don Disturbios

(ROCK) Rompen esquemas con una propuesta tan revisionista como interesante. Su garaje pop ejecutado sólo con guitarra y batería, no tiene en principio nada de nuevo. Los cortes van desgranando líneas melódicas absolutamente memorables que suenan a todo y a The White Stripes a la vez. Borja Duñó

(POP) Firmar un disco de las dimensiones de “Ágaetis Byrjun” debe premiarse con el máximo galardón. Majestuosos, brillantes, luminosos o sombríos, fríos o intensos, Sigur Rós han recogido lo mejor de si mismos para crear nueve alegatos a la libertad creativa. Joan S. Luna

(POP) Con “Strawberry Jam” (07) encontraron una vía para hacerse entender a un público más amplio. Ahora, dos años más tarde, no han perdido un ápice de genialidad y, puestos a imitarles, quién mejor que ellos. Más allá de cualquier convención, siguen sonando igual de excitantes que siempre. J.C.

(ROCK) Primal Scream volvieron para cargárselo todo con un disco combativo, inquietante y sobrado en grandes canciones sin apenas conexión entre ellas. Títulos y sonidos duros, agresividad, funk sudoroso y rock sucio, electrónica y psicodelia aplastante para romperse el cuello bailando. José M. Gallardo

“Franz Ferdinand”

Yankee Hotel Foxtrot

“White Blood Cells”

“Ágaetis Byrjun”

“Merriweather Post Pavilion”

“XTRMNTR”

MY MORNING JACKET

THE SHINS

M. Ward

M.I.A.

ANTONY & THE JOHNSONS

Sony BMG (2003)

Sub Pop/Houston Party (2003)

4AD/Popstock! (2006)

XL/Popstock! (2005)

Canadian/Popstock! (2005)

“Yoshimi Battles The Pink Robots” Warner (2002)

(ROCK) Un híbrido entre Neil Young y Flaming Lips con unas gotas del dream pop de los últimos Mercury Rev y de la intensidad emocional de Sparklehorse, combinadas con el espíritu sureño de Allman Brothers. Una belleza semejante a “Ok Computer” pero desde lo más profundo de Estados Unidos. D.D.

(POP) The Shins han dejado de ser tímidos. Por eso ahora muestran su talento alzando un poco la voz y siendo más descarados, demostrando que se puede ser original y personal sin traicionar a los clásicos y que se puede experimentar creando grandes y accesibles canciones. X.S.P.

(FOLK) “Post-War” coloca a M. Ward en la primera línea de los folk singers actuales. Es su apuesta más pop y accesible, y el disco que mejores canciones presenta. Gran parte de ese salto de calidad es debido a una producción rica en arreglos y al haber grabado por primera vez con una banda el completo. X.S.P.

(POP) Grabado en un secuenciador casero, es una explosiva colección de ragga, electro, dancehall, rap, crunk sureño, esencias asiáticas, beats simplones y estructuras minimalistas, todo ello entregado con una actitud urgente de alquien que tiene mucho que contar. Tremendamente vital y adictivo. J.A.Valverde

(POP) Una obra con la que dejarse llevar a través de las emociones y los sentimientos, canciones que son una droga con la que sentirse vivo. Acostumbrados como estamos a utilizar los discos como kleenex, resulta gratificante vivir la experiencia de conocer al dedillo cada uno de sus suspiros y acordes. T.C.

(POP) Un disco enorme en el uso de las melodías, de las guitarras acústicas, de las baterías programadas y de cientos de detalles electrónicos. Tiran de la tradición condensada de forma magistral en once canciones que, escuchadas del tirón, nos descubren todos los ingredientes para dar forma a un álbum redondo. D.D.

“It Still Moves”

“Chutes Too Narrow”

INTERPOL

“Turn On The Bright Lights”

“Post-War”

ARCTIC MONKEYS

Emi (2002)

“Whatever People Say I Am, That’s...” Domino/Pias (2006)

(POP) Una obra homogénea a partir de conjugar las estructuras rítmicas y las líneas de bajo de Joy Division y The Chameleons con las guitarras de la no-wave americana. Arreglos frescos, teclados añejos que propician la solemnidad de “N.Y.C” o escarceos con la fórmula Strokes en “Say Hello To The Angels”. Jordi Jover

(ROCK) Un disco salpicado de hits directos y efectivos para la nueva generación en el que combinan –a su manera- la tradición británica de toda la vida (The Jam, The Kinks, Buzzcocks, The Yardbirds) con el rollo más moderno de Oasis o The Libertines. El principio de algo grande. J.S.L.

Justice

Ed Banger/Warner (2007)

“Good News For People Who Love Bad News” Epic (2004)

(ELECTRÓNICA) Signo de los tiempos, la new rave y la nueva electrónica para rockeros, energía, bombos atronadores y muchos homenajes a la música del pasado, desde Daft Punk a Goblin, Wendy Carlos, Cerrone o Devo. Justice fueron a por todas con un álbum de electrónica a piñón, y la clavaron. J.S.L.

(POP) No son un grupo cualquiera, es uno de esos que a fuerza de escucharles en casas de amigos se acaban haciendo un hueco en la tuya, que te acompañan en momentos buenos y en momentos malos y, sobre todo, son un grupo que no ha dejado de crecer disco a disco. Enrique Ramos

“I Am A Bird Now” Secretly

THE FLAMING LIPS

VAMPIRE WEEKEND

SYSTEM OF A DOWN

AMY WINEHOUSE

DEVENDRA BANHART

XL/Popstock! (2008)

American/Universal (2001)

Universal (2006)

XL/Popstock! (2004)

(POP) Son la receta perfecta para los que estén ya saturados de maximalismo épico y tengan ganas de algo sencillo y bello. Mantienen el frescor de sus melodías y esos detalles tomados del reggae y del afropop, más deudores de Paul Simon que de Talking Heads. haciendo de lo complicado algo simple. J.C.

(ROCK) Con la gran ayuda de Rick Rubin, System Of A Down traspasan más barreras. Composiciones rápidas, breves, otras más sofisticadas, chispas de hardcore bruto, guitarras que rinden tributo a los postulados de Anthrax de hará unos quince años o desarrollos cercanos a la locura instrumental de Primus. T.C.

(POP) El segundo disco de la británica es un triunfo absoluto por distintas razones: la fresquísima reivindicación a cargo de Mark Ronson del espíritu de los girl groups, el universo canallesco de las letras de la Winehouse y, claro, por clásicos instantáneos como “Rehab” o “Back To Black”. X.S.P.

(FOLK) “Rejoicing In The Hands” confirma a Banhart como uno de los folk singers más destacados del nuevo milenio. Con apenas veintidós años, muestra su personalidad, entre ecos de Syd Barret, el Marc Bolan más acústico y lisérgico y la inocencia del bueno de Daniel Johnston. X.S.P.

“Vampire Weekend”

“Toxicity”

MODEST MOUSE

“†”

“Arular”

“Back To Black”

“Rejoicing In The Hands”

KANYE WEST

TOOL

ELLIOTT SMITH

DAMIEN RICE

Mercury/Universal (2004)

Zomba (2002)

Dreamworks/Universal (2000)

14TH Floor/Dro (2003)

(RAP) Responsable de algunos grandes éxitos de Alicia Keys, Ludacris, Jay Z o Talib Kweli, West se saca de la manga un trabajo que nos descubre sus excelentes dotes como MC y que deviene un insuperable ejemplo de cómo deberían sonar los discos de rap mainstream. J.S.L.

(ROCK) De ser un grupo de culto, tan misterioso y enigmático como el retorcido metal que practican, han pasado a convertirse en un referente básico. Nadie sale decepcionado gracias a una hipnótica capacidad para mantenerte enganchado sin concesiones, con toda su energía brutal y desgarradora. D.D.

(POP) Elliott Smith huyó despavorido de la fama después del éxito de su anterior “XO”. Tímido, serio y eterno adolescente, Elliott Smith se siente mucho más cómodo en el underground de donde proviene. Sus canciones son demasiado frágiles y sutiles para soportar el éxito masivo. Borja Duñó

(POP) Impresionante debut el de este irlandés aún desconocido. Damien Rice va desgranando canción a canción una voz propia con aires de cabaret melancólico, gospel introspectivo, chanson francesa o épica operística, en un disco ambicioso y complejo como las sensaciones que provoca. B.D.

“The College Drop Out”

“Lateratus”

“Figure 8”

“O”

THE AVALANCHES

RUFUS WAINWRIGHT

CAT POWER

SUNNY DAY REAL ESTATE

YO LA TENGO

MOGWAI

XL/Popstock! (2001)

Dreamworks/Universal (2003)

Matador/Popstock! (2006)

Time Bomb/Sony BMG (2000)

Matador/Everlasting (2000)

Southpaw/Pias (2001)

(ELECTRÓNICA) ¿Qué tendrán ellos que no tengan otros desenfundadores de discos o usurpadores de lo original? Pues una apacidad arrolladora y un control y una técnica perfectos en mezclar estilos creando melodías perfectamente mezcladas a lo largo de los (sub)temas que delimitan los dígitos del reproductor. Sergi Costa

(POP) Hay que tenerlos bien puestos para atreverse y grabar una maravilla como “Want One”. Wainwright apuesta por una obra arriesgada, con una producción preciosista y barroca que no todos comprenderán. Uno de los álbumes más emocionantes y personales de los últimos años. X.S.P.

(POP) Combina las nuevas posibilidades expresivas con su discurso melódico habitual: es escuchar el inicial “The Greatest”, “The Moon” o la sublime “Where Is My Love” -en el que solloza sobre el piano mientras un crescendo de cuerdas la eleva a los cielos- y reconocer que la muy bruja… volvió a hacerlo. L.J.M.

(ROCK) Crecieron disco a disco, ampliando su capacidad de seducción, fundiendo sentimientos con canciones, haciéndonos olvidar de dónde partieron, tomando nuevas referencias y deglutiendo las de siempre, descubriéndonos hasta dónde podía llegar su capacidad de atraparnos. J.S.L.

(POP) Todavía más atmosférico, hipnótico e intimista que sus predecesores, este disco se perfiló como acompañante favorito en esas duermevelas no solicitadas que terminan siendo apasionantes y adictivas. Detallista, denso y altamente recomendable. César Luquero

(POST-ROCK) Quizás estemos ante el trabajo más accesible (también más variado e inabarcable) de los de Glasgow. Y breve, por tanto dos veces bueno. Aquí Mogwai no juegan con el volumen, esto no es “Young Team”, pero tanto da porque “Rock Action”, como aquel, es francamente una bomba. J.S.L.

“Since I Left You”

“Want One”

“The Greatest”

“The Rising Tide”

“And Then Nothing Turned...”

“Rock Action”

a l e d r o j e m o Lcada nacionales dé

LOS PLANETAS

SÓLO LOS SOLO

ASTRUD

RCA (2000)

Del Palo/K Industria (2005)

Chewaka/Virgin (2001)

(RAP) El tercer disco de Sólo Los Solo devolvió al grupo al sonido más street y contundente de su discurso. Después de los experimentos y el barroquismo de “Quimera”, Juan Solo y Griffi enfocaron su regreso como un ejercicio de libertad e inmediatez y la clavaron. David Broc

(POP) En su segundo disco Astrud entregaron un álbum con más músicos ´de verdad´, más optimista, convencido en las formas y más redondo en el fondo que el anterior. ¡Vaya! que se consolidaron como el grupo intransferible, inimitable y diletante que son ahora. Lluis Gonzalez

“Unidad De Desplazamiento” (POP) Cuarto disco del grupo que se ha convertido, sin duda alguna, en el más importante del indie nacional y en el que además se muestran tal y cómo son y siempre han sido: sin pretensiones aunque también más directos y personales tanto en textos como musicalmente. David Lisière

“Todo el mundo lo sabe”

Buena Suerte / Pias (2006) (ROCK) No hay fisuras, es un trabajo mimado que pasa por momentos colosales y es que Standstill no son ya clasificables, están por encima de esta y de cualquier otra crítica. Mientras el Universo roncaba, ellos conspiraban para hacer un disco que ya ha hecho historia. Rafa Angulo

Joe Crepúsculo

MANTA RAY

Sony (2005)

Producciones Doradas (2005)

Acuarela (2003)

(POP) En “Shell Kids” habían depositado muchas expectativas que no acabaron de cumplirse. Se pasaron al castellano para, lejos de perder algo en el camino, ganar adeptos a su causa gracias a unas letras que eran más de lo que aparentaban y su infalibilidad melódica. Don Disturbios

(POP) Depura la fórmula de ese pop autista, casi de otro mundo, que tan bien sabe fabricar, para hacerla más cálida y, de paso, vuelve a apostar por el poder de los teclados y de las cajas de ritmos (la sombra de Hidrogenesse es alargada) con el gancho de una lírica brillante. X.S.P.

“Supercrepus”

Viva la guerra (de las listas)

CARROTS

M-CLAN

Grabaciones en el mar (2001)

“Memorias de un espantapájaros” DRO (2008)

(POP) Sin dejar la psicodelia marginada del todo, los catalanes realizan un segundo disco repleto de flamantes “teenage symphonies to God”, que diría Brian Wilson, es decir lleno de odas a la Arcadia Pop que fue la California sesentera. Pedro Blasco

(ROCK) Esta lista estaría incompleta sin un disco de rock clásico emparentado con el blues, el soul y el folk. Y en ese estilo éste es el álbum. Brutalmente real y honesto hay una total ausencia de artificio lírico y musical, con un sonido claro, meridiano, cristalino y bello. D. D.

“Sunshine”

TOTE KING

B-Core (2006)

Yo Gano (2004)

(ROCK) Melodías contagiosas, hábiles y con un crepitar de lo más arrebatador conforman unas canciones que sobrepasan cualquier etiqueta y que se hayan apuntaladas por una base rítmica de una solidez desbordante que además juega siempre a favor del tema. Redondo. D.D.

(ROCK) Un trabajo redondo, no sólo por cómo suena, mucho más brutal y efectivo que sus anteriores trabajos, sino porque las canciones son mucho mejores, y guardan un claro nexo de unión entre sí. Aunque te quedas con la sensación de que lo mejor está por venir. Xabier Doncel

(RAP) Debut en solitario del sevillano y a la postre un auténtico vendaval lírico de primer orden que sirve para entronizarle de forma definitiva en el olimpo estatal, gracias a hacer de sus obsesiones, inseguridades y vivencias terrenales la mejor arma expresiva de su discurso. D.B.

HIDROGENESSE

“Música Para Enfermos”

“Into The Plateau”

EL HOMBRE BURBUJA

“Animalitos”

Austrohúngaro (2007)

“La paz está en las matemáticas” Everlasting (2002)

(POP) Este es el disco que llevaban años soñando hacer Genís Segarra (Astrud) y Carlos Ballesteros. El que mejor resume las filias del dúo que apuesta por combinar elementos a priori lejanos entre sí, en este caso, la colisión entre el glam de Gary Glitter y la obra de Klaus Dinger (Neu!). X.S.P.

(ROCK) El tercer disco de EHB es portador de un virus llamado emoción en temas como “Trece”, “Sobras”, “Solo una parte” o “Pingüinos y Koalas”, donde la descarga emocional alcanza uno de los puntos más intensos e íntimos de la producción musical de los últimos tiempos. R.A.

ATOM RHUMBA

QUIQUE GONZÁLEZ

Pias (2008)

Munster

Varsovia

(ROCK) Deviene uno de los más claros ejemplos de obra para combatir en el mercado internacional desde la igualdad que recordemos en los últimos años. Buscan al público de Interpol, Editors o incluso The Killers, en un trabajo en el que no falla ni una sola de las piezas J.S.L.

(ROCK) Atom Rhumba ya olisqueaban el punk funk hace años y al final todos aquellos desvaríos en sintonía con Pussy Galore, The Gories, The Scientists y Los Bichos se han convertido en una batidora rítmica más robusta que nunca. Para contorsionarse y para arrastrarse sin complejos. Eduardo Ponte

“Backbone Ritmo”

LA BUENA VIDA “Hallelujah!” Siesta (2001) (POP) En este disco los donostiarras saben esquivar el tedio echando toda la inspiración en el asador, con la certeza de que acomodarse es ceder. Por eso este álbum suena y sabe tan bien, porque después de tantos logros lo vuelven a conseguir de largo. Oscar Broc

CATPEOPLE

“What´s The Time Mr. Wolf?”

(ROCK) Hicieron tabla rasa con un cambio de registro considerable en el que los presupuestos éticos y estéticos del cuarteto se endurecen notablemente, trasluciendo en cada surco la incomodidad de vivir en un Occidente que cada día se desmorona un poco más. Enrique Peñas

DELOREAN

“Estratexa”

THE UNFINISHED SYMPATHY “An Investment In Logistics” B-Core (2003)

o sabemos. No todo el mundo estará de acuerdo, pero sí serán muchos los que se sentirán emocionalmente apegados a nuestro mejor disco de la década que dejamos atrás. “Viva la guerra” de Standstill no es un disco generacional, no es una obra que haya marcado a la juventud que acomoda sus tejanos un palmo por debajo de la cintura, no es un trabajo que se coree en los supermercados, pero sí es una cosa: una obra maestra compleja y atemporal que no está al alcance de cualquiera. Así pensamos, y así lo reflejamos en esta lista en la que no están todos los que son, pero sí… ya saben. La lucha ha sido complicada y ahí estaban Los Planetas quemando rueda por encaramarse a la primera posición. Pero no nos lamentemos por las posiciones, lamentémonos por el hecho de que Sólo Los Solo ya no están entre nosotros para continuar demostrándonos lo grandes que eran juntos. En sus manos está mantener la leyenda aún por separado. Es cierto que, por detrás, nos encontramos con cuarenta y siete posiciones más, todas variadas y merecidas, de una diversidad estilística (esta década sí) pasmosa y sorprendente, pero siempre THE SUNDAY DRIVERS con un nexo de unión que, desde ya, no desligaremos “Little Heart Attacks” de la música facturada por debajo de los Pirineos: la Mushroom Pillow (2004) calidad y solidez de las propuestas. Rap, electrónica, (POP) Segundo primer disco de rock bailable, canción de autor, lo-fi, pop del de toda la banda de Toledo en el que dan la vida, rock duro, castellano, catalán, euskera… de lo un gran salto cualitativo gracias a bueno lo mejor. No ha sido fácil ponerse de acuerdo, sus melodías que rezuman pop clásico cargado de calidad, brillo pero tanto da. Mucho más complicado y complejo es y color que más allá de los Beatles crear grandes discos y lo de menos es es escribir sobre ven vida en Ocean Colour Scene, ellos. La magia está en escucharlos, en compartirlos y Kula Shaker o The Charlatans. en descubrírselos a quienes aún no los conozcan. Una Jose M. Gallardo década, un pasado, un presente y, por encima de todo, un futuro.n

SIDONIE

“Fascinado”

“Vivalaguerra”

“Gran Fuerza”

Standstill

“La noche americana” (ROCK) Demuestra que se mueve mucho mejor en el terreno del alt-country que en el del intimismo folk. Con las ideas más claras y con los sentimientos más escondidos, pero que no deja de ser emocionante y auténtico, algo que sólo consiguen los verdaderos románticos. Beatriz G. Aranda

FACTO DELAFÉ Y LAS FLORES AZULES “La luz de la mañana” Music Bus/Warner (2009) (POP) Con “La luz de la mañana” las dudas están despejadas. Facto Delafé son un grupo de pop. Pop brillante, pop luminoso, pop optimista, pop melancólico, pop enamoradizo, pop sincero y muy ambicioso al tiempo, pop abierto de miras, pop que no pretende engañar a nadie. J.S.L.

OJOS DE BRUJO

LOVE OF LESBIAN

LORI MEYERS

NACHO VEGAS

SR. CHINARRO

LA MALA

La Fábrica de colores (2002)

Naïve (2005)

Universal (2008)

Limbo Starr (2001)

El Ejército Rojo/RCA (2005)

Superego/Yo Gano/Universal (2000)

(MESTIZAJE) Hay discos que van más allá de lo impreso en sus surcos y este es uno de ellos. Nada volverá a ser igual y en “Bari” los Ojos dieron con la piedra filosofal de un sonido harto imitado, al aunar una tradición de siglos con la más moderna de las fusiones. D.D.

(POP) Tras un disco excelente como “Ungravity” tocaba repartir hostias a mansalva, para ello la banda catalana se pasan al castellano y entrega una apología del desamor con un histriónico discurso sideral de considerable pegada. Simplemente un disco arrebatador. Octavio Botana

(POP) Han crecido puliendo aristas imperfectas de temas que no acababan de estar del todo perfilados, pero ya no. Con este adquieren un estilo propio, con unas armonías vocales de infarto, unos arreglos tan bellos como efectivos y unas acústicas que suenan a gloria. D.D.

(CANCION) Aunque sólo fuera por tener ese clásico ya inmortal del indie patrio que es “El Ángel Simón” este debut mereceria estar en cualquier lista que se precie. Pero el resto tampoco desmerece con Nick Drake, Townes Van Zandt y Dylan en el punto de mira. Grande. Marcos Arenas

(POP) Este disco supuso una gran noticia para el pop en castellano gracias a una colección de canciones orgullosas como “Dos besugos” e impactantes cual “El Rayo Verde”. Un mapa del universo del sevillano de contenido y acabado espectaculares. Fernando Campelo

(RAP) Suena diferente, nuevo, ingenioso, único. Se percibe una frescura en sus canciones, en cada uno de sus vértices, impropia de una actualidad musical, aquí y fuera, que nos niega sistemáticamente la inspiración, el toque de genio. Doble mérito de un disco sensacional. D.B.

“Barí”

“Maniobras de escapismo”

“Cronolánea”

“Actos inexplicables”

“Lujo Ibérico”

“El fuego amigo”

VIOLADORES DEL VERSO

ANTÒNIA FONT

El Guincho

El Columpio Asesino

LA BIEN QUERIDA

Rap Solo/Boa (2006)

Blau/Discmedi (2006)

Discoteca Océano/Junk (2007)

Astro/Pias (2008)

Elefant (2009)

vamos” La Fáb. de Colores (2005)

(POP) Frente al conceptual “Taxi” este es un disco de pop convencional: diez canciones, más un prólogo y un epílogo. No hay narración lineal y sí postales sueltas de la historia de una relación cualquiera, convertidas en algo a ratos mágico y casi siempre fantástico. J.C.

(POP) Se mueve por ritmos canarios, tropicales y africanos, y lo hace de la suave mano del pop y de una amable electrónica en lo que se me antoja un delicioso cocktail con ingredientes perfectamente medidos y escogidos. No era de extrañar que calara en el “guiri”. R.A.

(ROCK) Habrá quién prefiera el tremendo “De mi sangre a tus cuchillas”, pero es con este disco con el que, los de Iruña, revolucionan el corral. Más provocadores, menos sucios aunque igual de tensos y una mayor vocación electrónica son las claves de este gran disco. Rafa Angulo

(POP) Este es un trabajo que recorre con una gracia especial, única, y con un gusto por el detalle preciosista la historia del pop español más sensible, conmovedor y cercano. Ese que habla de las relaciones amorosas sin vergüenza, de forma lúcida, directa y sincera. X.S.P.

(MESTIZAJE) Trece vigorosas canciones que reflejan parte del potencial que este chico lleva dentro, resumiendo en pocos minutos sus muchos años de carrera. Muchachito es un showman de increíble desparpajo capaz de combinar a Jonathan Richman con Kiko Veneno. Miguel Amorós

“Vivir para contarlo”

(RAP) Los hachazos se combinan con melodía, sobrio, seco, liso, sin excesos, sin manidas fórmulas que les dejen entrar en radios de plástico a base de vender su alma. Su alma ya la vendieron, al rap, y la cambiaron por una inmortalidad que se han ganado a pulso y defienden como jabatos. R.A.

“La Gallina”

“Alegranza”

“Batiscafo Katiuscas”

BERRI TXARRAK

NOSOTRÄSH

Elefant (2007)

Nacer. Música. Morir (2005)

Elefant (2002)

“Els millors professors europeus” Discmedi (2008)

(POP) El auto de fe de Guille Milkyway vuelve a mirarse en la obra de la ELO, Wizzard y ABBA, máximos adalides del pop más pasado de vueltas, extremo y sin manías, para presentar un álbum de altura, en el que el estado de euforia más hortera se da la mano con las tristeza más absoluta. X.S.P.

(HARDCORE) Tras una década incansable, su primer trabajo como trío, provoca un álbum más melódico y tranquilo que nunca y además jalonado por experiencias como el mes que pasan en tierras mexicanas y nicaragüenses que sin duda marca el contenido de este gran álbum Nacho P. L.

(POP) El tercer álbum de las de Gijón las confirmó por la puerta grande gracias a nada menos que veintiún perlitas de pop elegante y sincero, repletas de una sagaz ironía en el tratamiento de estados como tristeza, melancolía, pero también optimismo en dosis pequeñas. M.A.

(FOLK) Háganse un favor y, aunque no sean catalanes, no se preocupen por el hecho de que canten en una lengua que les pueda parecer extraña. Este disco merece cualquier esfuerzo porque es un disco precioso, riquísimo musicalmente, poéticamente cotidiano y muy sensible. J.S.L.

“La revolución sexual”

“Jaio. Musika. Hil”

Manel

“Popemas”

Vetusta Morla

The New Raemon

“T.A.B.” Mushroom Pilow (2007)

Pequeño Salto Mortal (2008)

Cydonnia / B-Core (2008)

“Izkiriaturik aurkitu ditudan gurak” Metak (2005)

(ROCK) Emparentados con El Columpio Asesino, Surfin’ Bichos, Pixies, The Jesus & Mary Chain o Stereolab, TAB han sabido mezclar la hipnosis sonora, la distorsión y unas letras de lo más inquietantes, lo que ha desembocado en una feroz declaración de intenciones. R.A.

(POP) Sus doce temas son el resumen de nueve años de trayectoria y lo bueno de esperar tanto a grabar es que el porcentaje de canciones con gancho es muy alto (casi hacen pleno). Tras el inusitado éxito, lo que más curiosidad produce es ver qué harán a partir de ahora. P. Muñoz

(POP) Parapetado tras su acústica y su suave registro vocal, Ramón Rodríguez resume pedazos de pura vida (amores, desamores, decepciones, amistad, paternidad...) en unas canciones que, con la sinceridad que destilan, haces tuyas y descubres cuánto tenemos en común las personas. J.S.L.

(ROCK) Disco intenso, hermoso y con actitud. Las canciones cuentan con elementos nuevos, en los que están presentes el punto de vista personal de cada colaborador (Experience, Manta Ray, Anari...) y el concepto “sangrante” del deseo que recorre el álbum de arriba abajo. Gotzon Uribe

“A propósito de Garfunkel”

LISABÖ

MANOS DE TOPO

AINA

Colazione / Strange Ones (2007)

B-Core (2001)

“Ortopedias Bonitas” (POP) A la manera de cantar de Miguel Ángel (parece Coco de “Barrio Sésamo” imitando a Robert Smith) hay que darle tiempo, pero si sucumbes te encontrarás con unas canciones repletas de libertad, humor y corazón. Un disco humilde, pero extraordinario en matices. Marc Balfagón

Triángulo de amor bizarro

“Un día en el mundo”

LA CASA AZUL

MUCHACHITO BOMBO INFIERNO “Vamos que nos

“Romancero”

“Bipartite” (ROCK) Tercer y a la postre disco póstumo de los barceloneses que con J. Robbins, (de nuevo con Jawbox) en los controles, consiguen un sonido más fresco y directo con unas guitarras rítmicas que parecen grabadas por Malcolm Young. Cuanto los echamos de menos. Borja Duñó

MUS

DORIAN

Acuarela (2002)

Intromúsica / Pias

(POP) Tras cuatro Ep’s editan un largo que disipa todas las dudas. Se les había metido en el saco del trip hop y ahora no hay posibilidad para el etiquetado, sólo referencias que tienen más que ver con lo local (Viva Las Vegas, Diariu) que con cualquier escena internacional. L.J.M.

(POP) Combinan con sutileza su original esencia pop con una carga electrónica que les sienta más que bien y que ha ganado en protagonismo. Nunca antes habían sonado tan consistentes y tan redondos en conjunto. Suenan comercial sin que nada suene superfluo o impostado. J.S.L.

“El Naval”

“La ciudad subterránea”

HELLO CUCA

MACACO

BEEF

HALF FOOT OUTSIDE

BIGOTT

AEROBITCH

Rompepistas (2004)

Emi/Mundozurdo (2006)

Elefant (2002)

Limbo Starr (2008)

Grabaciones en el Mar (2009)

People Like You (2000)

(POP) Cerca del brillante binomio del DIY yanqui, el formado por los sellos Kill Rock Stars y K, de la música surf más desmelenada y de grupos como Astrud, Los Fresones Rebeldes y TCR, Hello Cuca son uno de esos grupos seminales de valor incalculable. X.S.P.

(MESTIZAJE) Con la máxima “menos es más” como brújula, este disco suena directo como una bala, sin artificios o arreglos exagerados que enturbien el resultado. Todo se ha pensado en favor de la canción y estas se estructuran de forma clásica, como cualquier gema pop que se precie. D.D.

(POP) Tres cuartos de hora de gélida, hiriente y conciliadora belleza en forma de... canciones, porque éste es de largo el trabajo más accesible de los catalanes. Una banda con personalidad que ha aprendido, o quizás supo hacerlo desde el principio, a reírse de sí misma. L.G.

(ROCK) Los que nunca hicieron ni puñetero caso a esta banda, ahora tienen la oportunidad de redimirsem porque los más fans ya hace un año que disfrutan con el trabajo definitivo de los de Iruña. Más elegante y bello con Posies, Teenage Fan Club y Superchunk en el punto de mira. R. A.

(FOLK) Voz profunda y dotada de matices, instrumentación de querencia americana que lo situaría en algún punto entre el anti-folk de Devendra Banhart, la capacidad para pervertir la esencia de la música de raíces de Sparklehorse y la Velvet Underground más comatosa D.D.

(PUNK) La principal virtud del tercer trabajo de los madrileños es aparcar a un lado la rapidez para ganar en contundencia y suciedad hasta tal punto que a día de hoy, pocos discos de su estilo se pueden igualarse a este. Tras la marcha de Laura el grupos se convirtió en Muletrain. M.A.

“Gran Sur”

“Ingravitto”

“La Boheme”

“Heavenly”

“Fin”

“Steamrollin”

Green Day Foto Juan Pérez Fagardo

Paco Loco Foto Miguel Paez

(MondoSonoro · Noviembre 2009 /33/ CONCIERTOS)

Monkey Week Lugar El Puerto de Santa María Fecha 9, 10, 11 y 12-10-09 Estilo diversos Público según actuaciones Promotor MW/Freek! Resulta complicado resumir lo que suposo el Monkey Week. El motivo está en que, por encima de los conciertos, el evento funcionó bien como lugar de reunión y debate entre los profesionales de los distintos terrenos de nuestra industrial musical (promotores, discográficas, artistas, medios de comunicación, editores, etcétera). Teniendo en cuenta que eso a la mayor parte de los lectores les importa poco, muy poco o nada, resumiremos en unas líneas lo que ofreció en lo artístico. Si nos ceñimos a lo que fueron los conciertos, hubo logros y fracasos. El logro principal fue programar una larga lista de showcases de artistas muy diversos en distintos bares, establecimientos y plazas de la localidad andaluza, lo cual permitió a mucha gente disfrutar de forma totalmente gratuita de conciertos. El problema era que esas actuaciones coincidiesen con los múltiples debates, que impidieron a los mismos profesionales asistir a la mayoría de conciertos. El fracaso fueron los conciertos nocturnos, programados en dos recintos distintos (el interior del Monasterio de la Victoria y Puerto Sherry), que no congregaron a tanto público como era de imaginar. Por lo que respecta a los showcases, hubo en general buenas palabras para los shows de Marina Gallardo, Hyperpotamus, Gentle Music Men, la tarde de Balearic Sounds (The Marzipan Man, Petit, The Magnetic Band y Marcel Cranc), Mcenroe y Dinero. De entre los que un servidor pudo ver, que como antes comentaba no podían ser muchos, cabe destacar la cada vez más sólida propuesta de los andaluces Pony Bravo, inquietos y capaces de aunar en una misma fórmula el rock andaluz de los setenta, la lisergia de The Doors y la musculación rítmica del kraut rock. Elastic Band se hicieron querer, pero no cabe duda de que se les fue bastante la mano con la puesta en escena, rockera hasta lo indecible y demasiado forzada para una música con los amplios matices de la suya. Por lo que respecta a Manos de Topo y The New Raemon, tan acertados como siempre y capaces de demostrar que cada vez se les quiere más fuera de Cataluña. La primera de las noches de festival contó con Tokyo Sex Destruction, quienes presentaban su mejor disco hasta la fecha demostrando que continúan siendo unos luchadores aunque hayan perdido la coartada coyuntural de sus inicios. La sorpresa fue descubrir la energía y la fuerza que mantienen pese a sus años de trayectoria los directos de Silver Apples y Wire, aun sin Bruce Gilbert en la formación. No contentos con haber sido dos artistas fundamentales para el devenir del rock y la electrónica, tanto Simeon Coxe como Colin Newman siguen empeñados en mantener su leyenda en la mejor de las formas posibles. A continuación, Paco Loco y sus muchachos ofrecieron diversión y desparpajo hasta el extremo de que sus bailarinas invitadas acabaron por el suelo en varias ocasiones. Ciertos problemas con el orden local obligó a que los portugueses Blasted Mechanism tuviesen que trasladar su actuación al domingo por la noche, perdiendo algo de protagonismo al tener que actuar a primera hora. De la segunda noche, nos quedamos con el directo familiar de Kitty, Daisy & Lewis. Su actuación fue fresca y muy efectiva, aunque sigo pensando que su imagen y su edad esté por encima de una propuesta que no está tan alejada de buena parte de ese rockabilly al que no se suele prestar atención en los medios. Aun así, se plantaron por delante de unos Heavy Trash que fueron víctimas de problemas de sonido desde el principio, algo que aturdió también al público. Antes que ellos, Howe Gelb primero y Josh Rouse después mostraron mucho oficio, aunque la nueva formación (con Refree como músico fundamental) que acompaña al firmante de “1972” parece llevarle por unos derroteros distintos a los que nos tenía acostumbrados. La noche del domingo tuvo a unos protagonistas, los vasco-argentinos Cápsula, con un directo guitarrero y vibrante que estuvo a la altura de cualquiera de los competidores foráneos. Frente a ellos, poco tenían que luchar Los Granadians del Espacio Exterior, cuya propuesta sale mejor parada en estudio que con un directo que uno no sabe si tomarse en serio o medio en guasa por su puesta en escena. Joan S. Luna

Green Day Sala Palacio de los Deportes (Madrid) Fecha 29-09-09 Estilo punk pop Público lleno Promotor Cap Cap A la generación que recuerda el cartel de Pennywise en Minuesa o el de NOFX en el Templo del Gato le costará un poco entender que Green Day llenen el Palacio de los Deportes en 2009. Pero así es, y así deberá constar en el capítulo de las visitas de los clásicos del punk rock americano a nuestras tierras. Da la impresión de que Billie Joe Armstrong recuerda la sala Revolver donde presentó aquel disco perfecto titulado “Dookie” hace más de quince años. Los músicos tienen muy buena memoria con las salas y las ciudades y él hizo un comentario que permite añadirle a la lista. Por aquel entonces, el sesenta por ciento del público que llenó el Palacio no había nacido o acababa de hacerlo. La generación de “American Idiot” ha disfrutado de otros Green Day, más líricos y hechos y compactos y compositores. Con más sonido y más grandes en directo, lógicamente. Apoyados por tres músicos y unos cuantos petardos, Green Day suben el volumen y se tiran más de dos horas sin parar gracias ante todo a la generosidad de un Armstrong que toca con la vitalidad y la ilusión del primer día y encima canta bien. Se mete a la pandilla en el bolsillo literalmente, y hasta les deja su micro y su guitarra. La clásica “Longview” permitió comprobar una vez más que el público sabe cantar, pero las personas solas no tanto. La cosa no resultó y tuvo que despedir a las afortunadas tal y como merecían, aunque más tarde sí encontró un buen guitarra rítmico. Con tantas gargantas entregadas, las canciones no fallaron. El último disco de Green Day es una gran excusa para montar estas fiestas, pero es un peñazo y su buen concierto lo confirmó. No han dado con la pegada instantánea de “American Idiot”, de la magníficamente interpretada “Boulevard Of Broken Dreams”. Sólo al final vistió bien la suave “21 Guns”, pero para entonces todo estaba dicho después de una sesión de bufonadas y de unas cuantas piezas memorables del pasado con “Basket Case” en el lugar (alto) que le corresponde. J. Martín

Mondo SonoroNoviembre

21/10/09

19:17

Página 1

Nacho Vegas

Christina Rosenvinge Fotos Alfredo Arias

(MondoSonoro · Noviembre 2009 /35/ CONCIERTOS)

nruta POR Y PARA LA MÚSICA EN DIRECTO

UN PROGRAMA DE LA SOCIEDAD DE ARTISTAS INTÉRPRETES O EJECUTANTES, AIE.

CONCIERTOS NOVIEMBRE 2009 ASTURIAS,CANTABRIA, CASTILLA LEÓN, EUSKADI, GALICIA Y LA RIOJA Asturias

Galicia

Castilla león

Café Auriense (Ourense) 12/11 Guillamino

Savoy (Gijón) 28/11 El Vicio del Duende

Aturuxo, Bueu (Pontevedra) 1/11 Ai Ai Ai 13/11 At Versaris Cantabria 13/11 Guillamino Heaven (Santander) 15/11 No Reply 7/11 El Puchero del Hortelano 29/11 El vicio del Duende La Vaca, Ponferrada (León) 21/11 Cornelius 1960 La Oveja Negra, Segovia 14/11 Nino Galissa

Euskadi

La Rioja

Biribay (Logroño) 5/11 Nino Galissa

Navarra

Mark Eitzel

Akena (Bilbao) Noboo (Tudela) 6/11 El Puchero del Hortelano 13/11 Nino Galissa 20/11 Zenet 7/11 We are standard

ANDALUCIA Y CEUTA Malandar, Sevilla 11/11 Diego Carrasco 20/11 Chico Trujillo El Tren, Granada 10/11 No Reply 26/11 Cornelius Cortijo El Cartero, Véjer (Cádiz) 15/11 Cornelius 1960

Sala W (Cádiz) 12/11 Cornelius 1960 La Sala Café Club, Ceuta 13/11 Cornelius 1960 11/12 Coque Malla Café Odeón, San Fernando (Cádiz) 14/11 Cornelius 1960

ARAGÓN, BALEARES, CATALUÑA, MURCIA Y VALENCIA Aragón

Edén (Huesca) 30/10 Cornelius 1960 6/11 Nino Galissa 13/11 Ai Ai Ai La Casa del Loco (Zaragoza) 14/11 Coque Malla

I Know I’m Just A Singer-Songwriter (But I Like It) Sala Joy Eslava (Madrid) Fecha 13 y 13-10-09 Estilo canción de autor Público casi lleno Promotor I am an artist Con el que seguramente sea el nombre más largo dado nunca a un festival en nuestro país, se estrenaba un encuentro creado para celebrar la canción de autor. Porque cantautores los hay para todos los gustos. Tenemos al showman tipo Franz Nicolay, más conocido hasta ahora como teclista de The Hold Steady y que ha sorprendido recientemente con “Major General”, debut en solitario de aire cabaretero con canciones-historia como “Dead Sailors” o “Jeff Penalti Featuring Demander” con las que supo convencer. Tenemos al cantautor elegante y todo terreno, como demostró Mark Eitzel, que alternó algunos temas de su nuevo disco, “Klamath”, con otros anteriores y cautivó con una intensa versión del clásico de Billy Paul, “Me And Mrs. Jones”. Y por supuesto, está el cantautor por excelencia, el agudo y desgarrado, que tan bien personaliza Nacho Vegas y su “Manifiesto Desastre” cobran especial intensidad cuando se acompañan únicamente de la percusión de Manu Molina y la sabiduría (al piano y acordeón) de Abraham Boba. “Los cantautores son cada vez más importantes”, leemos, pero ¿acaso no lo han sido siempre?

Si el día anterior había sido el turno de ellos, les tocó a ellas defender la etiqueta de songwriter ante un público ligeramente más numeroso. Vestidas de riguroso blanco, desbordando timidez y sin más necesidad que la de sus guitarras fueron las estadounidenses Simone White y Victoria Williams las encargadas de comenzar la noche tras la introducción de “Spoon River”. La primera optó por una mayor comunicación con el público, con prólogos en castellano y la elección de algunas de sus canciones más conocidas como “The Beep Beep Song” o “Victoria Anne”; mientras que Williams, a pesar de su dilatada experiencia en los escenarios, no llegó a mostrarse del todo cómoda durante ningún momento de su brevísimo concierto, en el que a pesar de alguna excepción como “Crazy Mary” optó por un repertorio poco asequible para una audiencia ya escasamente predispuesta. Al igual que había pasado la noche anterior, la sala no comenzó a mostrar mayor respeto hasta la entrada de la representación patria de la noche. Christina Rosenvinge surgió, en claro contraste con las musas americanas, vestida de perfecto negro y su habitual carisma escénico. Acompañada

Sidecar (Barcelona) 13/11 Coque Malla Salamandra, Hospitalet (Barcelona) 20/11 El Vicio del Duende 27/11 Zenet Zero, Tarragona 12/11 Coque Malla

Teatro Arbolé (Zaragoza) 31/10 Guillamino 6/11 Diego Carrasco 28/11 Zenet

Murcia

Cataluña

Cto. Ovidi Montllor, Alcoy (Alicante) 14/11 Delên 27/11 Ai Ai Ai

Monasterio (Barcelona) 8/11 Delên

Gamma, Murcia 7/11 Cornelius 1960

Valencia

CASTILLA LA MANCHA, EXTREMADURA Y MADRID de guitarra, chelo y percusión, ofreció un concierto basado fundamentalmente en su último (y aplaudido) trabajo “Tu labio superior”, comenzando con “Nadie como tú”, finalizando con “Anoche-El puñal y la memoria” y cediendo espacio a algún rescate menos aplaudido pero interesante como “Liar To Love”. Pero aunque ayer era la noche de ellas, fue el único chico de la cita quien de verdad acaparó todas las atenciones. Josh Rouse llenó el escenario asistiéndose de guitarra, contrabajo y el piano de Raül Fernández (Refree). Consciente de la atención de un público bastante rebelde hasta ese momento, supo inteligentemente como mantenerla con un concierto divertido y emotivo a partes iguales, intercalando canciones de su último disco (que promete mantener el nivel a pesar del riesgo de algunos temas en castellano como “Valencia”) con clásicos como “Sweetie”, “Winter In The Hamptons” o “Quiet Town”. Rouse fue el triunfador absoluto de una noche creada precisamente para el disfrute de propuestas como la suya. Y también el único que se permitió un bis, solicitado y necesario, que bordó gracias a la coreada “Love Vibration”. Cristina V. Miranda

Castilla la Mancha

Madrid

Circulo de Arte (Toledo) 19/11 Chico Trujillo

Gruta 77, Madrid 7/12 El Vicio del Duende

Picaro (Toledo) 13/11 El Vicio Del Duende

Extremadura

Mercantil (Badajoz) 21/11 Chico Trujillo 28/11 Diego Carrasco

Clamores, Madrid 7/11 Diego Carrasco 18/11 Chico Trujillo

La Boca del Lobo, Madrid 6/11 Gatibu 21/11 Jesuly

El Rincón Arte Nuevo, Madrid 28/11 Delên Down, Cáceres 14/11 El Puchero del Hortelano El Corral de las Cigüeñas, Cáceres 13/11 Jesuly Esta información puede sufrir alguna alteracióndebido a la antelación con que es elaborada.

CON LA COLABORACIÓN DE:

GOVERN DE LES ILLES BALEARS Conselleria d’Educació i Cultura

UN PROGRAMA DE:

The Rakes Foto Iván Gimeno

Mpram

Wolf Eyes

Fuck Buttons Fotos Jorge Obón

( CONCIERTOS /36/ Noviembre 2009 · MondoSonoro)

Experimenta Club 2009 Sala La Casa Encendida (Madrid) Fecha 2, 3 y 4–10-09 Estilo electrónica y experimentación Público lleno Promotor Experimenta Empezar con la tremenda batería de Charles Hayward, pensar en Mogwai después de ver el concierto de Fuck Buttons y acabar con el sonido corrosivo y extremo de Wolf Eyes son tres razones para hablar de electrónica, experimentación y vanguardia, pero también de rock. Sólo así se puede acercar uno a lo que hizo Hayward (This Heat, Camberwell Now, Massacre) el viernes en el auditorio de La Casa Encendida: empezó con dos piezas al piano y luego, hasta casi completar una hora, dio una soberana lección de técnica a la batería, soltando bases y multiplicándose para dominar el sonido con una puesta en escena que no necesitó más para convencer. Un frenesí sin exhibicionismos estériles que se hizo merecedor del entregado aplauso del público. Tomó el relevo en el patio el gallego Carlos Suárez, cuyos paisajes quedaron demasiado dispersos, a la espera de un programa doble que no defraudó. Primero fue el turno de Zombie Zombie, con un entretenido set de retro-electrónica, combinando batería con sintetizadores analógicos: Etienne Jaumet (con camiseta de Spectrum para la ocasión) y Cosmic Neman en un mano a mano que derivó en electro desenfrenado y bailable, aunque también con un punto facilón (pasada media hora en realidad ya habían dado muestra de todos sus trucos). Más esperada aún era la presencia de Fuck Buttons, una de las sensaciones de las últimas temporadas, con “Street Horrrsing” (2008) como aval y el inminente “Tarot Sport” como confirmación de que lo suyo va muy en serio. Andrew Hung y Benjamín John Power empezaron arriba, muy arriba, y allí se quedaron. Una inmensa planicie, un desierto de sal casi a cuatro mil metros; a día de hoy, Fuck Buttons está convirtiéndose para la electrónica en lo que My Bloody Valentine fue (y es) para el rock: un muro enorme, el sonido total, como también hicieron Mogwai luego, confirmando que el post-rock tiene sentido, aunque sea en una vida bien distinta. Ritmos marciales, algún teclado que quedó demasiado perdido, un cierto toque tribal, un micrófono de juguete y voces distorsionadas, coqueteando con el noise sin ser noise. “Sweet Love For Planet Earth” o “Bright Tomorrow” fueron dos de las cimas de una actuación en la que no sobró absolutamente nada. La jornada del sábado tenía la primera gran cita

con Sergi Jordà y su reactable, un instrumento electrónico con fuerte componente visual. La pantalla que daba cuenta de los movimientos de los cubos para generar sonido tuvo algo de didáctico, aunque a fin de cuentas se quedara poco más que en eso; picoteó de varios estilos, pero de manera un tanto inconexa, sin hilvanar un discurso de fondo precisamente en una edición de Experimentaclub que se presentaba con el eje común de la electrónica como elemento narrativo. El siguiente protagonista, ya en el patio, fue Miguel A. García, que desplegó una atmósfera de ruido y silencios, tomando el relevo a la oscura sesión/baile de máscaras de Elena Cabrera, mientras en un rincón Machines Désirantes daban forma a los visuales en tiempo real. Siguiente gran cita: Pram. Aquí sí hubo guión, con el grupo casi en segundo término frente a las proyecciones (incluyendo un fragmento de “Carnaval en Rio”, que provocó más de una sonrisa entre el público, justo un día después de que la ciudad brasileña se impusiese a Madrid en la lucha por los Juegos Olímpicos). Dream pop, jazz y electrónica caminan de la mano, dentro de un transitar hipnótico roto por el theremin (en un contexto bien distinto al de Zombie Zombie un día antes) o el trombón, en ambos casos con Harry Dawes como protagonista. Una actuación, en definitiva, para dejarse llevar y encontrarse con pasajes de una belleza casi inédita. El domingo concentró lo mejor al principio y al final, mientras que por el medio se quedaron Mahmoud Refat y Derwinzige -con una sesión abrupta y nada condescendiente-; primero fue el minimalismo de Arbol (con la finlandesa Solu en la parte visual y un resultado notable), luego el ruido blanco de Pan. American (el ex Labradford Mark Nelson), entre el ambient y los microsonidos; y finalmente el ruido en toda su extensión con Wolf Eyes. Nate Young, John Olson y Mike Connelly abortaron de raíz cualquier posible tendencia al abotargamiento en una jornada habitualmente dada a la resaca: hicieron bueno el exceso, casi de manera impía, sin permitirse ni un solo momento de tregua y llevando al límite una octava edición de Experimentaclub que se cerró de la manera más rotunda posible. Enrique Peñas

Daisy Market Sala EXPOCoruña (A Coruña) Fecha 25 y 26-09-09 Estilo Electrónica e Indie Público 600 Promotor DM Un showroom de moda urbana y emergente fue el motivo principal de este Daisy Market que venía acompañado de conciertos en dos de sus días. Las actuaciones se celebraron entre la zona de mercado y el hall de entrada de ExpoCoruña. En el espacio camping/ festivalero montado al lado de los stands abrieron 6PM con una interpretación intensa cargada de efectos. Mientras se trasegaban las copas gratuitas y se iba cerrando la zona de muestras en forma de margarita el público se reunió en el hall para ver a Cora Novoa. La ourensana fue desplegando durante su sesión una potente imaginería sónica de factura berlinesa. Tras ella apareció Joe Crepúsculo, como dúo a lo Suicide (pero sin que él sea Alan Vega y sin Rev de acompañante, obviamente) comparación que hago porque la intención destructora de sus propios temas estaba ahí. Pero en ningún momento supo transmitir una emoción o algo que generara empatía con su música. Tras el trovador tecno se subió al escenario Cobblestone Jazz. Con problemas en el directo al principio ofrecieron un house tecnificado de bucles in crescendo. La improvisación jazz del terceto canadiense, liderado por Matthew Johnson,

se centraba en impromptus que no acababan de cuajar dejando una sensación de vacío. Al día siguiente la feria madrugó ofreciendo pases del dúo nórdico Lo-fi-fnk, Lidia Damunt y Extraperlo con su tropicalismo fresco que recuerda a Golpes Bajos bajo el sol, en la zona de stands. En el escenario grande La Bien Querida, acompañada por una banda capitaneada por David Rodríguez, no quitó la sensación de que el hype está servido y que en concierto no superó la sensación de desgana por muy arropada que esté por buenos músicos. Más entregados The Wave Pictures ofrecieron calidad, con solos de guitarra limpios y algo tan simple como buenos temas y ganas de gustar. Rock inglés a secas. The Rakes son una de esas bandas del mogollón que han salido al rebufo de la nueva ola post-punk británica. Subieron el volumen y sonaron arrolladores, con la compulsa pose de su frontman al borde del escenario... pero a esas alturas de la noche la borrachera ya no dejaba distinguir la diferencia entre referencia y copia. Un cartel completo y variado el ofrecido por este Daisy Market. José Abelairas

CatPeople

Bigott

Rufus Wainwright

Los Planetas

Mogwai Fotos Colectivo Anguila

( CONCIERTOS /38/ Noviembre 2009 · MondoSonoro)

FIZ 09 Sala Multiusos del Auditorio (Zaragoza) Fecha 09 y 10/10/09 Estilo varios Público 8.500 personas aprox. Promotor MPH/Producciones Animadas

La novena edición del Festival Independiente de Zaragoza salió reforzada como necesario reducto a las multitudinarias Fiestas del Pilar, tras apostar este año por los dos días de duración incluyendo así más nombres que nunca en su nómina de artistas. El público respondió al estímulo, sobre todo en una primera jornada que aseguraba contundencia y agitación. Lo dejaron claro los locales Visión Túnel, inaugurando el escenario principal con su reivindicativa actuación, para dar paso a los toledanos The Sunday Drivers, quienes, compaginando temas de su último trabajo con clásicos del repertorio, ofrecieron su habitual actuación, tan plagada de grandes canciones de precisión inapelable como algo carente de riesgo. Por su parte, los escoceses Mogwai eran la banda más esperada del festival y demostraron sobradamente los motivos, firmando la que a la postre se impuso como mejor actuación del evento y de paso uno de los conciertos del año en estas tierras. Su post-rock monstruoso hizo temblar al público durante cada segundo que estuvieron sobre las tablas, con un volumen que daba tanto miedo como lo continúa dando esa barbaridad titulada “Mogwai Fear Satan”. Los

Planetas era la otra formación especialmente apetecida en la capital maña. Y podrían haber competido por el triunfo, pero los granadinos se empañaron en obviar sus primeros temas empecinados con su último trabajo, cuando lo que claramente requería la ocasión era una retahíla de éxitos sin paliativos. Aunque hubo quien abandonó el recinto tras la actuación de J y compañía, Love Of Lesbian salieron directos a ganarse al público, y lo lograron sobre todo entre las animosas primeras filas, pobladas por los más jóvenes y entregados seguidores de los catalanes. Homeboy DJ finalizó la velada con un generoso número de reconocibles canciones enlazadas sin descanso. Una segunda jornada resentida sensiblemente en cuanto a asistencia, se presentaba plagada de marcadas personalidades, comenzando por el local Borja Laudo y su personaje Bigott. El músico sacó valioso partido de un escenario mayor al que acostumbra a frecuentar, en formato de trío y presentando las valiosas composiciones de su tercer disco “Fin”. Desgraciadamente, el desenlace de las actuaciones de Fran Nicolay y Mark Eitzel sin sus respectivas bandas, The Hold Steady y American Music Club, estaba

cantado. Ni la cabaretera, barroca y original propuesta del primero, ni la elegante presencia física y vocal del segundo -acompañado de pianista- consiguieron captar la atención merecida por parte del público, y el murmullo fue acrecentándose hasta que Eitzel abandonó el escenario antes de la hora prevista con un abrupto agradecimiento como excusa. Mucho mejor afrontó la situación Rufus Wainwright en uno de sus habituales conciertos en solitario, acompañado de guitarra y sobre todo piano. Centrándose en sus canciones y con la voz como principal valedor y aislante de los menos interesados, ofreció una bella actuación que, por momentos, se tornó en emotividad pura como durante “Poses” o el “Hallelujah” de Cohen, a pesar del típico pañuelo de las fiestas anudado en su cuello. Lourdes Hernández regresaba una vez más a la ciudad con su proyecto Russian Red, justo antes de tomarse un merecido (y agradecido) descanso de los escenarios. Acompañada de banda al completo, no faltaron algunos clásicos de su repertorio, aunque se celebró la presencia de varios temas nuevos evitando así una saturación que comenzaba a empañar peli-

grosamente sus valiosas composiciones. Los sonidos ochenteros de los gallegos afincados en Barcelona CatPeople eran la nota discordante de la velada, lo que se disfrutó ya bien entrada la madrugada. Unas canciones tan bien construidas como escasas en originalidad convencieron con facilidad a un público que ya ansiaba desentumecer los músculos. El impactante final con “Mexican Life” y “Radio” abrió el camino para que el ex Sencillos Miqui Puig alargara la fiesta de los más valientes, echando de paso el cierre del escenario principal hasta el año que viene. Mencionar también las sesiones que tuvieron lugar durante ambos días en el escenario FIZ Club y que, paralelamente al principal, también dejó buenos momentos. Tal es el caso de los Tachenko pinchando a Bon Jovi, el barcelonés Gonzo tirando de Joy Division para disfrute del gentío, los habituales Hang The DJ, CIS, o el también local Chelis dándole al baile funk y al bassline house ante la incredulidad de algún perdido en la parte superior de la Multiusos. Sin duda un buen complemento a la programación del FIZ más arriesgado y triunfante celebrado hasta la fecha. Raúl Julián

escaparate

Che Sudaka

Naive New Beaters Foto Archivo

Que si nuevos-nuevos románticos, que si hype de bajo perfil… pocas de esas cosas están tan claras como que el debut de los británicos Official Secrets Act es uno de los grandes discos tapados del año. “Hemos comprendido la electricidad que hay entre nosotros cuatro. Da miedo, es mortal, no tiene precio y sólo se consigue en nuestras tiendas especializadas. Aun cuando estás lejos de nuestra música, una parte de nuestro artwork o alguna melodía aparece como en un sueño y te trae de nuevo a nosotros. Somos auténticos, independientes y nos desayunamos a The Kooks (ndr: nótese el juego de palabras con cookies)”. ¿Qué esperaban? Es la actitud que mejor le cuadra a su música; más kamikazes en el país con la fuerza aérea más pulcra del mundo. “The Kinks, The Clash, Specials, Blur… son naturales para nosotros y es un linaje fantástico que trataremos de continuar de la mejor manera posible. El hype es lo peor que hay, cualquier cosa que hagamos está dirigida a ser todo lo contrario, somos como un día de invierno en medio del verano”. Pero, tras este agresivo autobombo, ¿qué más esconden Oficial Secrets Act en sus temas y en directo? “Vamos a hacer lo que nos guste. Si es un tema pegadizo de dos minutos, bien, si no, mejor. No nos preocupamos por eso, sólo lo escribimos y después lo tocamos. La gratificación instantánea de muchas bandas te deja después vacío, nosotros queremos crear capas y texturas de las que puedas hablar durante años. Demasiados grupos tienen hechas estrategias ya trazadas. La nuestra es la de ser increíbles. Y en directo somos un monstruo que escupe fuego, que rockea y baila”.■ Nacho P.L.

Naive New Beaters Vienen de: Francia Publican: “Wallace” (Wagram, 09) En la onda de: Datarock, Yelle, Stuck In The Sound

Official Secrets Act Foto Archivo

Official Secrets Act Vienen de: Leeds (Reino Unido) Publican: “Understanding Electricity” (One Little Indian/Popstock, 09) En la onda de: David Bowie, Duran Duran, The Divine Comedy

bares o en festivales”. Quién contesta a mi cuestionario es Kachafaz (voz), el único superviviente junto a Leo (voz y guitarra) de aquel bullicioso colectivo que entrevisté hace unos siete años. Ahora presentan “Tudo É Possible”, un disco que destaca por su vitalidad y optimismo. “Es muy importante que la gente se entere de lo que está pasando en el mundo, pero también es muy importante que no se deje de lado la alegría, la vitalidad, el optimismo, el respeto y el amor”. También me resulta su álbum más variado y atrevido. “Es cierto, hicimos cosas que hasta el momento no habíamos hecho, como explorar un poco

Naive New Beaters se presentan a si mismos de forma textual: “David Boring, cantante americano; Martin Luther BB King, héroe sexy de la guitarra y Eurobelix, hombre máquina que tiene un gran corazón”. Vienen de Francia con la intención de sacaros del aburrimiento y haceros bailar a base de rap, pop y algo de electro. “Estamos de acuerdo, diríamos que hacemos ‘pop-rap con sentimientos bailables, una gran presencia de rock de guitarras y, es cierto, también unos beats más electro o hip hop”. Con esta propuesta tan dispar de concepto como compacta de ejecución Naive New Beaters se acaban sintiendo cómodos en todos los lados “Un rapero no dirá que hacemos hip hop, dirá que lo nuestro es electro o electro-rock, en cambio los rockeros dicen que hacemos rap o electrónica, y por supuesto que no somos pop, porque hay demasiados elementos dentro. Al final tenemos amigos por aquí y por allí”. Dejando el estilo de lado y centrándonos en su álbum de debut, “Wallace”, debemos apuntar que tienen un sonido muy orgánico y a la vez muy pulido. “La grabación jugaba su papel, pero la mezcla con Nick Terry (The Libertines, Klaxons) le ha dado una textura y un color adicionales”. No me podía quedar sin saber acerca de la experiencia que para ellos fue tocar en el FIB Heineken y en el Bam. “Fue algo bárbaro, quedamos realmente sorprendidos... En Barcelona fue algo extraño tocar en la misma plaza en la que antes habíamos estado haciendo botellón en vacaciones”. El próximo 28 de noviembre estarán en la sala Razzmatazz. ■ Mauri Jiménez

en la musica country o la musica colombiana”. El disco se acompaña, además, de un documental en el que la banda resume lo que han sido estos años a través de diversas claves que pasan por su experiencia en Argentina, grabar con Gogol Bordello o compartir escenario con Manu Chao. Una conexión que se agranda cuando lees en los créditos que, una vez más, Gambeat (bajista de Radio Bemba) se ha encargado de la producción. “De él destaco su humildad, su creatividad musical, la psicología que sabe usar para sacar lo mejor de ti, la capacidad que tiene para trabajar tres días sin parar y por supuesto su amistad”. ■ Don Disturbios

Con The Raconteurs guardado en un cajón por tiempo indefinido, el cantante a quien llamó Iggy Pop porque necesitaba una voz que fuera “genuinamente americana” retoma su carrera en solitario con “My Old, Familiar Friend”, la síntesis perfecta entre el rock americano y el buen gusto británico. Brendan Benson es uno de esos artistas que gustan a todo el mundo pero que nunca llegan a ser el favorito indiscutible de nadie. Benson ya dejó atrás sus días con la etiqueta de next big thing, experimentó la bajada a los infiernos de la industria (el sótano en el que hacen sus números las multinacionales) y remontó a base de oficio, actitud y, sobre todo, facturando buenos discos de pop de guitarras. Ahora, aprovechando el paréntesis indefinido en el que ha entrado The Raconteurs, su proyecto junto a Jack White, acaba de publicar su cuarto álbum, “My Old, Familiar Friend”. ¿Qué le ha aportado a Brendan Benson la experiencia con The Raconteurs? “No creo haber aprendido mucho en lo musical. Creo que más bien he aprendido acerca de modos de hacer las cosas, un poco más a lo grande. También que, a veces, pensar demasiado antes de decidirse a entrar en acción no es bueno”. A buen seguro ahora el nuevo disco tendrá más exposición. “Para el gran público, The Raconteurs es el grupo paralelo de Jack White. No sé si se va a hacer más caso a mi nuevo disco por estar yo en ese grupo. De hecho, no creo que haya mucha gente que sepa que toco ahí”, bromea. Benson se muestra un tanto escéptico con el mundo de la música pero al mismo tiempo está seguro de estar haciendo buenos trabajos “Con toda la mierda que hay por ahí, ¿cómo no voy a pensar que mi música merecería ser más conocida?”. n Jorge Ramos

Brendan Benson Vienen de: : Estados Unidos Publican: “My Old, Familiar Friend” (Nuevos Medios, 09) En la onda de: Jason Falkner, The Raconteurs, Ben Kweller

Brendan Benson Foto Archivo

ay grupos que aspiran a vivir de la música y grupos que viven la música. Por eso mientras los primeros no paran de lamentarse, los segundos no paran de tocar. Una de esas bandas hiperactivas son Che Sudaka, quienes empezaron como músicos callejeros con el objetivo claro de lo que deseaban y podían conseguir. “Como primera meta nos pusimos llegar a los mil conciertos, pero te puedo decir que no hay secreto para tocar tanto, simplemente a nosotros nos gusta vivir así y creemos que los conciertos son la mejor manera de poder mostrar lo que hacemos, ya sea en la calle, en salas, en

Che Sudaka Foto Archivo

Vienen de: Barcelona Publican: “Tudo É Possible” (Cavernícola/Kasba Music, 09) En la onda de: Manu Chao, Gogol Bordello, Dr. Ring Ding

The Last 3 Lines Foto Archivo

Mamut

Vienen de: Barcelona Publican: “Crows” (Aloud Music, 09 En la onda de: Q And Not U, Interpol, Friendly Fires

Tito & Tarántula Foto Archivo

El ahora sexteto afincado en Barcelona supera en su recién estrenado Ep las expectativas creadas con su debut para Sinlovers Records, “You Are A Deep Forest”. Sergio, guitarrista de la banda, afirma que: “probablemente ahora sonemos menos desgarrados y punk, pero más introspectivos y personales. Hemos ganado bastante en armonía, sin perder la rabia del primer disco. Seguimos queriendo bailar y hacer bailar, y puede que ese sea el nexo entre los dos trabajos”. Los cambios se encuentran sobre todo a la hora de etructurar su música incorporando nuevas capas de sonido con las que ahora juegan, usando tanto las neuronas como los pies. Han sustituido la urgencia por la grandeza de las canciones y la efectividad de los ritmos, creando una propuesta que no cuenta con otros representantes en el estado español. El rock, la psicodelia setentera y los desarrollos progresivos marcan la diferencia con otros adeptos al rock bailable. “Estamos muy contentos con las nuevas incorporaciones. Sac ha aportado un aire nuevo a la base rítmica, sus bajos son mucho más profundos y envolventes y eso también ha contribuido a que el ‘cambio’ se note un poco más”. Inquiridos sobre las cosas que les emocionan y les asustan no dudan en afirmar que “nos derrite ver a la gente bailando en las primeras filas, sin duda es la recompensa que más nos emociona. Sin embargo, nos asustan un montón de cosas... las salas vacías, el desinterés general por ver a bandas en directo. Parece que la gente sólo acude en masa a los grandes festivales o a los conciertos de los grandes... son topicazos, pero asustan”. La última entrega de esta prometedora banda se presenta en Madrid el 12 de noviembre y en París el 21 de noviembre. ■ Mertxe V. Valero

Tito & Tarántula

a vida se mueve por afinidades, impulsos y empatías. Leyendo la nota de prensa del primer disco de Mamut me entero que aman la música de The Flaming Lips, Band Of Horses o Arcade Fire por encima de todas las cosas. Primer toque de atención sobre los gustos de esta banda. Edu, cabeza visible del septeto, nos transmite las ganas con las que se ha ido gestando este saltarín animalito musical. “Cuando llegué a Madrid hace dos años tenía ganas de hacer algo y contacté con Sergio (voz y guitarras) a través de un foro de Internet. Sergio vino con Julia bajo el brazo (Julia es una cantante portátil, te la puedes llevar a cualquier sitio) y entre nosotros grabamos una maqueta casera y montamos el Myspace de rigor. Luego empezamos a tener visitas y una de ellas fue la de Subterfuge para proponernos participar en su Stereoparty. Fue entonces cuando empezamos a buscar a peña desesperadamente para montar el resto del grupo”. Son siete las patas de este paquidermo popero; siete músicos que nos dicen que van muy en serio a través de las once canciones de “Amanece en Pekín”, un disco chisporroteante, alegre, variado y colorido. Subterfuge les echó el ojo, les lanzó el gancho y les presentó a Fino-Clovis-Oyonarte, quien ha hecho las funciones de productor. “La verdad es que es un lujo haber podido ‘trabajar’ con él, aparte de que nos lo hemos pasado de narices. Tanto él como nosotros somos unos piraos de los sonidos analógicos, de las valvulitas y esas cosas. Creemos que todo el mundo debería grabar un disco con Fino por lo menos una vez en la vida para ser feliz. Hemos aprendido y mejorado mucho con él de piloto”. En “Amanece en Pekín” también han metido mano Eric (Los Planetas) y Joaquín Pascual (Mercromina) para confirmar que si las referencias foráneas son buenas, las de casa no son moco de pavo. “También nos gustan Surfin’ Bichos, Tórtel, La Bien Querida, Love Of Lesbian, Klaus And Kinski, Triángulo de Amor, Antonna… Es una pena que la ‘industria’ esté en crisis, porque si aun así hay tal mogollón de grupos buenísimos y gente que hace cosas con tanto talento, imagínate si las cosas estuviesen bien. Esto sería un vergel”. En noviembre, Mamut estarán actuando en Guadalajara (día 6, Festival Panorámico) y Barcelona (día 14, La 2). ■ María Baigorri

Vienen de: Estados Unidos Publican: “Back Into The Darkness” (Phantom Sound & Vision, 08) En la onda de: Dick Dale, Los Lobos, Link Wray Que nadie se confunda, estamos hablando de Tito & Tarántula la banda rockera de California amiga de Tarantino y en especial del director Robert Rodríguez. Justamente les pudimos ver en su película “Abierto hasta el Amanecer” y suyos son temas como los enormes “After Dark” o “Angry Cockroaches” (cucarachas enojadas). En todo caso, recordamos que tienen fechas confirmadas para este mes en nuestro país, de ahí que nos pusiésemos en contacto con Tito Larriva. Desde Austin, nos responde en un buen mexicano. “Tengo muchas ganas de tocar en España. Ahora ya sólo tocamos en Europa, casi siempre por Alemania. Por fin le podré decir a mi padre que hicimos una buena gira por el país de mi abuelo”. Tito quita hierro a esa imagen sanguinolenta y oscura que rodea a su música. “Que vengan a los conciertos, que no queremos sangre, solamente divertirnos (risas)”. Y seguro que lo harán. La historia de Tito es larga y extensa, nacido en México, creció en Alaska y acabó en El Paso (Texas). Formó The Plugz, una banda punk que se reconvirtió en Cruzados con los que exploró el rock chicano (Calexico suelen reconocerles como una influencia). Después llegaría Tito & Tarántula, con sus cinco discos y sus aportaciones a múltiples bandas sonoras. La banda ahora gira en formato cuarteto. Juntos descargan su rock&roll con influencias fronterizas, aire psychobilly, surf californiano y boggie de Texas. Su último trabajo, “Back Into The Darkness”, data del 2008, pero ya están trabajando en un nuevo disco, también en temas para “Machete”, la próxima película de Rodríguez e incluso “estoy planeando una especie de documental de ficción donde un grupo se hace famoso porque una chica baila con una serpiente (risas)”. ■ Miguel Amorós

Mamut Foto Archivo

“Pecker”, aunque no lo parece, es el tercer álbum de Pecker, músico oscense afincado en Barcelona y que responde al nombre de Raúl Usieto. Tras haber conjugado en sus anteriores trabajos múltiples influencias que van desde el funk a la electrónica pasando por decenas de estilos de los más variado, nos sorprende ahora con el que es quizá su disco más pop hasta la fecha. “Es posible. Mi primer disco, ‘Diez y 1 galaxia’, fue un álbum preciosista, de arreglos perfectos y sonido acogedor, de letras intimistas y estructuras tal vez inesperadas, y nadie tuvo muy claro dónde colocarlo. Había pop, trip hop, drum’n’bass, hip hop, indietrónica, swing, funk o incluso house. El segundo, ‘2 y las nadadoras’, era más directo. Había menos surrealismo en las letras, más impulsos eléctricos, más ganas de nocturnidad y baile, y además del clasicismo pop y el electropop de muchos temas, también había hueco para el funk o para el hip hop. Sin embargo, mi nuevo disco emana pop por todos sus costados, pop sin prejuicios y optimismo radical”. Y es que quizá, bajo esa impronta pop, estemos ante el Pecker más personal, ya que este nuevo trabajo del aragonés es cien por cien do it yourself, ya que hasta la producción corre de su cuenta. “Fue una decisión provocada por la aparición de un instinto de supervivencia en forma de un ataque de valentía casi suicida”. Sin reblar (sin rendirse), como se dice en su tierra, y con el compacto a punto de ver la luz en Estados Unidos, Raúl es uno de los alumnos aventajados de esa nueva y rica generación de músicos alto aragoneses (Copiloto, Mi Pequeña Radio o Domador serían otros a tener en cuenta). Están locos estos de Huesca, pensarán muchos. Quizá, pero bendita locura.■ José Manuel Cisneros

Pecker Vienen de: Huesca/Barcelona Publican: “Pecker” (Warner, 09) En la onda de: The Pinker Tones, Miqui Puig, La Casa Azul

Pecker Foto Archivo

The Last 3 Lines

Viene de: Madrid Publica: “Amanece en Pekín” (Subterfuge, 09) En la onda de: Mercromina, Surfin’ Bichos, Los Planetas

d i r d Ma

COOL NIGHT EL FESTIVAL DE LA NOCHE DE MADRID

23 / 29 Noviembre 2009 - Programación en www.madridcoolnight.es

Promueven

4º Simposio de Actividades Lúdicas y Recreativas 24 de noviembre de 2009 Palacio de Congresos de Madrid Presentación Marca de Calidad Turística para el sector recreativo

Colaboración Institucional

Patrocinan

Medios Oficiales

MondoSonoro · Noviembre 2009 /43/

THE HOT DOGS!

“Nothing But A Bad Day” GP Records

ROCK

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Poco más de un año han tardado los de Urretxu (Guipúzcoa) en darle forma a su nuevo disco, el cuarto ya en su larga carrera, y la espera, simplemente con darle al play, queda olvidada. La decena de canciones de “Nothing But A Bad Day” dejan de lado definitivamente el glam que se les atribuyó en sus inicios, y apuestan de manera orgánica por su lado más rudo, intenso, sin que eso signifique veleidades punks. Riffs cortantes, stonianos pero también de alto voltaje como sus adorados AC/DC, aunque también la clavan cuando se introducen por otros meandros, como la sensual “T-Short Out”, el boggie del tema que da título al disco y cierra el elepé y por supuesto en las marcas de la casa: la despeinante “Don’t Dispair” y la contundente “You Can Bet It”. Cambio de sello y de formación incluidos (el guitarrista Iker Álvarez ha dejado su sitio a otro), punteos fornidos y una voz, la de Jon Iturbe, que cada vez suena mejor. Más cascada, más dulce. Magníficos, como de costumbre. Álvaro Fierro

THE BATS

“The Guilty Office” Yesboyicecream

POP

1111

En uno de esos momentos íntimos entre la multitud que sólo puede dar un festival como el Primavera Sound pude comprobar como un emocionado Ira Kaplan (Yo La Tengo), pasando casi desapercibido, disfrutaba como un niño del concierto de The Bats. Estaba justo detrás de mí y, como yo, observaba las evoluciones de los neozelandeses con una devoción casi religiosa. Y no era para menos. Estábamos viendo el retorno a los escenarios de uno de los grupos que certificaron el nacimiento del pop independiente tal como lo conoceros ahora. Fue a principios de los ochenta, ocurrió en Nueva Zelanda y el sello que se encargó de ello fue el seminal Flying Nun, casa donde The Bats compartían protagonismo con otros héroes del calibre de The Clean o The Chills. Ahora, tras más de una década de parón, la banda neozalendesa regresa a la vida con un disco que deja bien a las claras que aún no se han oxidado y que conocen todos los secretos del pop leído, honesto y elegante. Ese que también dominaban a la perfección The Go-Betweens, sus hermanos de sangre australianos. “The Guilty Office”, como los discos que marcaron el second coming de Robert Forster y el tristemente desaparecido Grant MacLennan, mantiene la magia. Magia que está presente en canciones como “Crimson Enemy”, “The Orchard”, “Like Water In Your Hands” (la mejor del lote) o “Satellites”. Xavi Sánchez Pons

NU NILES

“Sin Rendición” Arañazo Records

ROCKABILLY

1114

Hace veinte años nos bombardeaban en las ondas con los adictivos ritmos pop de un grupo procedente del sur. Esa banda para más señas respondía al nombre de La Guardia. Y caló a base de bien gracias a la radiofórmula. Era la época en la que el Loco

y Sabino Méndez conducían hacia un rompeolas en un cadillac solitario, y los Lobos Negros aullaban en el King Creole madrileño. Toda esa inmediatez y desparpajo de antaño resplandece en este disco, que podría figurar en el catálogo de Sun Records si hubiera sido interpretado en la lengua de Shakespeare cincuenta años atrás. Pueden pensar que exagero, pero a la vista está que canciones como “No lo vi venir“, “Un solo botón” o “Muchachita” visten una hechura digna del mejor prêt-à-porter. El trio de Barcelona cambia de registro al castellano en su sexto álbum, y salta del rockabilly al spaghetti western, pasando por el tex mex y el swing, con un descaro y simpatía que encandilan. Es difícil juntar en la sartén a Eddie Cochran, Los Lobos y Woody Herman y no salir escaldado. Miguel Ángel Sánchez Gárate

vinilos

el golpe de efecto de the flaming lips

RUFUS WAINWRIGHT Milwaukee At Last!!!” Universal

POP

111

Primer directo oficial –si no contamos su reciente homenaje a Judy Garland- del niño mimado de la crítica tras sus cinco álbumes de estudio. Obligado a hacer caja tras el primer traspiés de su carrera artística, la vilipendiada ópera “Prima Donna”, el cantautor rescata este directo de Milwaukee de 2007, extraído de la gira de “Release The Stars”. En él nos encontramos con un Wainwright cómodo y divinamente aposentado en su rol de diva ególatra con voz de oro. Se recrea y hace ganar en pomposidad operística a sus composiciones, dejando pocas dudas en su interpretación sobre su valía y profunda capacidad creativa. Pero el gran problema son sus mínimas concesiones al pasado. El exceso de foco en “Release The Stars” deja prácticamente sin espacio a esa readaptación al directo de sus primeros discos, especialmente de “Want One” y “Want Two”, los dos trabajos con los que Wainwright explotó en la escena musical hace un lustro y a los que tan sólo les cede protagonismo en la última “Gay Messiah”. Tampoco nos ofrece interpretaciones de sus imprescindibles versiones del “Hallelujah” o “Chelsea Hotel” de Cohen, prefiriendo volver a recurrir al cancionero de Garland con “If Love Were All”. Robert Aniento

THE CHARIOT

“Wars And Rumors Of War” Solid State

HARDCORE

The Flaming Lips Foto Archivo

THE FLAMING LIPS “Embryonic” Warner

ROCK

11114

”El mejor disco de The Flaming Lips desde “The Soft Bulletin” (99)? Desde aquí puedo oír sus exclamaciones de sorpresa y demás epítetos. Quizás la palabra no sea mejor, sino culminante, porque con “Embryonic” la banda de Oklahoma cierra un ciclo, de la misma forma que “The Soft Bulletin” fue el broche a sus años de experimentos sonoros y flirteo con la música concreta iniciados tras la salida del grupo de Ronald Jones y la grabación de “Zaireeka” (97). “Embryonic” lleva hasta sus últimas consecuencias las líneas maestras de “Yoshimi Battles The Pink Robots” (02) y “At War With The Mystics” (06), despojándolos de todo cuanto arrastraban de tradición propia. Lo único que se le puede echar en cara a “Embryonic” es la ausencia de grandes himnos (ni un “Waiting For Super-

man” o un “Do You Realize?”), pero este no es un disco de canciones sino de escenas y hay aquí momentos de una abrumadora e improbable belleza, del tipo que te satura el córtex cerebral, convirtiendo este nuevo desarrollo en toda una experiencia en la que ciencia y esoterismo se entrelazan en un aparente intento por alcanzar una verdad tan sutil que por fuerza debe de estar más allá de la palabra y el sonido. Quizás por ello sea el trabajo en el que la voz de Coyne tiene menos protagonismo, cosida en la mezcla como un instrumento más, distorsionada, semiahogada en un apabullante despliegue instrumental. Podríamos fundar una religión sobre “Watching The Planets”, una nueva moralidad a partir de “See The Leaves“ y una nueva forma de amar escuchando “I Can Be A Frog”. A ratos, esa parece la intención de The Flaming Lips: rebasar el universo conocido, alcanzar una nueva forma de revelación y misticismo. Cuando menos, estamos ante el fin de trayecto de los hallazgos recientes del grupo, que, casi por fuerza, deberá plantearse nuevos objetivos en el futuro. Joan Cabot

111

Mucho ha llovido desde que el mathcore y el metalcore diesen en el clavo de toda una generacióndejóvenesconunarabiacontenida que exigía un despliegue, una demostración, digamos, de carácter terapéutica. Crear desde la violencia. Al abrigo surgieron no pocas bandas de coartada cristiana siendo Norma Jean una de las de referencia y siendo también su ex vocalista John Scogin el líder de The Chariot y único miembro que continúa desde su creación hasta este tercer largo que mantiene una invariable línea recta, un entramado de disonancias y ritmos entrecortados que escapan a la sensación de ahogo y repetición que constituye sin duda el mayor mal que aqueja al subgénero de marras. Esto es en gran parte mérito del propio Scogin y sus tablas, pero también de la astucia de un grupo que sabe crearse todo un oscuro trasunto que inevitablemente sobrevuela todos sus discos (aunque nunca han tenido mayor peso del que siguen teniendo maestros como The Dillinger Escape Plan o discípulos aventajados como los propios Norma Jean). Aun así, constituye posiblemente el mejor esfuerzo de los de Georgia hasta la fecha. Nacho P.L.

en la onda

THE SOFT MACHINE

MILES DAVIS

“The Soft Machine (Volumen One)” (One Way/Universal, 1968)

“Bitches Brew” (Columbia, 1970)

POP

JAZZ

11114

Can, Pink Floyd y Neu no son nada nuevo para The Flaming Lips. Pero en su nuevo álbum sale a flote buena parte del sentido del humor y la falta de respeto por lo formal que dio una causa a The Soft Machine. “Embryonic” es, a pesar de lo tremendista, un disco con sus dosis de ironía y locura bien intencionada.

SILVER APPLES

“Silver Apples” (Phoenix/Spectrum, 1968)

11111

En uno de los momentos decisivos de su carrera y para espanto de los más puristas, Davis publicó un disco que sigue constituyendo la hoja de ruta definitiva para cualquiera que pretenda transformar un disco en una odisea a gran escala. En “Embryonic”, The Flaming Lips han escondido algunos velados homenajes a esta obra maestra.

POP

11114

Que el dúo formado por el enigmático Simeon y Danny Taylor perpetrara un disco como éste en la década de los sesenta sigue siendo algo que me maravilla. The Flaming Lips, no están solos, les deben mucho al futurismo alucinado de Silver Apples, a sus descubrimientos mántricos y aventuras en una dimensión inexplorada en su momento. J.C.

(vinilos /44/ Noviembre 2009 · MondoSonoro)

el amanecer del crepúsculo PARADISE LOST

“Faith Divides Us-Death Unites Us” Century Media

METAL

Joe Crepusculo Foto Pablo Zamora

JOE CREPÚSCULO “Chill Out”

Discoteca Océano

POP

11114

En la redacción de Mondo se meten conmigo porque he tardado tres discos en aceptar a Joe Crepúsculo como artista a tener muy pero que muy en cuenta. Joe Crepúsculo es una de esas “rara avis” que de tan rara se lo perdonas todo porque lo único realmente imperdonable es que alguien quisiera imitarlo. A él se le perdona que cante como el culo porque su gracia o, si prefieres, estilo, reside en eso. En eso y en esos tecladillos de comparsa, esos ritmos de “sinte” guarro, pero ahora también en

unos arreglos de vientos, pianos, guitarras españolas con los que se lanza en su particular perversión de la música hispana que va de la canción ligera (“Canción del adiós”) a la copla (“Todo lo bello es gratis”) pasando por la balada arrabalera (“Toda esa energía”) o el típico rompepistas (“Ritmo mágico”). Pero, ojo, no nos quedemos sólo con lo presumiblemente gracioso del asunto. Si rascas te das de bruces con unas letras de una carga emotiva muy bestia y un manejo de las melodías con una ausencia total de prejuicios y una libertad tan grande que incluso un tema tan patillero como “Diriri Diririra” funciona porque resultaria imposible en cualquier otra circunstancia. Yo ya lo he colocado junto a Albert Pla y Astrud en mi particular pedestal. Don Disturbios

CLARK

THE DUCKWORTH LEWIS METHOD

Relapse Records

Warp/Pias

Divine Comedy Records

“Totems Flare”

“Ox”

HARDCORE

1114

Vaya, vaya, nuevo disco de Coalesce. Aquellos de los que nos nutrimos (a veces casi exclusivamente) en parte de nuestro crecimiento musical de bandas que practicaban un hardcore demasiado metalero y matemático como para entender un etiquetado sencillo reconocemos en los de Kansas City una de las naves nodrizas del estilo. El cometido de la música de Coalesce es básicamente expresión, ebullición y explosión, en ese orden, operadas tanto en ejecutor como en oyente, y eso es lo que encontramos en “Ox”, un álbum que sin la necesidad de crear escuela sí es capaz de pasarle por encima a la mayoría de discos que se publican últimamente de grupos que dicen hacer hardcore, siendo esta la respuesta más acertada para quien se pregunte sobre la presuntamente perdida energía de esta reivindicable banda (especialmente para fans que se sumergieron en las energías retorcidas con The Dillinger Escape Plan o Converge, siempre más comerciales que nuestros amigos de Coalesce). Y ahí no queda la cosa: la salida de un Ep con más temas es inminente antes de final de año. Nacho P.L.

ELECTRÓNICA

“The Duckworth Lewis Method”

114

Para este disco Clark ha decidido que el único hilo conductor de los temas va a ser sus sensaciones o como se levante por la mañana. Es un disco caótico, con ramalazos a su pasado, toquecitos IDM a la mitad del disco, acelerones y parones sin demasiado sentido. Digamos que es un grandes éxitos de clásicos de Warp, ahora Squarpusher, ahora Plaid, luego Autechre y, quizás, más adelante sonido a sí mismo. Cuando ya no sabes por dónde te vienen lo tiros se descuelga con “Tails”, un tema cantado y oscuro que recuerda a Bauhaus con una densidad pegajosa que te corta de raíz en tres minutos. Con “Sun Of Temper” regresa al bunker del Tresor de una manera figurativa y con un desarrollo tan experimental como desconcertante pero sin llegar a conseguir su catarsis hipnótica. Demasiado previsible o más bien demasiadas referencias al pasado. Cierra con un tema más acústico, “Absence”. Es el momento de recopilar todo lo que ha hecho esta noche loca que es “Totem Flare” e intentar recapacitar, pero otra vez se le va la mano cortando los tiempos y nos vuelve a dejar a medias. Alfredo Arias

POP

1111

Más que como un álbum musical al uso, The Duckworth Lewis Method debería ser reseñado como un remedio contra el aburrimiento y el sopor, como una genial ida de olla de Neil Hannon, más conocido por su papel en The Divine Comedy, y Thomas Walsh de Pugwash. “The Duckworth Lewis Method” es un álbum conceptual sobre ese elegante deporte que es el cricket. Un disco en el que pianos alegres, coros, efectos sonoros, estribillos pegadizos y spoken word con humor, se entrelazan y solapan con una sabia alegría que solamente se mitiga al saber que la banda, creada al efecto para este disco, ya se ha separado. Tratar de entender todo el vasto imaginario alrededor del cricket con el que ha sido creada la obra lleva su tiempo y puede ser muy divertido, pero no necesario, porque este no es un álbum conceptual al uso. Para disfrutar de canciones de perfección pop como “Meeting Mr. Miandad” poco importa saber que estamos canturreando el nombre de un jugador pakistaní. Un juego de caballeros, inmortalizado por dos nobles de la canción pop. Cristina V. Miranda

1111

ATTACK! ATTACK!

“Attack! Attack!” Rock Ridge Music

ROCK

COALESCE

Seamos realistas: Paradise Lost nunca volverán a grabar otro “Icon” u otro “Draconian Times”. Dicho esto, tan sólo podemos recibir con los brazos abiertos el nuevo disco de los británicos. “Faith Divides Us-Death Unites Us” no es una obra maestra; ni tan siquiera posee la valentía del rupturista “One Second”, pero sí puede considerarse el álbum más sólido, potente y oscuro de la banda en, al menos, tres lustros –el vídeo del tema-título, incómodo tributo al porn torture de Eli Roth y Pascal Laugier, os dará alguna otra pista-. Los Paradise Lost de 2009 no reniegan de su pasado como parecían renegar a finales de los noventa. Al contrario, se sienten orgullosos de sus raíces doom y death, y no dudan en rememorarlas. Sólo así pueden explicarse los riffs gruesos, escupidos por guitarras de siete cuerdas, en “Frailty” o “Living With Scars”, o las armonías y atmósferas herederas del profundo sonido de “Icon” e incluso de “Shades Of God” –“Universal Dream” parece una puesta al día de “Pity The Sadness”-. Hasta Nick Holmes recurre, cada vez con mayor acierto, al registro gutural de sus inicios (“The Rise Of Denial”). Y aunque algunas melodías vocales enquistadas desde su etapa más pop siguen cortando un poco el rollo, al menos encajan mejor que en “Paradise Lost” o “In Requiem”. A estas alturas, tan sólo alguien más cínico que el propio Holmes podría acusarles de nostálgicos o autorreferenciales. David Sabaté

111

“Llueve sobre mojado” es una gran expresión que se utiliza cuando algo es innecesario y/o repetitivo. Quizá sea algo excesivo decir que este trabajo de Attack! Attack! sea innecesario, porque siempre hace falta savia nueva en el mundo de la música, pero nadie va a negar que suenan repetitivos. Melodías vocales y estribillos resultones arropados por un rock modernillo y algo de electrónica son las señas de identidad de un grupo que hace lo que han hecho cientos de bandas antes. Tan sólo cuando Attack! Attack! abren puntualmente el obturador de la potencia para crear buenos temas de punk-rock (“This Is A Test”, “Say It To Me”, “Home Again”) se puede decir que se ganan las estrellas que aparecen sobre estas líneas. Lo dicho, un disco agradable de escuchar, pero que no colocará a sus creadores en el Olimpo del emo-rock mundial. Jordi Forés

MODESELEKTOR

“Body Language Volume 8” Get Physical

ELECTRÓNICA

1111

Nos sorprendió la noticia cuando conocimos que los chicos de Modeselektor serían los próximos en protagonizar la serie de mixes “Body Language” del sello berlinés Get Physical, tradicionalmente dedicada al house con nombres como Dixon o Henrik Schwarz en sus anteriores volúmenes, pero lo cierto es que los teutones no se han equivocado con

esta elección. Y es que estos dos freaks de tomo y lomo nos ofrecen la que será, seguramente, una de las sesiones del año cuando los plumillas especializados de turno en materia electrónica hagan balance de este 2009. No es sencillo, a priori, juntar en una misma sesión enlatada a Robert Hood, Benga, Felix Da Housecat (demoledor ese “Kickdrum”) o G-Man y que el resultado sea coherente y divertido. Modeselektor lo consiguen, e incluso les queda tiempo para colar en la sesión un par de temas propios, que para algo ellos son antes productores que DJ’s, por mucho que aquí las mezclas y los cortes se resientan en ocasiones de una pequeña falta de continuidad. Ello no quita que, bien sea tirando de techno, dubstep, techno dub o electro, Modeselektor firmen una sesión que entretiene y adoctrina a partes iguales. José Manuel Cisneros

AFI

“Crash Love” Universal

ROCK

1114

Los californianos Afi regresan plenamente metidos en su rol de estrellas del rock sin que ello haya afectado en absoluto su olfato para las buenas melodías. Su octavo disco de estudio, se revela de entrada como un trabajo más cohesionado y directo que su anterior “Decemberunderground”. El arranque con “Torch Song”, un medio tiempo de coros expansivos, marca el tono pausado pero intenso del primer tercio del álbum. Su punk rock épico y oscuro es cada vez más épico y menos oscuro, algo, sin duda, subrayado por la grandiosa producción de Joe McGrath (Alkaline Trio, Green Day) y Jacknife Lee (U2, Weezer). El disco acelera el tempo con “Too Shy To Scream” y su ritmo calcado al de “The Beautiful People” de Marilyn Manson, pero es a partir del ecuador cuando desvela algunas de sus mejores armas. Es el caso de la certera “I Am Trying Very Hard To Be Here” o de “Medicate”. Destacan de nuevo las elaboradas estructuras, la inventiva a las seis cuerdas de Jade Puget y el notable trabajo de Davey Havok, quien mantiene su característico registro con puntuales ecos a Brian Molko de Placebo y esos falsetes herencia de Morrissey. Con todo, “Crash Love” recupera a se posiciona como el sucesor moral del excelente “Sing The Sorrow”. David Sabaté

CRIPPLED BLACK PHOENIX “200 Tons Of Bad Luck” Cargo

POST ROCK

1111

Me vendieron este disco como una pequeña joya y, después de una docena de audiciones, doy fe que lo es. Su precioso valor radica en que no se trata de un álbum al uso, con sus canciones estructuradas de una manera convencional ni con una banda fija detrás, sino que es un compendio de las ideas que tenía en la cabeza Justin Greaves (Electric Wizard, Iron Monkey). A la hora de plasmarlas, Greaves ha contado con la colaboración de varios colegas de la escena musical británica (gente de Mogwai, Portishead, etcétera), con lo que el colectivo Cripppled Black Phoenix da forma a un post-rock eminentemente instrumental y creador de atmósferas épicas y ambientes sosegados. La guitarra, el piano, el chelo, el órgano, los sintetizadores, la percusión y el violín alcanzan su clímax en los cortes “Rise Up And Fight”, “444” y, sobre todo, durante la superlativa “Time Of Ye Life…”, pieza compuesta por tres actos de infinitos desarrollos instrumentales y de duración insana (dieciocho minutos). “200 Tons Of Bad Luck” se presenta además en un precioso digipack que sirve de cofre de una de las perlas musicales duras del año. Jordi Forés

(MondoSonoro · Noviembre 2009 /45/ vinilos)

arizona baby, desde el desierto vallisoletano

top10 internacional MAYER HAWTHORNE

“A Strange Arrangement” Stones Throw/Pias

SOUL

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

THE FLAMING LIPS “Embryonic” Warner

THE XX

“The XX” Young Turks/Popstock!

FUCK BUTTONS

“Tarot Sport” ATP/Houston Party

GIRLS

“Girls” True Panther Sounds/Pias

DEAD MAN’S BONES “Dead Man’s Bones” Anti/Pias

EDITORS

“In This Light And On This Evening” Pias

RICHARD HAWLEY “Truelove’s Gutter” Mute/EMI

PEARL JAM

“Back Spacer” Universal

MAYER HAWTHORNE

“A Strange Arrangement” Stones Throw / Pias

RAMONA FALLS

“Intuit” Souterrain Transmissions/Pias

top10 nacional

11114

Esperadísimo debut de la nueva joya de Stones Throw, un treintañero blanco con gafas de pasta y pasado hip-hopero que parece cualquier cosa menos el nuevo crooner que está poniendo patas arriba la escena soul. Dada la marcada tendencia al revival que parece estar instalándose en el negocio de la música sería fácil pensar en este disco como un hype oportunista, pero no lo es. Y no lo es porque Mayer Hawthorne compone, toca casi todos los instrumentos, arregla y produce sus propios temas. Un músico con todas las letras, poseedor de un sorprendente talento innato para los registros vocales del soul y el R&B, una enciclopedia viviente y cantante de la escena Motown de los cincuenta y sesenta, consumidor compulsivo desde su más tierna infancia del genio y la obra de nombres como Isaac Hayes o Barry White (nació y creció muy cerca de Detroit). Precedido por el éxito de su single (en vinilo) “Just Ain’t Gonna Work Out”, una joya de ritmo cadencioso con unos arreglos corales que hipnotizan, el primer disco de Hawthorne posee auténticos hits, como la rompepistas “The Ills”, una pieza llena de dub y juegos de vientos al son de las trompetas, la magnífica y progresiva “Maybe So, Maybe Not”, en la que se acerca al soul de baile del modo más elegante o la pieza que cierra el disco, la exótica “Green Eyed Love”, donde Hawthorne termina luciéndose con la guitarra eléctrica. En definitiva, una obra nueva que suena a viejo, grabada con pocas pistas y de modo analógico con instrumentos de la época para conseguir un estilo auténtico y lleno de personalidad, un derroche de clase que da como resultado un disco sobrado en talento y magia, en alegría y optimismo. Ya lo dijo el gurú Mark Ronson (productor, entre otros, de Amy Winehouse o The Rumble Strips): “no sé qué es esto, no sé si es viejo o nuevo, sólo sé que es cojonudo”. Dani Arnal

Arizona Baby Foto Archivo

ARIZONA BABY “Second To None” Subterfuge

ROCK

1111

Si desde hace unos meses los sevillanos Pony Bravo están dando mucho que hablar con esa peculiar fusión sureña (española y estadounidense) a la que hay que sumar una actitud de investigación cósmica y rematadamente freaky, ahora se presenta a lo grande (apoyo total por parte de Subterfuge y apadrinamiento de lujo de Chema Rey) una banda que no es nueva (llevan en esto desde 2003 y ya tenían un primer disco “Songs To Sing Along” editado en 2005), pero lo parece. Son de Valladolid y tiene la peculia-

ridad de doblar con gran destreza dos guitarras acústicas, combinadas en ocasiones con la slide y el ukelele, sobre el ritmo trepidante y trotón de las escobillas, logrando una suerte de rock acústico de inspiración sureña que, para entendernos, suena a unos Violent Femmes que hubieran sucumbido ante la discografía completa de Eagles. Y lo cierto es que lo hacen mucho más que bien y canciones como la trepidante “Shiralee”, la fronteriza “A Tale Of The West” o la oscuridad folkie de “Runaway” funcionan a las mil maravillas. Aunque, puestos a poner una única pega, esta sería que en ocasiones la voz de Javier Vielba parece algo impostada en esa suerte de tono profundo y áspero del que quiere dotar a las canciones, llegando a resultar por momentos algo asfixiante. Don Disturbios

RICHMOND FONTAINE

“We Used To Think The Freeway Sounded Like A River” El Cortez Records

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

JOE CREPÚSCULO “Chill Out” Discoteca Océano

THE NEW RAEMON

“La dimensión desconocida” B-Core

TOKYO SEX DESTRUCTION “The Neighbourhood” B-Core

ARIZONA BABY

“Second To None” Subterfuge

PARADE

“La fortaleza de la soledad” Jabalina

G.A.S. DRUMMERS “Decalogy” Red Vanette Music

CHE SUDAKA

“Tudo É Possible” Cavernícola/Kasba Music

ANIKA SADE

“Last Night Was Automatic” Beat Border

THE HOT DOGS!

“Nothing But a Bad Day” GP Records

DESPUÉS DE TODO

“La voz de la inocencia” Lengua Armada

AMERICANA

1111

Willy Vlautin ya va por su segunda novela publicada. Y eso, de alguna forma, se tiene que ver reflejado en su música. Canciones que hilan historias de almas pérdidas, de largas carreteras que nunca llegan a su destino final, la de esa América árida que tan bien describían sus escritores favoritos. Con tres interludios instrumentales para oxigenar cada nueva parada, esta parece la banda sonora de un viaje sin retorno y con destino a las catacumbas. Con la producción del ínclito y omnipresente JD Foster, el relato está inspirado en historias sucedidas en el Pacifico Noroeste. Vlautlin busca encontrar su propia identidad, pulsar un resquicio de intimidad, en un puñado de canciones colosales que pasan en un suspiro, y que, afortunadamente, se mastican con deleite y mucha atención. “The Boyfriends” anda a la zaga de sonidos fronterizos, “The Pull” y “A Letter To The Patron Saint Of Nurses” están planteadas en clave spoken-word, y es “Maybe We Were Both Born Blue”, la más optimista dentro de este “We Used To Think The Freeway Sounded Like A River”. En cambio, “43” es directa y punzante, “Lonnie” parece sacada del trastero de Whiskeytown, y “Ruby And Lou” es la pieza que él compondría en caso de pedírselo al mismísimo Bob Dylan. Los seis minutos en crescendo de “Two Alone” son la guinda a un pastel delicioso. Toni Castarnado

JOEL ALME

BLOW UP

RAMONA FALLS

Sincerely Yours

Bip Bip Records.

Souterrain Transmissions/Pias

“A Master Of Ceremonies” POP

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Menos mal que la gente de Fikasound nos ha puesto tras la pista de este señor disco. Les cuento. Joel Alme ofreció un par de conciertos el pasado mes de septiembre en España para presentar las canciones de “A Master Of Ceremonies”, un álbum editado en Suecia el pasado año que apenas trascendió más allá de su país natal. Y es ahora, gracias al rescate de la promotora de conciertos, que podemos hablar alto y claro sobre las maravillas del debut de este sueco amante del grande pop. Porque sí, eso es lo que hace Alme, un pequeño geniecillo del pop orquestal de maneras clásicas capaz de recordar tanto a Jens Lekman como al Mink DeVille de la etapa producida por el grandioso Jack Nitzsche. Y es que la distancia entre Lekman y el primer Deville, insalvable a primera vista, no es tanta cuando uno comprueba que ambos manejan referentes similares: Phil Spector, el sonido brill building, el soul de la Motown… Joel Alme comparte esas influencias, y encima, enriquece su fórmula con un gusto por el pop más refinado de los sesenta y unos aires de neo-crooner a la Neil Hannon en versión aun más melodramática, que lo hacen irresistible. Xavi Sánchez Pons

“... a por tí!” ROCK

“Intuit” 111

En 1966, el cineasta Antonioni dirigía “Blow Up”, una de sus obras clave considerada por muchos obra referente del movimiento mod. A pesar de que no son pocos los estudiosos que sitúan como meramente contextual el componente sixtie en el filme, éste sigue generando riadas de homenajes desde el mundo de la música. De la misma forma que la película del director italiano se ha convertido en obra de culto que influencia a nuevas generaciones, numerosas bandas nacionales siguen venerando un estilo lleno de posibilidades y energía sin caer en la nostalgia estéril ni el homenaje hierático. Así nos llega este “… a por tí!”, primer larga duración de Blow up, banda de Alcalá de Henares con una dilatada experiencia en los escenarios del país. Registrado enteramente de manera analógica, supone un sincero e inspirado recorrido por el universo mod más sureño y desenfadado. De su parte, las ganas de hacer las cosas bien, ese encanto que se percibe en cada intencionada elección de ritmo, arreglos y producción. En su contra ese prejuicio que impide que el estilo llegue más allá del público especializado. Rafa de los Arcos

ROCK

1111

No importa que sean muchos los que acuden una y otra vez a los mismos nombres de siempre mientras algunos discos brillantes se les escapan entre los dedos. ¿Y saben por qué no importa? Porque a uno le gusta compartir y, por experiencia, sabe que las palabras no siempre caen en saco roto. Por eso ahora me veo en la obligación de subrayar que Ramona Falls merece la pena. ¿Ramona Falls? Sí, un curioso nombre tras el que se esconde Brent Knopf, ese tipo inquieto que anda también metido en Menomena. Aunque no se lleven a equívoco, Knopf no es un huérfano que coge su guitarra y compone once canciones mientras recolecta la pelusilla de su ombligo. Le respaldan un buen puñado de amigos que militan en Mirah, 31 Knots o The Helio Sequence entre muchos otros grupos. Eso sí, sus once canciones son más terrenales y menos freaks, más rotundas y más ásperas. No hace falta más que dejarse llevar por la marcialidad de “I Say Fever”, la confidencialidad de “Russia” o la teatral y dannyelfmana “Always Right” para entender por qué el trabajo de Knopf merece la atención escurridiza de la que sí gozarán otros tipos con más suerte que él. Joan S. Luna

(vinilos /46/ Noviembre 2009 · MondoSonoro)

niños que juegan a monstruos

DEAD MAN’S BONES “Dead Man’s Bones” Anti/Pias

FOLK

Dead Man’s Bones Foto Archivo

LOBSTER NEWBERG

VV. AA.

MENEO

Autoeditado

Soul Jazz/K Industria

Dress For Excess/PIAS

“100% Dynamite! NYC”

“Actress” ROCK

1114

La escena jam band, bastante estancada hace un tiempo, trata de abrirse paso como buenamente puede, añadiendo nuevos elementos al habitual sonido. Lobster Newberg son, como no, americanos y lo suyo consiste en fusionar el rock progresivo setentero con el fenómeno jam band, con una destreza y naturalidad que ya quisieran para sí muchas otras bandas. Influenciados principalmente por Gentle Giant por un lado y por Umphrey’s McGee y Phish por el otro, su segundo largo “Actress”, aporta frescura tanto a la escena jam band como a la progresiva, menos necesitada en este caso, en un trabajo en el que los americanos se valen de una colección de magníficas composiciones para lograr una obra de lo más vital y optimista. Composiciones empapadas de genuino sabor americano, sin pretensión de caer en aspavientos ni florituras gratuitos, como “Set Your Sails”, “Bug City”, “Lost”, o la versión del “Tight Rope” de Leon Russell, forman parte de uno de los repertorios más vitamínicos del momento. Ferran Lizana

1111

Vamos a dejarlo claro desde el principio. Dead Man’s Bones molan a pesar de no inventar nada. En una primera escucha puedes pensar que son una copia resultona de Arcade Fire o Okkervil River. Pero nada más lejos de la realidad. Dead Man’s Bones tienen algo que les hace especiales, y no es el hecho de que estén capitaneados por Ryan Gosling, actor y una las grandes esperanzas blancas del Hollywo-

RAP

PSYCHO LOOSERS

“Santa Nalga” 111

Como las enciclopedias por fascículos, en Soul Jazz Records deberían ofrecer suscripción. Sería un gran negocio, porque sus compilaciones siempre valen la pena, especialmente para diletantes y para aquellos que se perdieron algo que quieren ahora vivir aunque sea en diferido. El sello londinense rescata su serie más exitosa e importante, “Dynamite!”, mirando ahora hacia las calles de Nueva York y ese punto en que el hip hop volvió a la música jamaicana como inspiración. Como género, le debía la vida. Kool DJ Herc había nacido en Jamaica y lo único que hizo fue transportar la energía y espíritu de los soundsystems a las calles del Bronx, pasando de los dance halls a las block parties. Pero no fueron pocos los MC s que en la época dorada del hip hop -los temas provienen en su mayoría de entre 1992 y 1995- incorporaron técnicas del ragga a su estilo (Fu Schnickens, Jamalski, Born Jamericans) ni los que, directamente, se arrimaron al dancehall puro y duro (Shaggy, Supercat, Shinehead) desde los Estados Unidos creando híbridos imposibles. “100% Dynamite! NYC” abre para Soul Jazz Records una nueva vía de exploración. Joan Cabot

ELECTRÓNICA

od actual. El dúo norteamericano tiene magia, algo que muchos grupos buscan toda una carrera y no acaban encontrando. Quizás sea por la participación en el disco del coro infantil del The Silverlake Conservatory Of Music de California, la temática mortuoria, fantástica y terrorífica de todas sus canciones (sus letras versan sobre entierros, zombies, hombres lobo y demás criaturas de la noche), ese aire cincuentas que tienen algunos cortes (la palma se la lleva la encantadora “Paper Ships”), las dos cumbres de pop ensoñador que son “Pa Pa Power” y “Young And Tragic”, o que en un principio estas canciones nacieran para musicar una obra de teatro… La verdad es que Dead Man’s Bones tiene ese “noséqué” que hace a una banda especial, y solamente por eso, ya merecen nuestra atención. Xavi Sánchez Pons

“Las chicas que me destrozaron el corazón”

1114

El reggaetón ya es vanguardia. Rigo Pex, catedrático en el manejo musical de los 8 bits de la Gameboy es el encargado de dar musicalidad a la criatura, y Raúl (Vj Entter) hackea videojuegos ochenteros y vídeos freaks para los visuales. El resultado es uno de los combos más divertidos y seguramente el más enfermo de la escena afincada en nuestro país. Vocoders y/o keytars para las voces, mucho spanglish y acento caribeño y una literatura llena de escatología, absurdo y poca vergüenza. Desde temas más relajados cómo “Licuadora”, con el que abren el disco, samples muertos de risa como “Margarita” o la balada romántica “Amor”, hasta bacanales de ritmo y movimiento como “Subidón” u “Okupa”, en la cual hablan acerca de los problemas de los gusanos para encontrar piso en el Amazonas. Una locura de chiptune y tropicalismo bizarro que ha recorrido ya (literalmente) toda Europa paseando su verdadera baza: el directo, una orgía llena de desenfreno y descaro que suele derivar en una especie de locura colectiva la cual ha llegado a dejar imágenes memorables. Dani Arnal

Lucinda Records

POP

111

Estamos ya algo agotados de escuchar todos los tópicos del estilo que llevan a cabo los salmantinos Psycho Loosers. Ya sabemos de qué van sus letras, ya conocemos sus sueños y frustraciones, así que solo queda ponerse a bailar. Puede que te haga más gracia o menos su estilo pero este punk o power-pop si algo consigue es hacerte mover el esqueleto en sus directos. No creemos que Jorge, David y Pablo quieran nada más. Y de hecho lo consiguen con temas como “Chica del Myspace” o “Las chicas que me destrozaron el corazón”, que contienen todo ese cóctel de ingredientes del género, pero es en sus temas más melódicos donde se llevan la palma y se les presta más atención (“No soy tu tipo” o “Diana no volverá” son ejemplos de ello). Eso significa que reconocemos que sus letras tienen gracia, en algún caso incluso pueden hacerte sonrojar, pero en ningún caso pronunciaremos la palabra de horrible significado “comerciales”. Por lo menos hasta que no formen parte de la banda sonora de alguna serie de televisión. Marcos Martín

FERRAN FAGES

“Al voltant d’un paral·lel” Etude

EXPERIMENTAL

1114

Escuchar cualquier disco del barcelonés Ferran Fages significa entrar en un universo totalmente particular. Y es que en primera instancia, para aquellos que no sepan nada de este guitarrista, habría que avisarles que, cuando toca, pasan más bien pocas cosas. Pero, ojo, no en el sentido de vacuidad, sino más bien por su renuncia voluntaria a un discurso formal aparentemente corriente con el que -bien mediante elipsis, bien mediante reduccionismos o ausencias- lanzar pequeñas frases de espectro jazzístico y acotado lenguaje que instan a paladear el sonido. Un lugar donde los silencios se erigen en pequeños nudos recubiertos de una pátina melodramática y contemplativa avanzando en solitario hacia un entorno experimental impregnado de una personal independencia. Un ente musical autónomo -bizarro para la mayoría, seductor para unos pocos-, reducto de esa vanguardia que, desde hace años y sin aspavientos, intenta cultivar sus ideas en pro de lo desconocido. Un objetivo que, a tenor de cómo está el panorama actual, debería ser valorado cada vez más. Francesc Feliu

(MondoSonoro · Noviembre 2009 /47/ vinilos)

un disco más de pearl jam PEARL JAM

“Back Spacer” Universal

ROCK

1114

Nada nuevo bajo el sol. Siguiendo la estela del anterior, el nuevo de Pearl Jam recoge buenos momentos, algunos incluso inspirados, pero no es para nada una obra definitiva, redonda y ya no digamos maestra. Es un disco más de una banda acomodada en el olimpo de los ganadores. Y eso que empieza con un par de buenas y furiosas canciones (sobre todo la magnífica “Got Some”) para enlazar con un single algo atípico como “The Fixer”, una canción que podrían haber firmado con gusto los Foo Fighters de Dave Grohl. Aunque no es hasta llegar a la algo ramplona “Johnny Guitar” cuando la sensación de hallarte ante otro disco más se empieza a perfilar como una certeza. A continuación, un ejercicio de obviedad supino al colocar, “Just Breathe”, una balada con acústica en la línea de lo compuesto por Eddie Vedder en la banda sonora

de “Into The Wild”. Bonita, pero sin llegar a emocionar. La cosa mejora con “Unthought Known”, uno de los mejores cortes del conjunto forjado a base de un logrado crescendo al que se van añadiendo instrumentos. Más tarde nos encontramos con “Force Of Nature”, un gran tema compuesto por un McCready que se prodiga poco, pero que cuando lo hace lo borda. Si “Back Spacer” tuviera más temas de este nivel, otro gallo cantaría. Aunque el sabor boca es agridulce, se queda uno con la sensación de que podría haber sido mucho mejor, pero también lo contrario. Don Disturbios

Pearl Jam Foto Archivo

BEBE

OHBIJOU

KEVIN COSTNER & MODERN WEST

BADDIES

THE PASTELS/ TENNISCOATS

EMI

Bella Union

Republic/Universal

Medical/Mastertrax

Geographic

“Y.”

ROCK

“Beacons”

1114

Cinco largos años ha tardado Bebe en darle continuidad a la exitosa sorpresa que supuso su primer disco, “Pafuera telarañas”. Un lustro en el que han sucedido muchas cosas. Para empezar la venta de discos se ha venido abajo y augura de antemano que repetir el éxito pecunario del primero es imposible. Sin embargo, sí es posible, y además va a pasar con total certeza, repetir éxitos en cuanto a repercusión mediática se refiere. No en vano este nuevo trabajo es bastante mejor que el primero aunque no contenga canciones que auguren un single de masas como la archiconocida “Malo” o la oportuna (que no oportunista) “Ella”. De hecho es un disco mucho más íntimo y sincero. Un disco de esos que se escribe en primera persona y aspiran a dejar huella en el corazoncito del oyente. Lo consigue. Tras un inicio espectacular (preciosas “No llorá” y “Me fui”), Bebe se mueve con mayor seguridad y paso firme en terrenos que han explotado con anterioridad otros autores de la escena patria como Albert Pla (“Sin sentido”), La Mala (“La bicha”), Robe Extremoduro (“Qué mimporta”), pero también cantautores de la sensibilidad lírica de Jorge Drexler (“Busco me”). Don Disturbios

POP

“Untold Truths” 1114

Nata agria con una pizca de azúcar es a lo que sabe este disco de melodías al servicio de canciones que avanzan. “Intro To Season” abre como si de unos Metric con limitador de corriente se tratase, y escuchar “Wildfires” podría servir como ejercicio de prácticas en una academía para indies. Tiene un primer minuto a cuyo nivel se llega sin problemas, y a partir de ahí Casey Mecija hace crecer la canción con ingredientes que a veces parece que fueran secretos: composición, tensión narrativa, ritmo, música. Muy bien. “Black Ice” añade orquestación, “Cannon March” recuerda a Tanya Donelly y “Thunderlove” es directamente preciosa y vuela gracias a un tratamiento instrumental contenido pero loco por desatarse. También hay pop del de bailar con los brazos abiertos, como en “New Years”, con sus pizzicatos a lo Andrew Bird, y algún receso acústico, como en “We Lovers”. “Eloise & The Bones” confirma la lección: manteniendo la sencillez melódica, la cosa crece sin necesidad de gorgoritos o repeticiones con pegotes de maquillaje. Una vez más, importa lo intangible de los pespuntes bien hilados. Jorge Ramos

COUNTRY

Actor protagonista en algunos de los bodrios fílmicos más infumables de las últimas dos décadas. Autoaclamado director de una de las demagogias en celuloide más ñoñas jamás contadas. Productor del mayor fiasco comercial de la historia del séptimo arte. Y ahora reconvertido en cantante country en una formación que, como mucho, optarían al premio de “Eagles de tercera división”. Al amigo Costner alguien le explicó lo del concepto de artista renacentista. Pero ese alguien olvidó mencionar que para ello se requería talento. Parece que Kevin lleva en realidad casi dos décadas con estos Modern West dando rienda suelta a sus aspiraciones musicales, pero ha sido ahora cuando ha decidido plasmarlas en estudio. Hasta en seis de los temas el propio Costner participa de las labores de composición, siendo el resto obra de sus compañeros de banda. Si lo miramos desde el prisma optimista, diremos que el disco, pese a todo, se deja escuchar. El problema son los centenares, miles, de artistas que han acudido a las mismas raíces para formularlas de manera más creativa, más atractiva e inspirada. Robert Aniento

“Do The Job” ROCK

“Two Sunsets” 111

Aunque se pasaron por Barcelona, no he tenido oportunidad hasta la fecha de enfrentarme en directo a Baddies, uno de esos grupos británicos que está causando un relativo revuelo desde la autoedición. Me gustaría haberlo hecho para descubrir si en concierto tienen ese algo especial que no poseen en estudio. Auténticos émulos (sobre todo estéticamente) de The Futureheads, de quienes sí captan la potencia, pero no las posibilidades melódicas, Baddies son capaces de firmar algunas piezas de rock vitaminado de querencia post-punk cuando más empeño le ponen (en su terreno “Battleships” es un buen single, sin duda, y ahí están otras muestras como “We Beat Our Chests”, “To The Lions” o la espasmódica “Holler For My Holiday”). Pero algo falla. Escuchándoles una y otra vez la torre no se desmorona, pero sí se agrieta y uno acaba entendiendo que su lugar está en algún universo perdido entre los lectores británicos de NME y Kerrang!, ladeando la balanza hacia los segundos. Eso sí, tiene mérito lo mucho que han trabajado en su propia promoción y el que hayan decidido cerrar las puertas a todas las ofertas de multinacionales que se les acercaron. Joan S. Luna

POP

1111

Miren, parafraseando a la Esteban, yo por los Pastels maaaa-toooo. Así que ya se pueden imaginar un poco por dónde irán los tiros de esta crítica. Ahora bien, lo mejor de todo es que el disco que los escoceses han sacado con Tenniscoats, grupo japonés de pop tranquilo, es tan bueno que no hará falta que les venda la moto. Y es que sólo hay que escuchar los primeros acordes de la muy Hydroplane (¿alguien se acuerda de este maravilloso grupo australiano de los noventa?) “Tokyo Glasgow”, para comprobar que “Two Sunsets” es un disco de pop bonito y calmado que hace honor a su nombre. Aquí lo que hay son canciones preciosas para las puestas de sol. Quizás las mejores que se han hecho nunca. La asociación entre los dos grupos funciona a las mil maravillas y vuela alto en canciones como “Vivid Youth” (una maravilla de soul blanco que es, desde ya, una de la mejores cosas que han hecho nunca), “About You” (con un Stephen Pastel estelar a las voces), o “Two Sunsets” (donde Saya, vocalista de Tenniscoats, hace que nos convirtamos en fans de los japoneses). Lo dicho, más que un divertimento entre amigos, un disco de pop bonito a rabiar. Xavi Sánchez Pons

(vinilos /48/ Noviembre 2009 · MondoSonoro)

surfjan stevens se pone clásico THE HICKEY UNDERWORLD “The Hickey Underworld” Naïve

ROCK

Surfjan Stevens Foto Archivo

SUFJAN STEVENS “The BQE”

SUFJAN STEVEN & OSSO “Run Rabbit Run”

Ashmatic Kitty/Popstock!

ORQUESTAL

1114

No será el maná que esperábamos, pero al menos sí un aperitivo con el que entretener el paladar mientras llega el plato principal, cuyo retraso nos tiene dudando del buen fin del ambicioso proyecto de Sufjan Stevens, un disco por cada uno de los cincuenta estados de la nación, algo que parece descartado de momento. Lo que sí sabemos es que a finales de año está prevista la edición de un nuevo álbum, “Music For Insomnia”, del que ya ha empezado a ofrecer algunos temas en sus directos. En cuanto a “The BQE” y “Run Rabbit Run”, están más cerca de la música clásica que del pop. Aunque el primero parte de la grandilocuencia de Stevens en los arreglos de “Illinoise” (Ashmatic Kitty, 05) y toda una serie de referencias que le resultarán familiares a todo el

mundo como parte de su universo, “prototipado” en las Hooper Heroes, las tres amazonas del hullahop que protagonizan la película y performance que Sufjan rodó por encargo de la Brooklyn Academy Of Music dedicada a la Brooklyn-Queens Expressway. Especialmente fascinante en DVD, “The BQE” superpone colorismo y expresividad orquestal sobre imágenes suburbanas cargadas de alquitrán y cemento, con más motores que humanos. El resultado, es sorprendentemente infantil y tierno y muestra las deudas de Stevens con las bandas sonoras de los dos grandes Johns (Barry y Williams). Publicado simultáneamente, “Run Rabbit Run” es la reconstrucción nota por nota de “Enjoy Your Rabbit” (Ashmatic Kitty, 01), uno de sus primeros discos, originalmente grabado con instrumentos electrónicos y ahora recreado por The Osso String Quartet. Está más allá de mis posibilidades valorar unos arreglos que entran directamente en el terreno de la clásica contemporánea, pero como experiencia el disco es, de nuevo, sobresaliente. ¿Qué opinarían de este disco en un conservatorio? No tengo ni puta idea, pero sí mucha curiosidad. Joan Cabot

LA EXCEPCIÓN

FROST

G.A.S. Drummers

La Excepción

Insideout/SPV

Red Vanette Music

“La verdad más verdadera” RAP

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Me da por pensar que La Excepción es uno de los pocos grupos de rap españoles que ha hecho un verdadero rap de barrio. De barrio, no de wood americano, porque Pan Bendito no es South Central y en muchos de esos sitios la vida es dura y esforzada pero no hasta el punto de que no podamos echarnos unas risas en el parque, poner nombrecillos graciosos a los colegas y disfrutar de las cosas buenas de la vida, que también las hay. Va con el carácter patrio y es probablemente lo mejor que tenemos. La vida es chunga, sí, por eso no es necesario que nosotros lo seamos más. La Excepción son de esa casta, de los que se resisten a ser otra cosa que lo que son. Y de esa pasta está hecho “La verdad más verdadera”, su primer trabajo después de dejar Zona Bruta tras una agria disputa legal. Alterna cal y arena, denuncia y rimas que desarman por su ingenio y, especialmente, gracias a esa ironía que parece inmunizarlos ante las cornadas. El Langui, Gitano Antón y La Dako Style están por encima de todo eso. Es lo que los convierte de verdad en algo excepcional. Joan Cabot

“Experiments in Mass Apple” METAL

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Frost son todo un descubrimiento. Y deben serlo, porque aparte de que apenas unos cuantos privilegiados sepan de su existencia (hasta el momento sólo contaban con un Ep en su currículum, “Milliontown”, publicado en 2006), su capacidad para aportar frescura al metal progresivo, a juzgar por lo oído en este primer largo, es realmente memorable. Una cualidad enriquecida con la introducción de diversos elementos, entre ellos hard-rock, rock de los setenta -AOR incluso- y rock progresivo, que al final quedan rejuntados en una misma envolvente, cuidada en grado sumo y mimada para que sus resultados finales sólo produzcan canciones mayúsculas. Situados en un punto intermedio entre los dos actuales reyes indiscutibles del género, es decir, Dream Theater y Porcupine Tree, y, por tanto, sin caer en sus excesos épicos, barroquistas o pop-rockeros, el quinteto del Reino Unido ha sabido dar en el clavo con un discazo de aura tristona y melancólica, imaginativo en algunas de sus soluciones y complejo en estructuras, pero muy accesible en melodías. Un afortunado trabajo que hará disfrutar de lo lindo a los aficionados. Garantizado. Francesc Feliu

“Decalogy” ROCK

1111

Tres años hace desde que editaran para B-Core aquel “Standards Down”, un disco que debería haber cosechado mayores atenciones de las que obtuvo. Ahora nos llega su quinto trabajo de estudio, y lo hace de la mano de su propio sello, aunque al que no han abandonado es a Paco Loco en las labores de producción, quien también ha colaborado con guitarras y teclados. Y si nombramos a Paco Loco, debemos hablar de otros ilustres participantes en el disco; nombres como los de Dave Smalley (Dag Nasty, All, Down By Law), Paul Lazar (Gotan Project) o Muni Camón. Pero los discos, sin buenas canciones, ya pueden tener todos los adornos posibles que no convencen, y “Decalogy” lo hace. Son muchos años, muchos conciertos y muchos los kilómetros que estos andaluces llevan a la espalda. Eso ha provocado una clara amplitud de miras patente en estas trece canciones. Sin perder nada de la energía punk rock de la que son valedores (sus conciertos son inolvidables) la banda a ratos se pasea con total desparpajo por el power pop, por melodías más propias de Gigolo Aunts o Teenage Fanclub. Sin duda, su mejor trabajo. Rafa Angulo

111

Como si los Pixies hubieran tenido un mal día en lo personal, correcto en lo musical y azaroso en lo lírico se presenta The Hickey Underworld con su primer y homónimo disco. Inundando todo cuanto encuentran a su paso de un rock que tan pronto adquiere tintes de aquello que se dio en llamar grunge y posteriormente evolucionó a cierta forma de aquello llamado stoner, en cualquier caso sonando limpios a través de la suciedad, los de Amberes forman un conglomerado en el que no es difícil tampoco adivinar ciertos dejes a lo Jesus Lizard o el nervio DC. Es cierto que temas correctos como “Blonde Fire” (esas baterías tan marciales) o “Zorayda” alternan con otros faltos de toda mordiente como “Future Words” y que, a medida que avanza el reloj, el peso del debut y el lastre de la heterogeneidad de las primeras composiciones cae como una losa sobre los belgas, pero en definitiva se trata de una aceptable carta de presentación de una banda que parece haberse ganado el derecho a ser escuchados en próximas entregas. Nacho P.L.

KURT VILE

“Childish Prodigy” Matador/Popstock!

ROCK

1114

Si una tarde mezclas tu tedio con un cuarto de doble gota y pinchas a Guided By Voices, Syd Barrett, el tercero de los Zeppelin y algún bluesman con armónica, puedes acabar viajando por la cuarta dimensión sin billete de vuelta. Kurt Vile parece haberlo hecho, pero él volvió con un nuevo álbum en solitario, el segundo de este año 2009 junto a “God Is Saying This To You”. Y con él, el joven de Philadelphia ha conseguido poner su nombre entre los tipos más interesantes del lo-fi y el indie-rock de tintes experimentales. Sus compañeros de proyecto paralelo, la banda War On Drugs, secundan sus directos acompañándole (casi toda la formación) bajo el nombre de Violators. La espesura lisérgica de “Overnite Religión” o la trompeta nocturna de “Amplifier” empujan al rincón psicodélico más agradable del álbum. Agresivo a ratos –su “Freak Train” parece arrastrado por la vieja locomotora de Morphine-, también reserva arpegios acústicos y reverberaciones vocales que conducen a fórmulas más somníferas y dóciles. Lo que continúa siendo una constante es su intencionado sonido chapucero, su deliberada precariedad. Luis Argeo

MANU CHAO

“Baionarena” Because Music

MESTIZAJE

11111

Ya llegó, ya está aquí el esperado disco en directo de Mr. Chao. Un servidor, que ha seguido con pasión, respeto y entusiasmo su carrera, no puede más que darle la bienvenida al frenetismo, el pulso, el nervio y la tensión más real y física que se puede mostrar y desplegar a día de hoy sobre un escenario. Si tuviera que resumirlo en una palabra esta sería: locura. Y todo ello a lo largo de más de dos horas repartidas en un doble disco y un DVD de la actuación que protagonizaron Manu

Chao y sus Radio Bemba en la Plaza de Toros de Bayona el 30 de julio del año pasado. Un concierto en el que, como es habitual en sus puestas en escena, no tienen tanto valor las canciones escogidas individualmente como el despliegue global basado en una frenética base rítmica que es en sí misma un estilo y la guitarra asesina de un Madjib Fahem que se ha convertido en un verdadero animal de las seis cuerdas. Son un total de treinta tres canciones que parecen el preludio del cierre de una época en la que Manu Chao ha reinado en esto del rock mestizo muy por encima del resto de compañeros de viaje. Y aunque es verdad que por culpa de sus proclamas y compromiso se ha ganado más de un enemigo o detractor, no es menos cierto que en la actualidad existen muy pocos grupos con un motor tan preciso, una auténtica bomba de relojería capaz de volver del revés cualquier auditorio. Don Disturbios

SAVATH Y SAVALAS “La llama”

Stones Throw

POP

1114

Que Guillermo Scott Herren es un culo inquieto capaz de canalizar su creatividad en un sinfín de proyectos como esa desmembración hip hopera que responde al nombre de Prefuse 73 o su próxima banda a la vista, Diamond Watch Wrists, es un secreto a voces. Después de sacar a la palestra su español macarrónico en el fallido “Golden Pollen”, Herren vuelve a aliarse con Eva Puyuelo cinco años más tarde de que viera la luz el melodramático “Apropa’t” para retomar el paseo costumbrista de carácter catalán que dejaron incomprensiblemente en stand by. Sus paisajes sonoros siguen evocándonos espacios donde el folk y las pinceladas de electrónica fantasmagórica casera se cogen de la mano dotando a lo aparentemente incompleto de una coherencia abismal (en su conjunto) digna de alabar aunque no nos lo ponen fácil, todo sea dicho, a pesar de que en “No despierta” bajan a la tierra para hablar nuestro mismo idioma. Los ecos preciosistas de “Las 7 sendas”, el ya antológico “merda, sorry” que supone el cierre de “Una cura” o ese asfixiante ahogo emocional tildado de “La llama” vuelve a unificar un dúo condenado a entenderse por los viejos tiempos vividos. Sergio del Amo

THE USED “Artwork”

Reprise/Warner

ROCK

111

Que no les lleve a engaño su arranque vigoroso, pues no deja de ser un espejismo respecto al resto del contenido del álbum. Y es que este séptimo trabajo del cuarteto de Utah viene dominado por los medios tiempos joviales y los temas acaramelados. Una afirmación que si bien puede desanimar a muchos de sus primeros seguidores, quizá no tenga una lectura tan negativa para la banda, pues The Used, como bien han ido demostrando a lo largo de sus ocho años de carrera, saben sacar partido de todos los terrenos por los que se mueven, y eso incluye tanto sus vertientes más comerciales como sus partituras más guerrilleras. Bien es cierto que el disco, en conjunto, no está a la altura de otros trabajos, como su formidable debut homónimo, pero es en esa irregularidad, en ese conjunto descompensado por el exceso de azúcar, donde sobresalen algunas melodías y riffs imposibles de poderte sacar de la mollera en días. Un trabajo quizá demasiado enfocado a un sector de público muy concreto, pero con bastantes momentos brillantes y tan resultón que no debería ser obstáculo para el reconocimiento general. Francesc Feliu

(vinilos /50/ Noviembre 2009 · MondoSonoro)

la procesión de los corazones negros LEX MAKOTO

“Rojo Calor Fuego” Manufacturas sonoras

ROCK

1114

Un cambio de registro, un lavado de imagen, eso es lo que pensaron los miembros de Fistfuck Supershow cuando decidieron emprender la aventura de Lex Makoto, y eso que ya tenían un cierto camino recorrido, pero… de perdidos al río. Lex Makoto aúna en este “Rojo, Calor, Fuego” todo lo mejor del rock clásico en sus guitarreos empedernidos, sus letras directas y sinceras rasgadas en la voz de Toño y unos escarceos funk-metal seña de identidad de FS y que, por momentos a uno le recuerdan a aquellos madrileños bien paridos que fueron los extintos Superskunk. Si el público se toma en serio el rock y se deja llevar por la energía de Lex Makoto, oirán temas que suenan directos y efectivos que te golpean en las entrañas, allá donde descansan los clásicos, como “Animal” o “Cucumber Nauta”. Ahora bien, Lex Makoto también cuentan con una vertiente más pegadiza como la que se vislumbra en “Artista de paso” o “Ivana Tramp”, tema este último con el que acabarán de convencer a los más desconfiados. A estos madrileños les empieza a soplar el viento a favor, así que no les dejemos pasar. El profesor Makoto Ibusuki puede descansar en paz. Marcos Martín The Black Heart Procession Foto Archivo

THE BLACK HEART PROCESSION “Six”

Temporary Residence/Popstock!

ROCK

1111

La sexta entrega de la banda de San Diego, que encuentra ahora acomodo en el seno de Temporary Residence tras el cese de actividad de Touch & Go, no puede arrancar mejor: “When You Finish Me” crece a partir de un sencillo motivo de piano que trae a la cabeza el “Für Alina” de Arvo Pärt, sostenida por un crescendo de cuerdas devastador y la derrota sentimental encajada en todas y cada de una de las palabras de Pall

BEDROOM

“No dejes que el sol se ponga sin tu permiso” Foehn

FOLK

1114

Albert Aromir, Bert para los amigos, tiene algo de lo que no todo el mundo puede presumir: tanto ejerciendo de ilustrador como de cantautor consigue penetrar en nuestros dormitorios y acercarse como un amigo o incluso como si fuese nuestro subconsciente el que nos cantara. Tiene una aura especial, evocadora de múltiples sentidos. Con un trazo pop ingenuo en ambas disciplinas, su máxima se convierte en evocar con austeridad el máximo de sensaciones cotidianas y lo hace con un lenguaje de andar por casa, acorta las distancias hasta el punto que parece que esté in situ con su guitarra sentado al lado de la cama o que salga de la grabadora para después esfumarse. Será por el rito que tiene de grabar en baja fidelidad ya sea en su cuarto de Tossa de Mar, su estudio habitual o en otras madrigueras. Aunque su acústico sea mínimo, Bert es como un hombre orquestra: lo toca todo. Seis temas en castellano que se han convertido en el prólogo de lo que será su segundo álbum, que por contra será en catalán. Celestí Oliver

A. Jenkins. Preciosa. No es el único logro de un álbum que, de alguna forma, renuncia a la mayor apertura estilística de sus últimas referencias para volver a ocupar ese espacio de la “América gótica” en que les ubicaron sus tres primeras referencias. Jenkins y Tobias Nathaniel se quedan solos al frente del proyecto, lo que no da en un disco más desnudo (el violín de Matt Resovich de The Album Leaf, aún sin haberse ganado todavía la categoría de miembro de pleno derecho, protagoniza buena parte de los momentos más intensos) pero sí en una solemnidad que aún les conecta con los Bad Seeds más líricos, sí, pero también con el fantasmagórico Matt Elliott de la trilogía del alcohol. Luis J. Menéndez

JORI HULKONNEN

JULIETTE LEWIS

Turbo

Roadrunner/Divucsa

“Terra Incognita”

“Man From Heart” ELECTRÓNICA

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Décimo álbum de estudio de este veterano y prolífico Dj y productor finlandés, que, tras desarrollar íntegramente su carrera discográfica en el difunto sello francés FComm, que comandó durante tantos años Laurent Garnier, nos presenta ahora su nuevo trabajo en Turbo, el label de su amigo el canadiense Tiga, con quien ya había editado algún Ep en común con anterioridad (entre ellos su aclamada relectura del hit disco “Sunglasses At Night”). Este “Man From Hearth” es realmente una compilación de cortes que iban a ver la luz en formato doce pulgadas, pero que al final fueron compilados a modo de larga duración, de ahí la gran variedad de estilos que toca el finlandés durante los doce cortes que componen su nuevo trabajo. Toda una reválida para Hulkonnen tras algunos trabajos irregulares y de los que aquí pretende resarcirse tirando de house, caso de “I’m Dead”, de pista pura y dura, “I Dance To Your Bass, My Friend” o de cortes mestizos y difíciles de encasillar con un pie fuera de la dancefloor, caso del tema que da nombre al disco. José Manuel Cisneros

ROCK

1114

Su primera referencia sin el acompañamiento de su grupo habitual hasta la fecha, The Licks, viene respaldada nada menos que por Omar López Rodríguez (The Mars Volta), tanto en las labores de producción como formando parte de este cuarteto de músicos apodados The New Romantics con el cual la Lewis ha colaborado estrechamente en las labores de composición. Un cambio que, por supuesto, ha influido -y bastante- en su vertiente musical, puesto que aquí sus pretensiones se han visto evolucionadas y maduradas hacia una manera de hacer rock menos inmediata, reenfocada indistintamente hacia referentes de la psicodelia de los setenta y del poprock y el grunge de los noventa, que restan mucho protagonismo a ese rock’n’roll visceral de sus anteriores discos. Como resultado, un trabajo que respira libre en atmósferas diversas, gracias a un cuerpo complejo, heterogéneo y de tez oscura, con un componente emocional adicional ligado al blues que lo asocia más que nunca a las genialidades de féminas como PJ Harvey o Janis Joplin. Su mejor obra hasta la fecha. Francesc Feliu

THAT FUCKING TANK “Tanknology” Gringo

POST-HARDCORE

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Aparte de su apego al post-hardcore y al rock de sonido grueso, otro apartado musical en el que podíamos englobar a un grupo como That Fucking Tank sería en de los duetos instrumentales, porque algo hay en este tipo de formaciones que las hace ser diferentes al resto. Y si en este sentido es fácil advertir como la falta de recursos y las limitaciones propias de algunas de estas bandas minan su capacidad de sorpresa o de renovación en pro de discos reiterativos y cada vez más olvidables, resulta que este par de ingleses en “Tanknology” logra superar con creces ese tipo de dificultades. Porque en esta tercera grabación del batería y el guitarrista, pese a tocar palos muy parecidos a los ya establecidos en sus dos anteriores álbumes (quizá menos rotundos en su corpulencia), han sabido reinventarse aventurándose por una senda más fantasiosa que les lleva hacia una mayor creatividad, así como ahondar en una innovadora capacidad para la sugerencia que canaliza la visceralidad en múltiples y distintas vías. Un acierto que esperemos muchos otros tomen como ejemplo. Francesc Feliu

YOUNG FRESH FELLOWS “I Don’t Think This Is” Munster Records

POP

1114

Scott McCaughey es desde hace años miembro de facto del gigante R.E.M., pero de vez en cuando juega a sacar un disco con el que él mismo considera su grupo de verdad, los míticos (y desconocidísimos para el gran público) Young Fresh Fellows. Munster edita una vez más en España la nueva entrega de los de Seattle, una tremenda colección de canciones vitalistas y

pegadizas que se antojan como perfectos ejercicios amateur de estilo entre el rockabilly, el rhythm and blues arrollador de The Kinks y el pop clásico de guitarras, definición que nunca deja de provocar gran placer al confirmar su vigencia, aunque pueda ser utilizada para todos sus discos. Pepinazos como “New Day I Hate” hacen recordar la deliciosa locura que fue Fastbacks, otros como “Go Blue Angels Go” justifican por qué unas palmas bien metidas son el mejor instrumento del mundo, y regalos como “Lamp Industries” vuelven a reivindicar que menos es más, que el rock and roll se formuló uniendo guitarras amplificadas y un ritmo de batería concienzudo con las líneas melódicas del viejo blues. Una fórmula, aún hoy, de recorrido infinito. Jorge Ramos

ZENTTRIC Zenttric EMI

POP

111

No hay nada peor que empezar a comparar a los grupos según su forma de caminar. Vamos que por llevar una pose determinada las comparaciones salen de debajo de las piedras. Y ya se sabe, la mayoría de veces son odiosas. Este es el caso de Zenttric, un cuarteto bilbaíno que nos trae su primer disco envuelto en un aura post punk que, según se va desarrollando, se difumina. Hace ya unos meses que su primer single, “Solo quiero bailar”, lleva sonando en todas las radiofórmulas del país con un éxito relativo, aunque de hecho no esté entre lo mejor del disco ni de largo. Temas como “Limousine” o “Fácil” demuestran hacía donde puede dirigirse en el futuro este cuarteto bilbaíno. Canciones con estribillo pegadizo y de las que te hace mover. El abc del pop, vamos. El problema es que el resto del material no está a la altura, no aporta mucho más y se queda en un puñado de canciones correctas, aunque muy cuidadas. Se agradecen las letras en castellano y la exquisita producción (a cargo de Nigel Walker), pero por mucho que se les intente comparar con Bloc Party, están muy lejos de acercarse. Lo de Zenttric tiene más de pop sencillo y pegadizo con sus momentos bailables. Marcos Martín

GLISSANDO

“Records del futur” Discmedi

POP

111

Tras “Records del futur” se esconde un título muy revelador. A principios de siglo, Glissando demostraron que había vida más allá de la dañina y malinterpretada etiqueta “rock català”, y con una escasa repercusión mediática, lograron avanzar con un sonido propio, algo así como indie-pop cantado en catalán. Aquello era la música del futuro, un estilo al que se irían añadiendo cada vez más grupos hasta nuestros días. Es ahora pues, cuando merece la pena recordarlo. En esta agradable explosión de bandas de pop cantado en catalán, faltaba la vuelta de Glissando. “Ara ja hi som tots” (ahora ya estamos todos), podríamos decir. Sin embargo, hay que reconocer que si “Records del futur” fuese el disco de debut de Glissando, se les trataría –quizás injustamente- como un grupo más en esta vvnueva escena. A pesar de ser un poco irregular, el álbum suena mucho más electrónico que los trabajos anteriores. Los cuatro años de pausa les han ido bien para encontrar un sonido definitivo, pero tampoco hacía falta incluir canciones de relleno como “Geonauta” o “Patitas”, en lugar de buscar nuevos temas dignos de la frescura de “Marmotes”, “Petita Iyasha” o “Dolces tardes de dijous”. Una de cal y una de arena. Blai Marsé

(MondoSonoro · Noviembre 2009 /51/ vinilos)

BRAND NEW SINCLAIRS “Ten Blue Pills” Bip-Bip Records

ROCK

111

Las comparaciones son odiosas, pero es imposible evitarlas. Suena el disco de debut de esta banda vizcaína y me vienen a la cabeza unos Tokyo Sex Destruction prescindiendo de la actitud punk y con una cantante femenina al frente. Y eso no es todo: sea por casualidad o por homenaje a John Sinclair (ex-manager de MC5) las comparaciones aun se hacen más odiosas al descubrir que los miembros de ambos grupos se apellidan Sinclair tras sus nombres reales. Hecho el preámbulo, pasemos a la acción: lo bueno de “Ten Blue Pills” es la combinación de melodías pop con guitarras garajeras, pero lo malo también es esto. Carecen de agresividad para ser un grupo garajero, pero tampoco se les puede considerar una simple banda de pop. Brand New Sinclairs son una formación elegante, tienen buenas ideas y desprenden una aroma cercana al soul y al rhythm&blues, aunque a la voz principal le falta actitud y cierta personalidad, algo que con el tiempo se acaba logrando. Eso sí, hay que considerarlos un grupo aparte y felicitarles. Blai Marsé

EVERY TIME I DIE

“New Junk Aesthetic” Epitaph/Pias

HARDCORE

1111

“The Marvelous Slut”, segundo corte de lo nuevo de Every Time I Die nos da el respiro necesario tras tres minutos de un primer tema más pesado y denso de lo acostumbrado en los de Buffalo: siguen siendo unos macarras de tomo y lomo. Quienes adoren discos como “Hot Damn!” o “Gutter Phenomenon” pueden hacer una compra segura (no sean roñosos, diseños y temas como los de Every Time I Die valen más de los quince euros que pagarán) y apostar por otro manual de acrobacias guitarreras que no pierden nunca el norte, urgencias que a veces cesan y no sólo para dotar al metal de ese acento sureño que tanto les gusta, sino para poner algo de gancho melódico a una gran canción de rock como es “Wanderlust” y para devolver a una de las mejores bandas norteamericanas de hardcore de la última década a un pódium que nunca deberían haber abandonado en honor a la verdad. “New Junk Aesthetic” es un disco que hace irresistible la (re) unión de la gran minoría de locos que cada vez que oímos a ETID sentimos la fe en ese marasmo de desasosiego y colores negros y chillones que es la vida diaria a ritmo de sucia zapatilla. Nacho P.L.

DAN MICHAELSON & THE COASTGUARDS “Saltwater”

Memphis/Nuevos Medios

AMERICANA

1114

Un inglés con una voz prodigiosa deja de lado su banda de rock (Absentee) para empezar un proyecto más personal. Hasta aquí todo normal, pero el chico es muy listo: se rodea de músicos de bandas como The Broken Family Band, The Magic Numbers y The Rumble Strips (trompeta y

saxo) para formar su banda de acompañamiento, The Coastguards. Partiendo de esta base, nos encontramos con un disco de los que te escuecen en el alma, te rasguñan, y te van presionando hasta emocionarte. La voz oscura, rota y delicada de Dan Michaelson commueve tanto como la de Kurt Wagner (Lambchop) o la de Howe Gelb (Giant Sand). Ahora bien, la esencia que envuelve “Saltwater” nos hace viajar de pleno al universo propio de Leonard Cohen. Canciones como “I Was A Gentleman”, “Bust” o “The Letter” son elegancia y poesía coheniana, mientras que “Ease On In” es un agradable bálsamo para el oído. Dan Michaelson es un británico que ha crecido escuchando country-folk americano y se perfila como un nuevo talento a seguir de cerca. Sin duda, una de las sorpresas más tristes (y agradables) de estos meses. Blai Marsé

la gimnasia emocional de ramón rodríguez

FLAVIO RODRÍGUEZ “Eléctrico”

Little Red Corvette//WOK

R’N’B

1111

Si en “Flaviolous” (BOA, 07) ya era evidente el descaro con el que el barcelonés Flavio Rodríguez abordaba un género no siempre bien comprendido ni ponderado por aquí como el R’n’B, “Eléctrico” va a ponerle los pelos de punta a más de uno, y no precisamente por su carga electroestática. Que quede claro: absténgase todo aquel que piense que Usher, D’Angelo, Musiq Soulchild, R. Kelly o, por qué no, Mary J. Blidge, Aaliyah y compañía no son más que acaramelada basura comercial. Esto no es para ellos. Los que sean capaces de superar los prejuicios se encontrarán con un absorbente combinado de pop, funk y electro retrofuturista. Rodríguez y JC Moreno han dado otra vuelta de tuerca a lo expuesto en su debut, empujando su sonido al ritmo del boogie del mañana, homenajeando en el camino la música de Zapp, Hashim y Arabian Prince en un álbum de un atrevimiento y audacia poco comunes en este país. Flavio Rodríguez sabe con qué se maneja. Y “Eléctrico” es todo un logro. Sitúa el listón en un lugar que obligará a cualquiera que quiera seguir sus pasos a dar lo mejor de su talento y además barre de un caderazo cualquier viejo complejo. Joan Cabot

OS MUTANTES

“Haih... Or Amortecedor...” Anti/Pias

ROCK

1111

Cuando una canción de Os Mutantes se usó para vender hamburguesas en televisión torcimos el gesto. Cuando se anunció un nuevo disco de la banda nos sorprendimos. Cuando lo escuchamos sonreímos y la sonrisa todavía dura. Dura porque Sergio Dias sigue estando tan cuerdo como loco, por lo grande que es Tom Zé a sus setenta y dos años, porque el espacio sideral sigue siendo verde como la jungla, por la ingeniería de ensamblaje generacional, porque la ironía y la imaginación continúan su idilio, porque seguimos entendiendo su desprecio por el ofrecimiento de Cobain, porque así de simple debería sonar un disco con tanto sinsentido aparente, porque Bia Mendes sabe defenderse de Rita Lee, porque nada es lo que parece en un universo del que una vez dentro no se sale nunca, por el asesinato de la pedantería por parte de la música con mayúsculas y sobre todo porque “Haih…” es una impecable manera de homenajearse a sí mismos, ampliando la mansión de su carrera con una habitación de lujo en lugar de ensuciarla con un trasto innecesario. Casi una obra maestra como las de hace cuarenta años. Nacho P.L.

The New Raemon Foto Lyona

THE NEW RAEMON

“La dimensión desconocida” B-Core

POP

11114

Todos somos conscientes de que el hombre es el único animal que tropieza dos veces con la misma piedra. Y aquí seguimos. Con The New Raemon hemos cometido dos errores. Primero, en el momento de su edición, infravaloramos su primer y fantástico larga duración “A propósito de Garfunkel”. Ahora, no mucho después, le negamos una portada que, sin duda, este “La dimensión desconocida” se merece. ¿Y qué motivos o razones tengo para ser tan radical? Fácil, los veintiocho minutos sobre los que estoy escribiendo. Ramón Rodríguez parece tomarse todo a pitorreo (los chistes, las bromas a costa de su nombre, la

forma de encajar frases hechas en los textos…), pero sus canciones son cosa seria y cada día más personal. Dos o tres minutos que evitan el malditismo habitual del cantautor, que huyen del enquistamiento del concepto mismo en nuestro país (cuánto daño ha hecho Nacho Vegas, por Dios), que evocan miserias con un optimismo estremecedor, piezas en las que uno se sumergue y no hace suyas porque uno no encontraría mejores palabras para transmitir lo que él nos dice con pasmosa facilidad. Eso sí, “La dimensión desconocida” suena más a grupo y menos a cantautor, más a disco meditado, dando forma a un trabajo más equilibrado que “A propósito de Garfunkel” y con composiciones (“Por tradición”, “El fin del imperio”, “La recta final” o la ya conocida “Sucedáneos”) que, pese a no ser tan directas, emocionan tanto como lo hacían “Hundir la flota” o “Fuera complejos”. Joan S. Luna

THE RURAL ALBERTA ADVANTAGE

THE TWILIGHT SAD

THE SWELL SEASON

Saddle Creek/Popstock!

Fat Cat Records

Anti/Pias

“Hometowns” ROCK

111

Habrá a miles como ellos, pero qué importa si suenan fantásticos y encima nos encantan. Puede que no fijarse más en el corazón de sus canciones haya sido el motivo de por qué su debut en elepé ha tenido que esperar más de un año para ser relanzado de una vez por todas. Su encanto es una exultante crudeza y vigorosidad juvenil con la que aporrean unos ritmos desgarbados y destartalados y un sonido campestre a lo campechano que hace justicia a su nombre. Este trío de Toronto hace rock primitivo, minimalista en ejecución que no en resultado, sin importarle poco más que las ganas de contar historias con una batería desbocada, que va saltando y esquivando guitarras, teclados y sintetizadores (el disco se abre y cierra con un pie en The Postal Service). En ocasiones, suena sucio e incendiario (“Luciana”, el otro pie en No Age), urgente y vibrante (“Four Night Rider”); en otras es más sereno y delicado, pero ante todo triste (“Don’t Haunt This Place”). Un disco afectado, nostálgico, de una sinceridad abierta que extraña como la vida misma. Una oda a la provincia canadiense de Alberta. Nils Edenloff más que cantar llora y sufre la vida. Celestí Oliver

“Forget The Night Ahead” ROCK

“Strict Joy” 111

Después de la confianza ganada tras las positivas críticas a su debut “Fourteen Autumns & Fifteen Winters” y haber actuado junto a Mogwai, Micah P. Hinson o Battles, los escoceses The Twilight Sad acometen la reválida con su segunda entrega larga, un magnífico calambrazo de una intensidad que hace presagiar grandes horizontes para un grupo que está sabiendo jugar a la perfección las bazas de los cánones más respetables del shoegaze y el oscurantismo británico. “I Became A Prostitute” es una canción envidiable para cualquiera que quiera mejorar en su trabajo (musical, se entiende) mientras que “Made To Disappear” es un gran ejemplo de ese folk con capas de ruido con el que se defienden The Twilight Sad y que nosotros celebramos cuando escuchamos la voz de James Graham aullar sin aspavientos las miserias de la vida, no importa cuál ni la de quién. Como seguramente sea previsible, “Forget The Night Ahead” sonará más en días lluviosos que en aquellos soleados y sin equivocarnos podemos catalogar de error prescindir en días alegres de la belleza y la pureza de un disco que trasciende estaciones y estados de ánimo. Nacho P.L.

POP

111

En buena medida, una buena parte del éxito de las canciones del filme “Once” se debía a la sintonía que había entre aquellas y las imágenes de la película. Los temas casaban a la perfección con las situaciones reflejadas y, de ese modo, costaba mucho menos ubicar cada tema en su lugar, entenderlo desde una perspectiva concreta en nuestra cabeza. Ahora, una vez escuchamos el nuevo material de The Swell Season sin esas imágenes a las que agarrarnos, cuesta familiarizarse más con las canciones. La temática sigue siendo muy parecida, el sonido y la estructura también, y Glenn Hassard demuestra de nuevo que es un cantante extraordinario, que además ha ampliado sus miras y sus registros. En “Feeling The Pull” se acerca a Neil Young, y en “In These Arms”, canta descaradamente como Bob Dylan. En cambio, su compañera de fatigas en esta ocasión luce menos, se muestra más tímida en sus acometidas, y en las piezas en las que hacen doblete falta chispa, como si forzasen la máquina. Hay excepciones, como “The Rain”, “Fantasy Man”, en la cual el dúo funciona como un rodillo, o “High Horses”. Aprobado. Toni Castarnado

(vinilos /52/ Noviembre 2009 · MondoSonoro)

la elegancia de aaron thomas SAD DAY FOR PUPPETS “Unknown Colors”

Ha Ha Fonogram/Green Ufos

POP

Aaron Thomas Foto Archivo

AARON THOMAS “Made Of Wood”

Recordings From The Other Side/Popstock!

POP

1111

“Follow The Elephants” puso en el punto de mira a un australiano que se decía a sí mismo guiri y buscaba hacerse un hueco en el trillado panorama musical nacional. “Made Of Wood” llega un año después para confirmar cuanto se puede crecer cuando se cuenta con los elementos adecuados. Esta vez, los astros parecen haberse alineado para que a Aaron Thomas no le falte de nada. Un productor soñado como Valgeir Sigurdsson (Björk, Bonnie Prince Billy), la posibilidad de grabar a

caballo entre Madrid (Cinearte) y Rejkjavik (Greenhouse Studio), colaboradores de lujo, una banda flexible y, sobre todo, mucha confianza en sí mismo. Todo esto es lo que le ha permitido firmar un álbum más consistente, complejo y luminoso. Aaron ha aprendido a utilizar la tercera persona y ahora nos habla de parejas infieles, hombres cobardes y mujeres glamorosas que no saben a dónde se dirigen, aunque siempre intuyamos que es él quien se esconde detrás. Además, su música no ha perdido ese intimismo y belleza escondida, marca de la casa desde el comienzo. En “Made Of Wood” hay folk, pero también metales, música de teatro, blues que finalizan siendo pop, letras que buscan a Hemingway, y muy buen hacer. Cristina V. Miranda

DAWN LANDES

ANTI-FLAG

ARCHITECTS

Cooking Vinyl

Side One Dummy

Century Media

“Sweet Heart Rodeo” POP

“Hollow Crown”

“The People Or The Gun” 1111

A Dawn Landes siempre la hemos comparado con otras cantautoras del palo (Cat Power, Julie Dorion, Edith Frost…) para explicar lo mucho que nos gusta. Pero ahora eso ya no toca. La bellísima cantante con base en Nueva York tiene tras de sí unos cuantos discos, grandes como soles, que ya la hacen merecer el título de ser una de las singer-songwriters más dotadas de su generación. Así de claro lo digo, por si aún queda algún despistado que no lo sepa. “Sweet Heart Rodeo” (nada que ver con el legendario disco de The Byrds de título similar) es la tercera muestra del extraordinario talento de la Landes, una escritora de canciones superdotada capaz de dar aires pop a la música de raíces norteamericana con una sencillez que tira de espaldas. Una operación que, en su nuevo disco, viste mejor que nunca en once composiciones que son una verdadera delicia. Me gustan todas por igual, pero si tuviera que elegir unas cuantas me quedaría con las siguientes: la beatleiana “Love”, esa miniatura pop que es “Clown“, la coqueta “Dance Area” y “Little Miss Holiday”, mi favorita de todo el lote. Xavi Sánchez Pons

PUNK

111

Anti-Flag son una de las bandas más respetuosas con el punk como algo más que una vía para vender camisetas. Siete álbumes anteriores y una vuelta al terreno independiente contemplan este “The People Or The Gun” que, ya sin la excusa de la administración de Bush Jr., pone el énfasis en la reacción popular y en unos tiempos bastante volátiles. Ya sabemos lo que le sienta bien a los norteamericanos: la rapidez y ese espíritu biafresco que hacen de “You Are Fired” una de las soflamas más amenazantes de los de Pennsylvania, pero también sus debilidades en forma de coros entre adocenados y edulcorados que hacen que inevitablemente pensemos en un pitido de error, ese que dice con la voz del sentido común que la revolución podrá ser televisada, pero no comenzará en la barra del bar ni entre amigos. Afortunadamente, Anti-Flag parecen intuirlo en “No War Without Warriors” y en “Teenage Kennedy Lobotomy” (el título ya lo dice todo) cierran cargando con un poco de la rabia y el caos que tenía en su origen el movimiento del que buena parte de la juventud les considera abanderados actuales. Nacho P.L.

METALCORE

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Mucho ha llovido desde que la revista británica Kerrang! se refiriera a los miembros de Architects como “críos de pelo corto que tocan metalcore aburrido”. Un golpe bajo para una banda, en efecto, muy joven –escribieron su debut con apenas dieciséis años- que ya llevaba cierto tiempo pateándose los clubes del Reino Unido. Pero eso fue en 2006. Desde entonces, el quinteto de Brighton ha evolucionado a gran velocidad, editando para Century Media el notable “Ruin”, un split con Dead Swans, y ahora este “Hollow Crown”, una patada en los huevos de todos sus detractores con la que, sin renegar de sus orígenes, intentan desmarcarse del rebaño. Lo consiguen por momentos, combinando técnica y riffs complejos con la vista puesta en The Dillinger Escape Plan, voces melódicas cercanas al emo y cambios de ritmo que denotan cierto esfuerzo por huir de los lugares comunes. Las composiciones, dinámicas y libres, tiran más hacia el hardcore, y el sonido ha mejorado mucho –ha sido producido por John Mitchell en los Outhouse Studios (Enter Shikari)-. Escuchados del tirón, sus nuevos doce temas llegan a cansar, pero aisladamente invitan a la esperanza. David Sabaté

111

La dulzura que raspa. El algodón de azúcar envasado en un tarro cubierto de hiel. El viperino fuzz guitarrístico servido en bandeja de miel. A todos esos símiles responden Sad Day For Puppets, joven trío de Estocolmo que se amamantó, musicalmente hablando, en una adolescencia mecida por los sones de la escena shoegaze y el indie pop británico de los primeros noventa, y que viene a engrosar esa creciente legión de revivalistas que, quizá por un mero motivo generacional, no hace más que multiplicarse en los últimos dos años. Fiel a tales parámetros y a su raigambre escandinava, su álbum debut, producido por Dan Treacy (Television Personalities) exuda esa ingenuidad marca de la casa, esa encantadora bisoñez que acaba por desarmar cualquier dentellada crítica que se esboce ante un temario desigual, aún tierno y con mucho crecimiento por delante. No tienen ni el nervio de unos Asobi Seksu, ni la puntería de unos The Pains Of Being Pure At Heart (dos referentes bien cercanos), pero la adherencia de “Cherry Blossom”, la dulce malicia de “Mother’s Tears” o la pegada de “Shiny Teeth And Sharpened Claws” invitan a darles un voto de confianza a la espera de próximas entregas. Carlos Pérez de Ziriza

TELEPHUNKEN

“Que viva el ritmo!!!” DA/Actúa

ELECTRÓNICA

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Si Ernesto Sánchez y Sergio Zamarvide hubieran nacido en las islas británicas o al otro lado del Atlántico, a buen seguro se codearían a Norman Cook y demás secuaces de la electrónica más bastarda y bailable. Con su cuarto álbum de estudio el dúo, fiel a sus principios de explotar el electrofunk y el groove más rítmico (permitiéndose incluso los aires flamencos en “Fuego y pólvora”), factura un disco con un sonido más homogéneo y compacto que sus anteriores trabajos. Después del EP “Latin Demon” (en el que colaboró un estandarte del género, el neoyorquino Ursula 1000), “Que viva el ritmo!!!” supone un déjà vu que nos hace pensar en las pistas de baile de los setenta adaptado a los tiempos que corren. Haciendo hincapié en las melodías y la instrumentación trompetera “Having A Good Time” (con la participación de Digital 21) explota las capacidades como scratchers de los mañicos mientras que en “Like I Like It” se valen de una guitarra acústica como hilo conductor de su particular e inconfundible sonido. Un notable divertimento atemporal que no entiende de nacionalidades. Sergio del Amo

DOOM

“Born Like This” Lex/Popstock!

RAP

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La credibilidad de Daniel Dumile, el hombre detrás de la máscara de hierro, no pasa por su mejor momento. Si bien nadie discute su condición de figura crucial del underground americano, el verano pasado se le acusó de enviar a impostores a sus conciertos e incluso de hacer playback. Sean ciertas o no esas acusaciones, la duda será suficiente

abono para el mito: la veda queda abierta y presumo que sus conciertos serán, a partir de ahora, una bacanal de paranoia. Así que “Born Like This”, su primer álbum en años, parecía una buena oportunidad para reconciliarse con sus fans y cerrar bocas. ¿Lo es? Sí y no. Doom sigue sonando como si operara desde un pequeño cuartucho lleno hasta los topes de cintas de cassette. Ha colaborado con Jake One y Madlib en algunas producciones y la presencia de Raekwon y Ghostface Killah en un par de cortes es, por la deuda con Wu-Tang Clan de Dumile, algo lógico además de necesario teniendo en cuenta que Doom no está especialmente inspirado en sus rimas y producciones. Medio pecado, medio virtud: lo único que sugiere un cambio o una evolución aquí es la desaparición de esas dos iniciales al principio de su nombre artístico. ¿Cambian los supervillanos? Ahora sabemos que no. Joan Cabot

KENNEDY

“Life Is A Party” Cordless/Naïve

POP

111

Cuenta la leyenda que a Kennedy se le abrieron las puertas de una carrera en solitario cuando le prendió fuego a la camisa del vocalista de su grupo de hace unos años, Silversun Pickups, quienes visten y se peinan con mayor seriedad que nuestro protagonista. No sé qué hay de cierto, pero escuchando un álbum como “Life Is A Party” o viendo sus clips promocionales uno se espera cualquier cosa. Y es que Kennedy vendría a ser al disco pop lo que Hard Mar Superstar al r’n’b comercial o lo que Dent May al indie. Afincado en Los Angeles, el tipo ha grabado buena parte del minutaje de este trabajo en Londres con los hermanos Julien y Raphael Aletti, más conocidos como Count De Money, y entre sus amigos están Grand Marnier y la propia Yelle (que le echa una mano en los coros de “John & Yoko”). Con la ayuda de todos ellos y de alguno más (Nikki Monninger, bajista en Silversun Pickups; la vocalista Joy Malcolm, colaboradora de Moby o Basement Jaxx), Kennedy consigue evitar que consideremos “Live Is A Party” una simple broma y, en su lugar, aceptemos que se trata de un disco con un puñado de divertidas canciones pop sin pretensiones. Joan S. Luna

BON SCOTT BAND

“Coverage · Nuestro rock” Maldito

HARD ROCK

111

Ellos son los más indicados para hermanar en un disco el sonido característico de AC/ DC y el espíritu del rock español clásico y endurecido. A la Bon Scott Band la conocemos y reconocemos desde hace años por su entrañable, festiva y potente labor como banda de tributo a los australianos más ilustres del rock. Es más, a la mayoría de nosotros, seguramente, nos bastaba con que se dedicaran a ello. Pero estos barceloneses, sin embargo, han decidido que había llegado el momento de dar un paso adelante y demostrar que su mundo no se acaba en los hermanos Young, aunque por lo visto tampoco se desliga nunca totalmente de ellos. De ahí que a sus versiones de Barricada, Los Suaves, Leño, Tequila, Obús, Platero, Miguel Ríos, Burning o Marea entre otros, le hayan aplicado en este álbum -acertadamente titulado “Coverage . Nuestro rock”- la misma receta inagotable de riffs y estribillos punzantes que tanta gloria ha proporcionado a AC/DC durante décadas. Al final, lo que cuenta, es que el resultado, entre experimental, curioso y emotivo, acaba funcionando. ¿Será que Australia no está tan a las antípodas del rock hispano como pensábamos? Xavier Llop

(MondoSonoro · Noviembre 2009 /53/ vinilos)

BRYAN ESTEPA “Sunday Best” Rock Indiana

ROCK

1114

Bryan Estepa es una debilidad personal de Pablo Carrero, adalid de Rock Indiana y un hombre con libertad y buen gusto a raudales, quien para esta empresa ha encontrado apoyo incondicional entre musicadictos ilustres de la capital como son los responsables de “Islas de Robinson” (Radio 3), “Hotel Arizona” (Radio Enlace) y Radio City Discos. El músico australiano repite así en el sello madrileño con un nuevo tratado de pop atemporal, algo más modesto que totalizador (quizá la única pega que encontramos en “Sunday Best”), pero, aun así, un tratado en toda la extensión de la palabra. El disco toma altura gracias a la sensibilidad pop de “Aches And Shakes” y “Different With You”, que acarician con su calidez y acabado artesanal. A partir de ahí, Estepa oscila prodigiosamente entre Chris Bell y Ryan Adams, esto es, entre el power pop primigenio y el alt country más elegante, regalando momentos armónicos memorables (“Worry Me None”) y hasta algún proyectil de guitarras Costa Oeste (“Myself”). Que no les eche para atrás el más que cuestionable atractivo de la portada: “Sunday Best” es oro puro. Jorge Ramos

CHOIR OF YOUNG BELIEVERS

“This Is For The White In Your Eyes” Ghostly International

POP

1114

“This Is For The White In Your Eyes” es de esa clase de discos que por su sonido lucen una inmaculada blancura, una virginidad y pureza casi impolutas. Será por eso que el danés Jannis Noya Makrigiannis habrá elegido este título para su álbum de debut como Choir Of Young Believers, otro nombre más que acertado para hacer honores a unos cantos celestiales y a unas voces corales con los que abrazas la gloria y que acaban siendo la cima de un trabajo en el que también sobresalen sus arreglos orquestales. Clasicismo pop, majestuoso y barroco, impecable para retumbar en una catedral y alzarse hasta los cielos. Buen ejemplo es la grandilocuente “Next Summer” que te hace extender los brazos con una intensidad epidérmica como si fuese unos Sigur Rós con la armonía de unos Beach Boys nórdicos. Tanto es así que, por su forma de cantar, el ex Lake Placid se acerca a The Shins en dos de las más bellas canciones del disco (“Claustrophobia” y “She Walks”). Pero también remite a Fleet Foxes o a Tom Yorke (“Wintertime Love” y “Under The Moon”). Lo más brillante es su religiosa polifonía con unas voces pletóricas. Un disco para mantener la fe. Celestí Oliver

DAYNA KURTZ

“American Standard” Munich/Nuevos Medios

AMERICANA

1111

“Nunca he pasado más de un mes sin la necesidad de encerrarme en un estudio. Así que compré una casa en las montañas y un pequeño estudio de grabación”. Y a tenor de lo escuchado en este “American Standard”, podemos apuntar que el sistema de trabajo de la cantante americana parece el acertado. Si con la perspectiva del tiempo, “Another Black Feather” se descubre

como su disco más complejo y pretencioso, “American Standard” servirá para valorar que “Postcards From Downtown” no fue una casualidad y que la capacidad de Kurtz para hacer versiones va más allá de aquella estupenda tanda que se incluía en “Beautiful Yesterdays”. Aquí caen “Don’t Go Down” de Elliott Smith, la ceremoniosa “Here Comes Below” de The Replacements y ese clásico imperecedero de Sonny Burgess que es “Hanging Around My Boy”. Su voz continúa siendo una joya que maneja a las mil maravillas en cualquier registro y situación, ya sea canción americana, soul o blues. Prueba de ello es “Are You Dancing With Her Tonight?”. Y si conectas con lo que ofrecieron The Felice Brothers en su último capítulo, te pirrarás con “Good In ‘62” o “Billboards For Jesus”, con la voz de Kurtz corpulenta y distorsionada como nunca. Aunque no podemos dejar pasar “You Fine Girl”, una pieza a capella que eriza el vello, o la festiva “Election Day”, grabada en Nueva Orleans el mismo día de las últimas elecciones estadounidenses. Toni Castarnado

La selección Jäger:

lo podrido en dinamarca

THE DO

“A Mouthful” Get Down!/Naïve

POP

1114

“On My Shoulders” es uno de esos temas que justifican la adquisición (descarga, ripeo, etcétera) de un disco. Lo extravagante de su melodía, lo hipnótico de la voz, la majestuosidad de sus arreglos. Todo en él lo hacen uno de esos singles perfectos que ayudan a una banda a darse a conocer, a pesar de no contar con nada más de valor en su haber. No es el caso de The Do. La promesa del single se hace realidad en un disco tan complejo en su planteamiento sonoro como accesible y adictivo en su escucha. El pasado jazzístico de la guapísima finlandesa Olivia B. Merihlati y el extenso conocimiento musical del francés Dan Levy, hormiga obrera del paisajismo sonoro en forma de bandas sonoras y manejo de multitud de instrumentos, dan forma a un trabajo amasado a partir de multitud de influencias, pero con una marcada entidad propia. Su talento como compositores se muestra de manera rotunda a través de unas canciones que transmiten exuberancia y alegría, un destilado de préstamos de Björk, Cocorosie o Blonde Redhead, pero con sabor original. Robert Aniento

REZNIK “El Mal”

Alone Records

ROCK

1111

Alguien dijo alguna vez que se nota que nos hacemos mayores en que casi todos nuestros ídolos del balón son menores que nosotros y a los entrenadores de hoy les vimos jugar antes de ayer. Eso puede aplicarse al hecho de que bandas que hemos visto crecer a pie de escenario cuenten ya con una o varias ediciones a un mucho más cercano alcance de la mano que no se mueve exclusivamente en determinados circuitos. Reznik es una de esas bandas, secretos a voces de una ciudad y un sonido celoso de si mismo y de sus particularidades, que ocupan espacios como este con todo merecimiento y naturalidad. Su debut es negro como el propio mal y no exento de la luz resplandeciente del pasillo de un sanatorio mental, enfermizo como la gallina bailarina de Herzog y con una mala baba y un humor retorcido que hacen bien en atribuir a una procedencia soviéticomarciana que la historia por desgracia se ha perdido para siempre. Afortunadamente ahí están Diana y Lolo para desfogue de cabezas nerviosas; les basta con apenas media hora de guitarra y batería para probar lo atractivo que es el mal. Nacho P.L.

The Raveonettes Foto Archivo

THE RAVEONETTES “In And Out Of Control” Fierce Panda/Popstock!

POP

1111

Ese toque depresivo, casi marginal, que impregnan Sharin y Sune a sus letras, adquiere tintes de radicalismo extremo en este “In And Out Of Control”. Más oscuros que nunca, a base de putas, violaciones, ansías vengativas, drogas por doquier, suicidios tragicómicos… cualquiera podría atreverse a afirmar que los daneses han padecido en sus carnes un año nefasto y se han visto volcados a canalizar su perturbada mente en su último largo. Pero la teoría en cuestión se va directamente al garete cuando en menos de un minuto “Bang!” hace acto de presencia con una estela power pop de esas que quitan el sentido y nos iluminan con unas melodías

que poco o nada tienen que ver con lo que predican. Sí, suenan más pop que nunca, y uno lo agradece. Y si para más inri encima reúnen en un solo álbum un buen puñado de estribillos irresistibles (“Last Dance” nos vale como canción ye-yé se mire por dónde se mire), sin perder un ápice de esas distorsiones marcianas de inspiración shoegazer marca de la casa (“Break Up Girls!”), solamente podemos estar encantados. Bien es cierto que “Oh, I Buried You Today” rompe la línea ascendente del álbum, pero “Suicide”, “D.R.U.G.S” o “Boys Who Rape (Should Be Destroyed)” me han devuelto con creces la fe en el dúo sorprendiéndome más que gratamente al dar una vuelta de tuerca a su característica e inconfundible imaginería de decadencia ilegal. Sergio del Amo

LAVENTANA

/54/ Noviembre 2009 · MondoSonoro)

El padre de Pedro Vizcaíno en la fundación del sello (sic) Foto Archivo

(

Grabaciones en el Mar

Contra viento y marea Grabaciones en el Mar será objeto de homenaje desde el 12 de noviembre hasta el 31 de enero. El zaragozano Centro de Historia prepara una exposición en la que se repasarán los quince años del sello, indudable referente del indie estatal y en cuyo seno nacieron grupos como Carrots, El Niño Gusano, Tachenko o La Costa Brava.

Imprescindible

l sello zaragozano capitaneado por Pedro Vizcaíno tuvo, como todo, un comienzo. “Surgió de modo natural, trabajando en la tienda de discos que teníamos Sergio Algora y yo. No sé, no fue muy premeditado, simplemente comenzó con un par de singles y de ahí fue todo más o menos rápido. También influyó la dinastía familiar…”. Lo de la dinastía familiar quedará más o menos claro durante la exposición que se le dedica al sello. “Pienso que está enfocada de una manera sencilla y fácil de ver. Resultará entretenida y divertida, que también es algo importante.

Además se proyectará un breve documental y participan con obras plásticas gente muy conocida del panorama artístico zaragozano como Luis Díez y el Colectivo Anguila”. Una parte de la muestra estará dedicada a Sergio Algora, fundamental a la hora de hablar del sello. “Sergio formó parte de tres bandas editadas en Grabaciones en el Mar. Y además dos de ellas fueron muy importantes, evidentemente El Niño Gusano y también La Costa Brava. Sergio era una persona especial, con un talento desbordante. Varios nombres de giras y discos son suyos. Y bueno, hasta el nombre del

sello”. Vizcaíno ha estado a punto de acabar con el sello en varias ocasiones, las cosas no siempre salen como se espera, y menos en estos tiempos en los que vender discos es toda una proeza. “El porqué sigo ahí no lo entiendo ni yo. Supongo que porque he tenido otros negocios alejados de la música pero igual de ruinosos y al menos con este siempre hay una motivación, es algo que vives más intensamente porque esto te tiene que gustar mucho, si no...”. Todos los sellos han tenido sus altibajos, por eso siempre es de agradecer que, como Grabaciones en el Mar, sigan en la brecha. “Los mejores momentos suelen ser los buenos conciertos, al margen de que haya gente o no, que es algo que hace años que no me quita el sueño. Los peores, quizás, la indiferencia con que la han pasado algunos discos que me encantan, pero bueno, es algo con lo que hay que contar cuando no vives en Madrid”. ■ Rafa Angulo

El Niño Gusano “Circo Luso” (1995)

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Un disco sin el que no se podría entender gran parte de la escena indie actual. Un trabajo, el de los zaragozanos, indispensable a la hora de hablar del sello. Canciones enormes, surrealismo, humor y drama, grandes y arriesgados arreglos. Un disco adelantado a su tiempo que contó con una voz inmortal.

RECOMENDABLES

Sergio Algora

“Algora Campeón” (2009) 1111 Catorce canciones. Un viaje imprescindible por la vida musical de Sergio Algora, quien imprimiese abrumadora personalidad a El Niño Gusano, Muy Poca Gente y La Costa Brava. Himnos como “Mi última mujer”, “El Hombre Bombilla”, “No hay vacaciones”, “Pon tu mente al sol” o la bellísima “Natasha Kampush (hazme una perdida)”.

Carrots “Sunshine” (2004) 11114 Obra maestra de los catalanes. En este trabajo las composiciones se acercan al público más pop, pero sin perder ni un gramo de genialidad psicodélica. Melodías llevadas hasta lo más alto, coros incontestables, un disco redondo por el que tanto el capo del sello como quien firma tenemos una debilidad declarada.

NOVEDADES

Bigott “Fin” (2009) 11114 Tercer trabajo editado de este simpar personaje, y primero para Grabaciones en el Mar. Folk, pop, una voz profunda y envolvente y una forma única de entender la música. El zaragozano deja el listón muy alto gracias a canciones como “Afrodita Carambolo”, la preciosa “She Is My Man” o “New Cork Seveille”. Impresionante.

Copiloto

“Un segundo luminoso” (2009) 1111 El segundo trabajo del oscense es todo un catálogo musical del sello que lo edita. Canciones claras, luminosas que se acercan a las melodías de Carrots, Tachenko, La Costa Brava, La Habitación Roja o El Niño Gusano. Pop en estado puro y joyas como “Moleskine” o “Vendrá cantando” ■ Rafa Angulo

, , (MondoSonoro · Noviembre 2009 /57/ LAS MEJORES PELICULAS DE LA DECADA)

l a n o i c a Intern Kill Bill: Vol. 1 Kill Bill: Vol. 2

Quentin Tarantino 2003-2004

Con este memorable díptico Tarantino demostró que el cine de género más gamberro también puede ser arte en mayúsculas. “Kill Bill” es un clásico instantáneo, una película de venganzas rabiosamente pop, protagonizada por una Uma Thurman en estado de gracia. El mejor trabajo del director de “Pulp Fiction” hasta la fecha. Xavi Sánchez Pons

Mulholland Drive

Old Boy

Ratatouille

Park Chan-Wook 2003

BradBirdyJanPinkava2007

”Old Boy” -que toma como punto de partida el manga homónimo de Minegishi Nobuaki y Tsuchiya Garones una historia de venganzas encontradas soñada que llega a la maestría gracias a su bella, original, perversa y vibrante puesta en escena, totalmente apabullante y consciente de su grandeza. X.S.P.

Una de las mejores películas de la década más allá del campo de la animación, el ingenio rebosa en cada uno de los fotogramas de “Ratatouille”. Impecable demostración del talento desbordante de Bird y de la factoría Pixar a la altura de ”Up”, “Wall-E” o “Los increíbles”. Jordi Picatoste Verdejo

DavidLynch2001

Después del clasicismo de la conmovedora “Una historia verdadera”, Lynch se descolgaba con una excelente película que fundía los hallazgos de “Terciopelo azul” y “Carretera perdida”. Un sórdido descenso a los infiernos de una aspirante a actriz en un Hollywood de pesadilla. X. S. P.

Dogville

Mystic River

A.I. Inteligencia Artificial

El viaje de Chihiro

Adaptation

El protegido

Lars von Trier 2003

Primera parte de la cínica trilogía contra Estados Unidos y con un reparto sorprendente, “Dogville”, mucho más que un salto mortal en la trayectoria del danés, es la enésima demostración palpable del talento y el fluir contracorriente de un cineasta particular y al margen de los tiempos. Joan S. Luna

Clint Eastwood 2003

“Million Dollar Baby”, “Cartas desde Iwo Jima” o “Gran Torino” podrían aparecer en esta lista, pero apostamos por esta tragedia griega moderna quintaesencia del estilo Eastwood. Auténtica obra maestra y la constatación de que estamos ante el director de cine norteamericano vivo más grande de la actualidad. X. S. P.

Steven Spielberg 2001

Aún incomprendida, la gran obra maestra de la década de Spielberg es una brillante adaptación de un relato de Brian Aldiss. Una historia que el director de “La guerra de los mundos” convierte en una de más bellas muestras de ciencia ficción humanista del cine reciente. X. S. P.

l a n o i c a N v

El laberinto del fauno Guillermo de Toro 2006

La grandeza de la película de Guillermo del Toro radica en que el mexicano no se ha traicionado para llegar al gran público. Igual de personal y arriesgada que “Cronos”, igual de violenta que “Blade 2” y más emocionante que “Hellboy”. Del Toro eleva a la categoría de arte el cine fantástico más desacomplejado. Xavi Sánchez Pons

Hayao Miyazaki 2001

(El ladrón de orquídeas)

M. Night Shyamalan. 2000

Spike Jonze 2002

Auténtica poesía visual, “El viaje de Chihiro” es un malabarismo de imaginación que desprende humanidad a raudales. El último gran artesano de los dibujos animados consiguió el Oso de Oro de Berlín y el Óscar a Mejor Película de Animación, un hito que sin duda estaba justificado. J. S. L.

Spike Jonze y Charlie Kaufman volvieron a unir sus fuerzas en esta hilarante historia sobre un guionista, el mismo Kaufman (un Nicolas Cage excelente), en crisis y al borde de la locura. Junto a “Olvídate de mí” de Michel Gondry, el mejor tour de force del guionista más célebre del nuevo siglo. X.S.P.

“El protegido” es, con permiso de “Spiderman 2”, la película de superhéroes más bien parida de la historia del cine. Una cinta que, además, confirmaba el hecho de que Shyamalan no era flor de un día, cómo ha demostrado después en filmes brillantes como “El bosque” o la infravaloradísima “El incidente”. X.S.P.

Volver

Las horas del día

REC

Pedro Almodóvar 2006

Jaime Rosales 2003

Jaume Balagueró y Paco Plaza 2007

Cuando Pedro Almodóvar despliega su personal genio es capaz de obras tan atemporales como esta. Películas que logran reflejar con desparpajo una sociedad que de tan particular contiene una contundente universalidad. Una cinta que, además, presenta una Penélope Cruz espectacular. Don Disturbios

La que sigue siendo, hasta la fecha, la mejor película de Jaime Rosales, es esta historia sobre un asesino en serie que recupera el naturalismo de Robert Bresson y la precisión quirúrgica en la puesta en escena del Richard Fleischer de “El estrangulador de Boston”. Un título a reivindicar desde ya. X.S.P.

“(REC)” es un divertimento de primer orden que no se toma a si mismo muy en serio y que hace las delicias de los amantes del género. Sangre, homenajes confesos a clásicos del terror, divertidas salidas de tono y un clímax final antológico, la convierte en una cinta de sustos obligada. X.S.P

El orfanato

3 días

En construcción

Intacto

F. Javier Gutiérrez 2008

La noche de los girasoles

Los Otros

J.A. Bayona 2007

Alejandro Amenábar 2000

José Luis Guerín 2001

Juan Carlos Fresnadillo 2001

Amenábar volvió a darse un baño de masas con esta excelente película de terror que tiraba, con clase y atrevimiento, de la novela de Henry James “Otra vuelta de tuerca” y de “Suspense”, la maravillosa adaptación cinematográfica de Jack Clayton. La última gran película de su director. X.S.P.

Guerín logró su único éxito comercial con este documental (premiado en San Sebastián) que dio alas al género en España. Un sincero, aunque algo teledirigido, retrato del barrio del Raval barcelonés rodado con la cámara al hombro y con muchas ganas. Ernesto Bruno

El debut de Juan Carlos Fresnadillo sigue siendo, a día de hoy, una de las películas más incomprendidas y malditas de cine español. “Intacto” es una fascinante, original y personalísima cinta de aires fantásticos llena de hallazgos que merece una segunda oportunidad. X.S.P.

La película “fenómeno” del pasado 2007 es una conmovedora historia de casas encantadas filmada con la clase de un maestro. Bayona es el cineasta más dotado de su generación, y “El orfanato” lo demuestra. A disfrutar junto a otras cintas de terror humanista como la excelente “Déjame entrar”. X.S.P.

“3 días” logra, partiendo de una idea brillante (la lucha por la supervivencia en la víspera del fin del mundo), un emocionante y trepidante thriller de tintes fantásticos que deja huella. De una madurez sorprendente para un director novel, el primer esfuerzo de Gutiérrez es una excelente carta de presentación. X.S.P.

Jorge Sánchez Cabezudo 2006

“La noche de los girasoles” es un thriller rural modélico con una estructura narrativa brillante que convierte a Jorge Sánchez Cabezudo en una de las grandes esperanzas blancas del cine español. Una vibrante muestra de un género, el thriller, no muy presente en nuestro cine. X.S.P.

mondorecomienda

LA ENTREVISTA

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ FANZINES

libros

Crazy Diamond: Syd Barrett y el amanecer de Pink Floyd

Joseph María Romero Alba Editorial (111)

Mike Watkinson & Pete Anderson Munster Books (1114)

Hoy más que nunca, la música supone para los autores, las discográficas y la industria en general un complejo entramado de normas, obligaciones y prohibiciones legales a las que este libro pone un poco más de luz. Más un manual de derecho que un libro sobre música al uso. L. J. M.

Sobre la figura de Syd Barrett se ha escrito mucho sin conocimiento de causa. Este libro consigue desvelar, a traves de numerosos testimonios, qué sucedió con el alma mater de los primeros Pink Floyd. Todo un viaje a los infiernos del ácido. Don Disturbios

Winesburg, Ohio Sherwood Anderson Acantilado (1111)

La muerte de Bunny Munro Nick Cave Papel de liar (1114)

Lo mejor, y también lo más doloroso, de este original de 1919, es que uno puede verse reconocido y no sólo en un único personaje. Anderson, ilustre desconocido por estos lares pero reconocida influencia de autores como Hemingway, Faulkner o Steinbeck, describe la comunidad del título a través de una veintena de relatos que desarman por su sencillez. J. Picatoste

Bunny Munro es escoria. Una polla humeante que, tras el suicidio de su mujer harta de sus infidelidades, debe hacerse cargo de un hijo al que nunca quiso. Bunny Jr. y su padre emprenderán un disparatado viaje de final incierto lleno de momentos de delirante ternura. Con el mismo dinamismo hooligan de Irvine Welsh. J.C.

Mi primera película: Toma 2

De gira con Los Ramones

Perfecto colofón al ya interesantísimo primer volumen, esta segunda parte de “Mi primera película” vuelve a convertirse en una pieza de gran valor para los seguidores del cine actual. A lo largo de diez conversaciones (Richard Linklater, Taheshi Kitano, Terry Gilliam…) descubrimos los entresijos del mundo del celuloide. Joan S. Luna

Siguiendo la estela del imprescindible “Por favor mátame”, Monte A. Melnick y Frank Meyer repasan con tino y con testimonios de primera mano la carrera de los Ramones a través de las giras que realizaron entre 1974 y 1996. Lleno de anécdotas para el recuerdo y de datos inéditos, la versión en castellano incluye un revelador prólogo de Jaime Gonzalo. X.S.P.

Stephen Lowenstein Alba Editorial (1111)

Monte A. Melnick y Frank Meyer Munster Books (11112)

Jan Martí Foto Archivo

Todo lo que hay que saber del negocio musical

Blackie Books

Libros en acción Que haya quien apueste por el libro de papel en estos tiempos de desconfianza siempre es una suerte, sobre todo si sus lanzamientos van a ser tan apetitosos como los de Blackie Books. Nace una nueva editorial, distinta y con las ideas muy claras.

ebemos celebrar el nacimiento de Blackie Books, una editorial que, por lo que parece, va a hacernos pasar grandes momentos. No hace falta más que atender a su filosofía para tener claro que la cosa va a dar juego. “La intención es durar en el tiempo, pero también en el espacio. Y disfrutar, como Laudrup”. Por si no hubiera suficiente, con un músico tras los hilos, Jan Martí (busquen ustedes el grupo al que pertenece, si eso les parece relevante). “Mi intención es convertirme en Ministro de Cultura”, bromea. Martí formó parte de la plantilla de una gran editorial (en la que, curiosamente, coincidió con otros músicos catalanes) y sintió una desazón de aquellas que corroen las entrañas al “comprobar lo que todo el mundo parece saber: que la industria de los libros se ha convertido en lo mismo que la del pan de molde, la ropa interior o los yogures. Producción descontrolada, sobrepoblación, competencia absurda, pérdida de criterio, etcétera. Y dije: ‘vale, me apunto’. Voy a hacer el mejor pan de molde, la braga más sexy y el yogur más cremoso. Y además el pan no se endurecerá, la braguita no pasará de moda, y el yogur no tendrá fecha de caducidad. No sé si me he hecho entender”. De ahí que Blackie Books pretenda

convertirse en una alternativa más que apetecible al trabajo de las majors (¿podemos aplicar aquí ese término?) del libro impreso. “Me haría mucha ilusión llegar a la gente que no lee. O que cree que no lee, porque cuando otros hablan de libros se aburre o se siente ‘desplazado’... pero que en realidad no sabe que se pasa el día leyendo (Internet, subtítulos, panfletos de Testigos de Jehová, cajas de cereales, etcétera)”. No cabe duda de que el futuro de Blackie Books es prometedor, pero el presente ya es brillante. Uno lo descubre con echarle un vistazo a sus primeras referencias: “Los Simpson y la filosofía” (análisis filosófico de la serie televisiva), “Do It” (manual de guerrilla urbana firmado por Jerry Rubin) y sobre todo “Cosas que los nietos deberían saber”, la muy reverenciada autobiografía del líder indiscutible de Eels. “Aún no me creo que pueda publicar el libro de Mark Everett. Es el mejor libro que he leído en los últimos años y encima Rodrigo Fresán ha hecho un prólogo precioso”. Más tarde llegarán libros firmados por Richard Brautigan, Werner Herzog, Ramón Gómez de la Serna, etcétera. Y es que la principal máxima de la editorial se resume en: “básicamente, publicaremos de todo pero no cualquier cosa”. “No hay prejuicios a la hora de leer, ni de decidir. Por ejemplo: en 2010 publicaremos un libro inédito de Werner Herzog, profundo y alemán como es él, y a la vez uno de los mayores best sellers del siglo XX, ‘Peyton Place’, papá de Twin Peaks (Lynch es fan del libro), precursor de los culebrones, y primer gran ejemplo de cultura pop en la literatura. De todo pero no cualquier cosa”. Así que ya sabes, mantente informado sobre sus novedades y movimientos en www.blackiebooks.org. ■ Joan S. Luna

cine

“Yo, también” cine español con coartada indie España es sobrenatural

Led Zeppelin: Los dioses del rock

Producirá sueños húmedos a los fans más leídos y malvados de Iker Jiménez y su troupe de freaks de “Cuarto Milenio”, “España es sobrenatural” es un festival de monjas con superpoderes, de curas de curiosas conductas, de personajes iluminados y de golosas anécdotas sobrenaturales de las diferentes estirpes reales que han reinado sobre la piel toro. X.S.P.

Cualquiera que esté familiarizado con esta colección de libros sorpresa de la editorial Cúpula (imprescindibles los dedicados a Bruce Springsteen y Bob Dylan), saben que están cargados de satisfacciones para los fans en forma de diversos gadgets que reproducen entradas, hojas promocionales, posters, set-list y un material fotográfico que quita el hipo. M.A.

Mondo Brutto, Vacaciones en Polonia Melusina (1114)

Charles R Cross Cúpula (11111)

“Yo, también” supone el debut largo de Álvaro Pastor y Antonio Naharro y la primera banda sonora original compuesta y dirigida por Guille Milkyway (La Casa Azul). La cinta se estrenó en los cines el 16 de octubre precedida por la expectación generada tras su triunfo en el pasado Festival de San Sebastián, donde sus dos actores protagonistas (Lola Dueñas y Pablo Pineda) se llevaron ambos con la Concha de Plata a la mejor interpretación. La historia se desarrolla en Sevilla y para ello Guille Milkyway ha fusionado su particular cosmos de melodías pop con un género tan cinematográficamente español como la rumba –(Las Grecas, Los Amaya) para crear el tema principal “Yo también”. La partitura incluye pequeñas y delicadas piezas de piano en la onda Henry Mancini que marcan el ritmo emocional de una historia con altibajos que fluye entre el amor y la amistad de sus dos protagonistas. El libreto musical de “Yo, también” tiene una clara pincelada del sonido Elefant con la presencia de algunas de las perlas del catálogo del sello madrileño, a destacar The School, Camera Obscura, La Casa Azul o BMX Bandits con una extraordinaria “I Can Wait Forever”. n

(MondoSonoro · Noviembre 2009 /59/ MONDORECOMIENDA)

LA ENTREVISTA

Cómics

LOS CLIPS DEL MES

◗ Flavio Rodríguez Eléctrico (111) Puede que, ante el clip de “Eléctrico”, uno se pregunte cómo ha sido capaz Flavio Rodríguez de filmar una pieza tan anacrónica y casposamente ochentera. Bien, pues quien lo haga estará demostrando que no ha entendido el homenaje a Duran Duran.

Me acuerdo

Zeina Abirached Sins Entido (111)

“Batraquiada”

Sin novedad en el frente. “Me acuerdo” no deja de ser una actualización de “El juego de las golondrinas”, su debut en nuestro país con el que consiguió despertar el interés de aquellos los mismos que disfrutaron de biografías periféricas y antibelicistas (en este caso le toca el turno a Beirut) como “Persépolis”. L. J. M

◗ The Last Three Lines Fish Tank (1111) Continuando con los homenajes, la banda barcelonesa de punk bailable nos sorprende con un video que busca imitar la factura y la narrativa de las viejas películas de ciencia ficción japonesa de la Toho.

Mi circuncisión Riad Sattouf Norma (111)

El autor de “Pascal Brutal” se acoge al slice of life para contarnos sus memorias de la infancia en Siria, cuando estar o no circuncidado suponía, además de un importante trauma personal, todo un motivo de exclusión social. En lo formal Sattouff apuesta por un formato más cercano al cuento ilustrado que al cómic. L.J.M.

“Cacolalia”

◗ Jet She’s A Genius (11) Nos tememos que Jet van a necesitar mucho más que este video para que su r’n’r de tintes clásicos se vuelva a situar en primera línea de fuego. En esta ocasión una chica ultra-peluda se mueve en bicicleta mientras la banda se muestra en directo.

La Cruda

el arte underground Essex County 2. Historias de fantasmas Jeff Lemire Astiberri (1114)

El hockey sobre hielo, deporte nacional de Canadá, sigue siendo el hilo conductor de la segunda entrega de esta multipremiada serie que sigue localizándose en el pueblo de Lemire. En esta ocasión un anciano echa la vista atrás a su vida, consumido por sentimientos de culpa y arrepentimiento para con su familia. L.J.M.

El horror de Collier County Rich Tomasso La Cúpula (111)

El peso del trabajo de Beto Hernández se hace presente en la obra de Rich Tommaso, tanto en su caricaturesco trazo como en la forma de afrontar una historia larga repleta de personajes sacados de películas de terror de serie Z. Porque en “El horror de Collier County” el humor resulta al menos tan importante como sus infinitos referentes pulp. L.J.M.

Si los músicos tienen problemas para difundir su música, no quieran ni pensar lo mucho que cuesta labrarse una trayectoria en el mundo de la pintura. Por suerte, son muchas las iniciativas de asociación que ayudan a tirar para adelante. “La Cruda” es una de ellas, una publicación y una asociación que se enfrenta al mundo a cara descubierta.

“

La Cruda” es un proyecto que apuesta “al cien por cien por la autoedición y la autogestión, adoptando unos parámetros alternativos y una postura política, pero sin enfrentarnos al mercado. Lo único que pretendemos es crear nuevos tipos de puentes entre el público y la obra de autores contemporáneos”, apunta Gonzalo Rueda, una de las cabezas visibles (junto a Nacho Simal y Rubén Pedro) de esta aventura con cuartel general en la ciudad de Barcelona. Hasta el momento han publicado tres números de su revista y han organizado un par de exposiciones que están generando muchas expectativas. “La idea de la galería nació más tarde. La posibilidad de exponer en vivo a los autores que publicamos abre una nueva dimensión a nuestro proyecto. Para empezar, no somos galeristas y tampoco somos auténticos editores, sino artistas. Ese punto de partida ya genera una dinámica y un tipo de relación nueva y distinta de las galerías tradicionales”. Decía que, hasta la fecha, han sido tres los volúmenes de “La Cruda”, todos ellos con un montón de pintores y dibujantes a tener en cuenta. Pero ahí no queda todo. “En el primer número incluíamos un compacto de música electrónica de Carles López, que entre otras cosas es uno de los

músicos de la famosa Reactable. Pero no creo que sigamos por ahí. Es mejor centrarse en un género determinado que intentar abarcar demasiado”. Lo que Rueda comenta no significa que “La Cruda” vaya a cerrarse puertas en lo geográfico, ya que algunos de los artistas que han colaborado con ellos no están afincados en nuestro país. De momento, nombres como los del dibujante de cómics estadounidense Anders Nilsen o el pintor austríaco Heiko Müller han formado parte del proyecto. “Por lo general contactamos con la gente vía email. Hasta ahora solo nos hemos encontrado con gente majísima que está encantada de trabajar con nosotros. ¡Deben estar todos locos!”. Por si no hubiera suficiente con el ajetreo de “La Cruda”, Rueda es el responsable de algunas portadas de discos recientes como “Supercrepus” de Joe Crepúsculo o “El primero era mejor” de Manos de Topo. “¡Me encanta hacer portadas! Eso es lo más importante, pero también ha estado muy bien trabajar con ellos. Son gente muy simpática”. En todo caso, el siguiente paso del artista es la promoción de “Petits Tours”, una edición en facsimil de sus cuadernos de viaje por el Mediterráneo. Más información en www.lacruda.net. ■ Joan S. Luna

◗ Billy Talent Rusted From The Rain (111) Tema efectivo y épico perfecto para acompañar la historia de este chatarrero que recorre las calles con su carrito al igual que lo hacía Neil Young en el video de su “Rockin in a free wolrd”. Sin embargo no estamos hablando de un homeless cualquiera.

◗ Joe Crepúsculo Toda esta energía (114) Sátira entretenida a la vez que cutre sobre lo idiotas que podemos llegar a ser cuando nos comportamos como fans. En este caso un nadador de prestigio se encuentra con un par de admiradores que no tienen reparos en espiar lo más íntimo de su mochila.

◗ Bélmez Gracias (1114) Interesante clip dirigido por Lluís Segura para los barceloneses Bélmez. Metáforico y cercano en concepto a los cómics del nórdico Jason, tiene sus mejores momentos al inicio, con una excelente fotografía en blanco y negro, para después jugar más con la historia y menos con el ritmo. n

mondomedia /60/ Noviembre 2009 · MondoSonoro

CONEXIONES Gaye o Stevie Wonder entre otros. Por otro lado Sony Computer comienza a presentar el nuevo sistema PSP Go, el primer dispositivo de bolsillo desde el que podrás descargar videojuegos, clips musicales, vídeos, contenidos de TV y hasta cómics.

◗ Carhatt se encuentra tras el filme “Carl Craig And Innerzone Orchestra Live In Rome”, que registra el concierto del genial Dj y Productor de Detroit junto a la Innerzone Orchestra en el auditorio Parco Della Música de la capital transalpina.

◗ We Are Standard participan en las subastas benéficas Very Important Plectrum junto a otros artistas de talla internacional como Kaiser Chiefs, Ryan Adams, Klaxons, Nine Inch Nails y un largo etcétera. Échale un vistazo en www. benshermanpresents.com/very-important-plectrums.

◗ El Concurso de bandas Levi’s Unfamous Music Awards llega a su final con la participación de The Blue Mondays, Amatria, Chinese Christmas Cards, Munich y Martin Page & The Polaroids,y Varry Brava, que competirán por el premio de 3.000 euros en las tres finales a celebrarse en Madrid, Valencia y Barcelona de la mano de Dorian. ◗ La V edición del Concurso de Maquetas Jack Daniel´s Backstage vuelve con importantes cambios para sus participantes. Una de las principales novedades es la incorporación de la red social Myspace al concurso. Este será el espacio ideal para seguir su día a día, donde se colgarán algunos de los temas de los finalistas, la selección de los favoritos de cada semana, etc. Otra gran novedad de esta edición es el premio. Por primera vez, la marca de whiskey de Tennessee premiará al ganador del concurso de maquetas con un backline profesional valorado en seis mil euros. Más información en www.jackdanielsmusic.es. ◗ Tras el éxito de la pasada convocatoria, Conexión CocaCola Zero ha vuelto el pasado viernes 9 de octubre en el pub Arena y en la discoteca Bianco, y el sábado 10 de octubre en la sala Cabare Madriz en Getafe. Coca Cola Zero 2009 es una gira de arte efímero en la que los autores son el propio público que asiste. Arrancó a mediados de mayo en Madrid, Barcelona y Sevilla y repite experiencia tras el éxito del año pasado, que visitó treinta y cuatro provincias. ◗ Por primera vez Sony incorpora dos altavoces estéreo integrados en uno de sus reproductores Walkman, el S540. Capaz de reproducir los principales formatos audiovisuales, permite visualizar vídeos en formato apaisado y cuenta con función grabadora que permite grabar directamente de la radio FM. ◗ El mes pasado os hablábamos de la retransmisión de un concierto on-line de Delorean dentro del Eristoff Internative Festival. Pues bien, una vez realizado se ha confirmado que 4.834 usuarios siguieron en tiempo real el show de la banda guipuzcoana.

◗ La historia empieza antes del verano, cuando Coco y Lola, dos amigas de veinticuatro años deciden crear un blog (www. cocoylola.com) y compartir todo lo que les pasa con el resto del mundo. Su día a día no tiene desperdicio: fiestas, ligues, viajes... El día de su cumpleaños, a Coco le regalan un coche nuevo, un Polo. Bromeando, Lola le dice que igual que no hay gintonic sin un toque de lima, un coche así queda mucho mejor con un chico. Entre risas, las dos deciden que lo mejor es preguntar a los lectores de su blog. Y así, de un oportuno comentario a su post, surge la idea de buscar el chico ideal para llevar el coche nuevo de Coco. ¿Cómo será ese chico elegido por Coco y Lola? ¿Qué harán con él durante ese fin de semana? ¿Cumplirá las expectativas? Así se presenta la nueva campaña vinculada al Volkswagen Polo. ◗ Rockstar Games y el productor de moda en Estados Unidos, Timbaland, han diseñado una aplicación musical para PSP y Playstation increíblemente sencilla de usar, que permite a cualquier persona crear su propia música en cualquier lugar. “Beaterator” es un estudio musical portátil de extraordinarias dimensiones, sencillo para los que estén comenzando a componer música, pero cargado de potentes herramientas para que los creadores de ritmos más experimentados den rienda suelta a su creatividad.

Santiago Segura Foto Archivo

◗ Santiago Segura, será la voz en España de Eddie Riggs, protagonista de “Brutal Legend”, próximo lanzamiento de Electronic Arts en el que un legendario motero se pasea sumergido en un mundo de heavy metal donde las montañas están hechas con amplificadores, existen arañas asesinas que tejen con cuerdas de guitarra y las leyendas del rock deambulan sin rumbo. La banda sonora incluye temas de Black Sabbath, Judas Priest, Megadeath y Motörhead.

◗ Lee presenta su colección Fit Knox, dirigida a los chicos y que se ha convertido en uno de los fits estrella de la marca: De cintura regular -más bien estrecha y de altura media- y pierna recta, da a quien los lleva un look muy masculino y totalmente a la moda. ◗ Artistas En Ruta cierra su selección de grupos que estarán girando por toda la península este mes de noviembre y entre los que queremos destacar a No Reply y, Guillamino. Un nuevo esfuerzo de esta iniciativa por apoyar a artistas estatales a lo largo de todo nuestro territorio.

◗ Vans sigue apostando por zapatillas de ediciones limitadas en las que se homenajea a diversas bandas de rock. Ahora le toca el turno a Mastodon, con un motivo inspirado en el último disco de la banda, “Blood Mountain”. No es la única noticia que vincula a Vans con la música este mes: la Vans Off The Wall Music Night se celebró el 30 de octubre en la sala Razzmatazz 2 con las actuaciones de Marvin, Accident Recover y Read My Lips. ◗ La saga de videojuegos Singstar ya tiene un nuevo título. Sony acaba de comercializar SingStar Motown, exclusivo para PlayStation 3, y que incluye canciones de The Jackson 5, Marvin

Estelle Foto Archivo

◗ Que hace doscientos cincuenta años el señor Arthur Guinness empezara a deleitarnos con un brebaje etílico negroide icónico para la historia irlandesa es motivo suficiente de celebración. Por ello, el pasado 24 de septiembre diversos pubs y locales dublineses acogieron un sinfín de conciertos con motivo de tal efeméride donde se congregaron un ecléctico compendio de artistas en una jornada donde la música (Estelle, Tom Jones, Dizzee Rascal o Kasabian, entre otros…) y la barra libre fueron las protagonistas. (Crónica del evento en www.mondosonoro.com) ◗ Iggy Pop ha sido convertido en personaje de Lego para la última versión del Lego Rock Band, la particular versión Rock Band de la famosa marca juguetera. ■ Delorean en Eristoff Internative Festival Foto Archivo

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/62/ Noviembre 2009 · MondoSonoro

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Héroes por un día

Hospicio (Luis Menéndez) Es raro encontrar a un músico que hable abiertamente de sus miedos e inquietudes a la hora de presentar su trabajo... En la entrada anterior hacía referencia a los miedos e inquietudes de un periodista a la hora de enfrentarse a una crítica, del temor a que las prisas, el contexto o el simple desconocimiento invaliden una opinión en el mismo momento de publicarse o pasado un tiempo. Hoy cambio de punto de vista para fijarme en los miedos e inquietudes de un músico a la hora de componer una canción y, posteriormente, publicarla... Siempre he pensado que tal vez podría llegar a componer una canción, pero nunca mostrarla en público, y esa diferencia supongo que es la que permite crecer a un artista. En cualquier caso, es rara de encontrar y por tanto siempre se agradece la sinceridad de un músico a propósito de este tema. Como en la entrevista que tuve oportunidad de hacerle hace unos días a Peter Silberman de The Antlers. “Cuando empecé a componer el disco creo que estaba preparado para fallar, para que este proyecto no funcionara. En realidad pensaba y me preocupaba mucho que el disco sonara pretencioso o demasiado sobrecargado de emociones, no sabía cómo iba a recibirlo la gente y si me iba a sentir estúpido. Y durante la grabación ocurrió de nuevo que tenía tres cuartos de una canción y no sabía qué hacer para terminarla. Si te soy sincero llegué a pensar que nunca iba a terminarlo, porque había momentos en que las cosas no funcionaban, para nada… Y ahora la recepción me ha ayudado a

pensar que no estoy totalemente loco y que hacer este disco tenía sentido”. Claro que en su caso se entiendo todavía más el miedo: se puede decir que es su primer largo tras un par de lanzamientos menores bajo su propio nombre y se lo planteó como una obra conceptual sobre la desintegración de una pareja motivada por la enfermedad terminal de la chica. Y encima el álbum suena a caballo de Radiohead y el atmosferismo (tomo el término prestado) de Kranky Records. Casi na...

◗ The Beatles “Rain” Como Dylan sobran las explicaciones. Ahora me falla la memoria, pero me suena haber visto algún concierto de Robyn Hitchcock en el que empezaba con esta canción… ◗ Supertramp “It’s Raining Again” Placer culpable de los grandes para un grupo que, oh, sorpresa, ha marcado a más de una luminaria del indie yanqui. Piensen en Flaming Lips o en el modesto pero grandioso Dan Bejar y sus Destroyer…

Un, dos, tres, al escondite inglés

Cinco canciones para días lluviosos (Xavi Sánchez Pons)

Desde las barricadas con un Martini seco

Más perlitas de andar por casa... (Don Disturbios)

Apa, aquí en el mondo estamos cerrando el número de noviembre y el tiempo es oro. Así que, viendo el chaparrón que está cayendo hoy en Barcelona, me saco de la manga mis cinco canciones favoritas que hacen referencia a la lluvia en su título. Ahí van y que ustedes las disfruten… ◗ The Carpenters “Rainy Days And Mondays” Uno de los grupos de pop más grandes de la historia volando alto en una canción perfecta. El melodrama pop hecho arte. ◗ Buddy Holly “Raining In My Heart” Pionero del proto-pop, este rock and roller de apariencia cándida y vida disoluta, la clavaba en esta preciosa tonada donde es acompañado por una coqueta orquesta. ¡Temazo! ◗ Bob Dylan “A Hard Rain’s A-Gonna Fall” Sobran las explicaciones. ¡Uno de los grandes!

Reflexiones, ideas, sentimientos y gilipolleces varias ◗ Willard Grant Conspiracy Ayer estuve en la sala Sidecar viendo a Willard Grant Conspiracy y salí con una senasación bastante extraña. Era como si al empatizar con los músicos, sintiera en mi propia piel lo que debe ser llevar un montón de años tocando y editando discos que encima la crítica ensalza, para luego encontrarte con no más de cincuenta personas tan lejos de casa. Eso sí hay que reconocer que si algo les sobra a los yanquis es profesionalidad y encararon el concierto como si nada. Pero debe ser duro, muy duro. ◗ LedZep Hay días que se te alegran cuando menos te lo esperas. Acabo de llegar a la redacción después de comer y tenía un regalito de esos que

el 67% DE LOS lectores de mondosonoro NUNCA DIRÍA QUE LOS MIEMBROS DE LA INDUSTRIA DISCOGRÁFICA SE LO PASAN ASÍ DE BIEN EN LOS FESTIVALES

hacen ilusión. Uno de esos maravillosos libros de la editorial La Cupula sobre Led Zeppelin, repleto de gadgets (pósters, hojas promocionales, reproducciones de entradas…) e ilustrado con unas fotos estupendas. Las biografías suelen ser bastante superficiales y correctas, pero el material grafico hace las delicias de fans y coleccionistas ◗ Ramona Falls Joan S. Luna me pasa la crítica del debut de este grupo para que la suba a la web y al leerla me adentro en su Myspace movido por la curiosidad... “Pero si lo he puesto un montón de veces en la redacción”, me grita Joan cuando le digo, con los cascos puestos, que “Russia” es una canción preciosa... Eso es lo malo de poner música en la redacción, que como no seas tú el que la pones tu capacidad de atención se desintegra... ¡Con los cascos mucho mejor! ◗ Chuck Prophet Sin duda es el gran olvidado y casi nunca nadie lo menciona. ¡Qué injusticia! Acaba de editar “¡Let Freedom Ring!” y la clava de nuevo de la mejor forma posible, es decir, manteniendo esa personalidad y estilo único con unas canciones que destilan garra y autenticidad. ■

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